viernes, 18 de mayo de 2012

A 20 años de Revenge de Kiss

La revancha desenmascarada




1992 sin dudas fue un año difícil para el hard rock debido al advenimiento del grunge el año anterior y la escalada cada vez mayor de las corrientes más duras del metal en los rankings.
Por ese entonces, Kiss no solo sufría la caída en popularidad del hair metal, estilo al que se habían subido a medidos de los 80's, sino que también sufrirían su propia tragedia personal: luego de batallar duramente contra un cáncer cardíaco, el baterista Eric Carr (reemplazante del original Peter Criss) falleció en noviembre de 1991, dejando a la banda sin una pieza fundamental de su sonido.

De todos modos, a pesar del panorama sombrío, la banda decidió seguir adelante y correr algunos riesgos Basados en el sorpresivo éxito de la remake de God gave rock n roll to you, el legendario tema de Argent que la banda versionara para la película Bill & Ted's Bogus Journey (marcando la última participación en estudio de Eric Carr), Kiss decidió volver a trabajar con el productor Bob Ezrin con quien en el pasado grabaron, tanto importantes sucesos como Destroyer (1976), como grandes fracasos comerciales, como el conceptual Music from The elder (1981)

De entrada el concepto para el nuevo disco fue un endurecimiento, tanto del sonido como de la imagen, además de abrirse al aporte de diversos compositores para seleccionar el mejor material posible. Sorpresivamente uno de los colaboradores elegidos fue el ex miembro de la banda, Vinnie Vincent, quien se había separado del grupo en malos términos y posteriormente les haría un juicio millonario (que acabaría perdiendo) 
Uno de los momentos más extraños de la grabación resultó el pedido de colaboración de Gene Simmons a Bob Dylan en el tema Laughing When I Want to Cry, que finalmente no formó parte de la placa y terminó editándose muchos años después en el álbum Asshole del bajista.

Cuando el disco vio finalmente la luz (el 19 de mayo de 1992), el resultado fue altamente satisfactorio tanto desde el punto de vista artístico como del comercial, ya que Revenge (como terminó titulándose la placa) se convirtió en disco de oro tanto en EEUU como en Canadá además de llegar al Top Ten en los principales rankings europeos
Con temas como Unholy y Domino como puntas de lanza, la banda logró convencer a los fans más aguerridos de que lograban acomodarse a los nuevos tiempos sin perder identidad, y con baladas como Every time I look at you lograron nuevamente sonar en las radios.
La gira mundial por primera vez incluyó a Argentina (la banda se presentó en el marco del Festival Monsters of Rock y en cuatro shows íntimos en el Estadio Obras Sanitarias) y de los recitales en las ciudades de Detroit, Indianápolis y Cleveland se grabó material para el posterior lanzamiento en vivo Alive III

El éxito de Revenge le permitió a Kiss disfrutar de un importante reconocimiento que incluyó un inmediato disco tributo (Kiss my ass con la participación de bandas como Extreme y Lenny Kravitz) y la posibilidad de participar del ciclo MTV Unplugged en donde por primera vez en más de 15 años el cuarteto original de Simmons, Stanley, Criss y Frehley se presentaron juntos en un escenario

El inmediato suceso logrado por la reunión del Kiss original llevó a que se suspendiera el lanzamiento de Head, el disco sucesor de Revenge (grabado con Kulick y Singer), que finalmente, y debido a la cantidad de copias piratas que circulaban en el mercado salió a la venta con muy poca difusión en 1997 bajo el titulo Carnival of souls - The final sessions cerrando (¿definitivamente?) la etapa desenmascarada de la banda de New York.

viernes, 13 de abril de 2012

Montes - Aún brillando a pesar del paso del tiempo






El rock nacional (argentino) está plagado de nombres rutilantes que ayudaron a su desarrollo y que aun continúan (en mayor o menor medida) creando nuevos sonidos.
Sin embargo algunos nombres a pesar de la calidad musical no lograron trascender más allá de un reducido número de coleccionistas. Ese es el caso de Jorge Montes, un virtuoso guitarrista de los '70s que jamás pudo recibir en vida el crédito merecido
Jorge comenzó su carrera profesional como guitarrista del grupo Séptima Brigada, quienes a pesar de estar enrolados dentro de la vertiente “comercial” de la música beat (junto a grupos olvidados como Trocha Angosta y Pintura Fresca) por momentos permitían cierta conexión musical con los dos héroes del guitarrista: Carlos Santana y Jimi Hendrix


Al finalizar su experiencia con Séptima Brigada decide partir hacia Bolivia, un mercado musical extraño para la época, (incluso para el rock latinoamericano) donde forma su propio power trío: Montes Mahatma junto a Álvaro Córdoba en batería y Javier Saldias en bajo. Con dicha agrupación se presenta en el Festival BA Rock de 1972 antes de embarcarse (ya sin sus compañeros bolivianos) en un nuevo proyecto llamado simplemente Montes, (a secas) un cuarteto a medio camino entre el hard blues y el rock progresivo.
Como era costumbre en aquellos años (1973) la banda debuta discográficamente en formato simple con Pájaro Nocturno en la cara A y Un viaje al mar en su reverso, dos notables muestras de crudo hard rock a la manera de Led Zeppelin
Al año siguiente finalmente se edita el primer LP de la ya consolidada agrupación: Cuando brille el tiempo, con una tapa surrealista inspirada por Dalí y realizada por Miguel Angel, hermano de Jorge y también coautor de los temas. En formato cuarteto, (acompañaban a Jorge el vocalista Juan Carlos Policastro, el bajista Alberto Onetto y el baterista Carlos Salazar), y con un joven Alex Zucker de invitado (futuro miembro de Alas) en el bajo el disco pasa de los aires hippies del track apertura En el camino de Dios hacia el sol hasta el hard psicodélico onda Deep Purple de Arco Iris donde estas?, pasando por los aires latinos y atmósferas progresivas de Fuera del sol, además de un misticismo espiritual en las líricas bastante poco común en la escena.


Si bien el disco agota su primera tirada, Cuando brille el tiempo no trasciende el circulo de fanáticos rockeros y no logra la repercusión buscada a nivel local, por lo que Montes nuevamente decide emigrar, esta vez hacia Colombia donde tras una breve gira latinoamericana la banda se disuelve.
Posteriormente al volver al pais forma parte de una de las innumerables formaciones de Pappo´s Blues y luego desaparece de la escena.
Poco se sabe de Jorge a partir de ese momento. Algunos lo ubican, ya retirado de la música, recorriendo Sudamérica. Otros lo relacionan con problemas legales y de drogas en Ecuador y Colombia a principios de los '80s.
Lo cierto es que en un episodio de violencia jamás aclarado, Jorge Montes  fallece en Ecuador dejando tras de sí un talento que no logró ser reconocido convenientemente en vida
Cuando brille el tiempo jamás logró su edición local en CD y las pocas copias en vinilo que lograron sobrevivir a los años, se subastan hoy a precios exorbitantes a través de internet.
Lo que más llama la atención de todos modos es el tardío reconocimiento internacional a la banda, lo que permite que internacionalmente se fabriquen ediciones especiales en CD que raramente logran llegar al país haciendo que Montes (al igual que en los 70s) siga siendo un misterio a descubrir para el grueso del público local, pero un objeto de culto para coleccionistas.

Discografía

1973 - Simple: Pájaro Nocturno/Un viaje al mar (Philips 6049134)


1974 - LP Cuando brille el tiempo (Phillips 6406020)




martes, 1 de noviembre de 2011

El accidente que le costó la vida a Razzle de Hanoi Rocks

Razzle Dingley- Demasiado joven para morir, demasiado rapido para vivir *

Estados Unidos - 1984


Mötley Crüe, un cuarteto oriundo de Los Angeles, conformado
por el bajista Nikki Sixx, el baterista Tommy Lee, el guitarrista Mick Mars y el cantante Vince Neil, llevaba a su máxima expresión el legendario axioma: Sexo, drogas y rock and roll. Con una imagen glamorosa inspirada tanto en Kiss como en New York Dolls, y un sonido a medio camino entre Sex Pistols y Cheap Trick lograron en muy poco tiempo pasar de los pubs del Sunset Boulevard a vender millones de discos con su segunda placa Shout at the devil.
Pero su fama no solo correspondía a su éxito discográfico, sino también a su desenfrenado estilo de vida que en poco tiempo empezaría a pasarles factura



Hanoi Rocks era una banda finlandesa integrada por el cantante
Michael Monroe, los guitarristas Andy McCoy y Nasty Suicide, el bajista Sammy Yaffa y el baterista Nicholas “Razzle” Dingley que, después de un trabajo eficiente había logrado trascender las fronteras de su país con su cuarto trabajo Two steps from the move grabado con la multinacional CBS y producido por el reconocido Bob Ezrin. El sonido de Hanoi Rocks con los años inspiraría a decenas de bandas, desde Hellacopters hasta Guns N’ Roses (quienes solo un par de años después tomarían al track Underwater world como referencia para su éxito Welcome to the jungle).
Los finlandeses eran jóvenes, de espíritu salvaje, y estaban decididos a vivir a fondo el rock n’ roll way of life en Estados Unidos, luego de haber atravesado una crisis que solo se solucionó con la entrada de Razzle, quien gozaba del afecto de sus colegas por su carisma y cordialidad.

Llegando a fines de año y debido a una fractura de tobillo por parte de Michael Monroe, Hanoi Rocks debieron hacer un parate en su primera gira importante por Norteamérica, justamente antes de la escala californiana, por lo cual decidieron pasar el rato libre asistiendo a una fiesta organizada por sus colegas de Mötley Crüe, quienes celebraban el fin de una exitosa gira junto a Ozzy Osbourne, en la casa del cantante Vince Neil en la zona de Redondo Beach el 8 de diciembre, exactamente seis días después del cumpleaños numero 24 del baterista Razzle.
En un momento de la fiesta los invitados notaron que el alcohol estaba por acabarse por lo que Vince y Razzle decidieron ir a comprar más bebidas a un comercio cercano en el flamante De Tomaso Pantera modelo '74 del cantante. A pesar de las quejas de Tommy Lee al respecto, debido al evidente estado de ebriedad en el que se encontraban, los dos amigos se subieron al auto y arrancaron a toda velocidad.
A los pocos minutos el resto de los invitados escucharon un fuerte golpe: Tommy Lee y Andy McCoy salieron corriendo a ver que había ocurrido, temiendo lo peor. A las pocas cuadras Neil, sin reflejos por el excesivo consumo de alcohol, había perdió el control de su auto y se cruzó de carril, siendo embestido violentamente por un vehículo que venía por la mano contraria.
El impacto fue terrible y Razzle falleció inmediatamente, mientras que el vocalista quedó ileso al costado de la calle en estado de shock.

Vince Neil fue acusado de homicidio y manejo en estado de ebriedad, al encontrarse que el nivel de alcohol en sangre ascendía a 0.17 cuando el máximo permitido en el Estado era de 0.10. Mötley Crüe no solo había perdido a un amigo a causa de los excesos, también se enfrentaba ante una posible dura sentencia judicial hacia su cantante, lo que podría poner en serio riesgo el futuro de la banda, la cual estaba a punto de editar su esperado tercer disco.

Finalmente en julio de 1986 el juez Edward Linz decidió condenar a Neil con solo 30 dias de arresto efectivo, más cinco años de probation, 200 horas de trabajo comunitario y una indemnización de 2.6 millones de dolares por daños y perjuicios a la familia de Razzle
Vince Neil quedó libre por buena conducta luego de pasar tan solo 15 días en prisión.
Los miembros de Hanoi Rocks, devastados por la pérdida de su baterista, luego de algunos shows homenaje a su amigo terminaron separándose definitivamente en 1985
El tercer álbum de Mötley Crüe Theatre of pain fue dedicado a la memoria de Razzle Dingley



*Frase que Razzle llevaba tatuada en su brazo

Ale Do Carmo

Para más información sobre Razzle Dingley, Hanoi Rocks y Motley Crue visitá:

sábado, 18 de junio de 2011

Audio Algo que decir 2


Segunda parte de la entrevista que me realizaron en el programa "Algo que decir", producido por alumnos del ISEC, acerca de las bengalas en el rock nacional y la escena local post Cromañon

Audio Algo que decir 2

Audio Algo que decir 1

Primera parte de la entrevista que me realizaron en el programa "Algo que decir", producido por alumnos del ISEC, acerca de las bengalas en el rock nacional y la escena local post Cromañon

Audio Algo que decir 1

jueves, 9 de junio de 2011

La historia de Jimmie Nicol - Beatle por once dias

Tengo que admitir que esta mejorando
“Y, cómo te estas sintiendo Jimmie?”, le preguntó un gentil Paul McCartney al sesionista contratado Jimmie Nicol. “It’s getting better “(está mejorando), le contestó el baterista, eligiendo cuidadosamente sus palabras para agradar al que se perfilaba como uno de los compositores mas importantes del siglo 20.
Corría 1964, y The Beatles comenzaban a ganarse la reputación de banda de rock más importante de la historia. Sus shows eran meras excusas para que un despliegue de fanáticas sepultaran cualquier atisbo de música bajo un griterío infernal, que hacia que muchas veces la banda ni siquiera tocara los acordes correspondientes a la canción, cansados de no poder escucharse. La Beatlemania había empezado, y junto con ella, una maquinaria de actuaciones que eran imposibles de detener. Hasta que lo imprevisto ocurrió el 3 de junio: faringitis para Ringo Starr, justo antes del inicio de la gira por Australia y Asia.
El productor George Martin y el manager Brian Epstein rápidamente sugirieron la posibilidad de un reemplazante temporario. Era la mejor forma de seguir adelante sin destrozar el corazón de miles de fanáticas (y también de embolsar una importante cantidad de dólares).
La idea contó con la aprobación de John y Paul, pero no con la de George que firmemente alegó: “Si Ringo no toca en la gira, entonces busquen dos reemplazantes”. Sin embargo, luego de varias charlas grupales buscando convencerlo, Harrison acepto a regañadientes.
El elegido fue Jimmie Nicol, baterista con variada experiencia en bandas de jazz y Mersey Beat, quien en ese momento formaba parte de The Shubdubs, y había tocado con Tommy Quickly, artista producido por Martin, además de haber participado en un compilado de versiones de temas Beatles unos meses atrás.
Veintisiete horas después de recibir el llamado, Nicol estaba sentado frente a la Ludwig de Ringo Starr, con el clásico peinado Beatle, e incluso con su traje a medida, frente a 4500 fanáticos daneses.
Paul recordaría mas tarde: “estábamos por empezar el show con She loves you, y Jimmie se la pasaba mirando a las chicas de la platea. Contamos uno, dos… y nada. Uno, dos… y nada. Hasta que finalmente empezamos”. La lista de temas tuvo que ser reducida a diez canciones (quitando I wanna be your man originalmente en la voz de Ringo)
Todo funcionaba a la perfección, e incluso algunos asistentes ni siquiera se percataron del cambio de baterista, lo que llevo al bromista McCartney a enviarle un telegrama a Ringo: “Mejorate pronto que Jimmy (sic) se esta probando tus trajes”.
Nicol se sentía a gusto junto a los Fab Three y posteriormente declararía: ”El día anterior a ser un Beatle, las mujeres no me llevaban el apunte, en cuanto me vieron con el traje y el peinado Beatle en el asiento trasero de una limousine junto a John y Paul, se morían por tocarme. Fue muy extraño y algo atemorizante”.
En total Nicol toco en ocho shows, hasta que Ringo volvió a su lugar en Melbourne Australia el 14 de junio. Lamentablemente no tuvo oportunidad de despedirse de sus compañeros, ya que al momento de retirarse del hotel hacia el aeropuerto, Los Beatles se encontraban dormidos y no quiso despertarlos.
Al aeropuerto de Melbourne solo lo acompañó Brian Epstein, quien le obsequió un cheque de 500 libras y un reloj pulsera de oro con la inscripción “De Los Beatles y Brian Epstein para Jimmy (sic). Con gratitud y aprecio.”
Tres años después, en un día nublado, Paul McCartney estaba paseando su perra Martha junto a Hunter Davies, el biógrafo oficial de la banda, cuando de repente el sol salió con toda su fuerza. “Parece que el tiempo esta mejorando”, expreso Paul, e inmediatamente comenzó a reír, recordando el breve paso de Nicol por la banda. Poco después, sentado al piano, el evento serviría de inspiración para uno de los temas de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band*

Getting better (Lennon/McCartney)
It's getting better all the time
I used to get mad at my school (No, I can't complain)
The teachers who taught me weren't cool (No, I can't complain)
You're holding me down (Oh Oh)
Turning me round(Oh Oh)
Filling me up with your rules(Oooh)
I've got to admit it's getting better (Better)
It's a little better all the time (It can't get no worse)
I have to admit it's getting better (better)
It's getting better Since you've been mine
Me used to be a angry young man
Me hiding me head in the sand
You gave me the word, I finally heard I'm doing the best that I can
I've got to admit it's getting better(Better)
A little better all the time (It can't get no worse)
I have to admit it's getting better (Better)
It's getting better Since you've been mine
Getting so much better all the time!
It's getting better all the time
Better, better, better.
It's getting better all the time
Better, better, better.
I used to be cruel to my woman
I beat her and kept her apart from the things that she loved
Man, I was mean but I'm changing my scene And I'm doing the best that I can (ooh)
I admit it's getting better
A little better all the time (It can't get no worse)
Yes, I admit it's getting better, it's getting better Since you've been mine
Getting so much better all the time
It's getting better all the time
Better Better Better
It's getting better all the time
Better Better Better
Getting so much better all the time

Inmediatamente después de su paso por Los Beatles, Nicol rearmó su vieja banda, pero esta vez bautizándola Jimmie Nicol and The Shubdubs. En esta nueva etapa solo lograron sacar un par de singles sin éxito. Posteriormente Nicol formo otros grupos, e incluso con uno de ellos (The Fourmost) llego a tocar como soporte de la banda de Liverpool, pero su estrella se fue apagando con el tiempo, debiendo declararse en bancarrota en 1965 y finalmente abandonando la música en 1967 y radicándose en México.
De vuelta en Inglaterra en 1975 se dedico a la carpintería, y a pesar de algunos rumores que lo declararon muerto, aun sigue viviendo alejado de los curiosos en su vieja casa de Londres


*Existe otra referencia a Nicol en los tapes originales de Let it be, cuando Paul dice: Creo que descubrirás que no nos iremos fuera del país, porque Ringo dijo quería irse. Tu sabes, el lo rechazó. Aunque Jimmie Nicol estaría dispuesto a irse…”

viernes, 5 de noviembre de 2010

Eleanor Rigby – La eterna solitaria

Como tantas otras tardes, Paul McCartney estaba sentado en el piano y, mientras buscaba inspiración para las sesiones de grabación de lo que seria el álbum Revolver en 1966, comenzó a tocar una melodía a la que sumó una frase que se le presentó repentinamente: “Daisy Hawkins picks up the rice in the church” (Daisy Hawkins recoge el arroz en la iglesia). Luego le agregó a un sacerdote como personaje, al cual puso de nombre Padre McCartney, para luego seguir desarrollando la letra orientándose hacia el tema de la soledad en la vida adulta
Con la idea central dándole vueltas en la cabeza, Paul decidió terminar la canción junto al resto de la banda, quienes se encontraban reunidos en la casa de John Lennon en Kenwood junto a Pete Shotton, un amigo en común. Siempre trabajando con el tema de la soledad como eje principal, y basándose en el bosquejo de Paul, Ringo Starr propuso la frase "writing the words of a sermon that no one will hear” (escribiendo las palabras de un sermón que nadie va a oír) y el invitado Shotton sugirió que se cambie el nombre del cura coprotagonista de la canción, para evitar posibles interpretaciones autobiográficas de Paul y su padre, a lo cual el bajista accedió. Obligados a rebautizar al personaje, y como muchas veces en estos casos, lo mejor fue recurrir al directorio telefónico, en donde el azar decidió que el nombre del sacerdote fuera McKenzie
Pero había algo en el nombre Daisy Hawkins que no le terminaba de cerrar a McCartney, y luego de meditarlo por unos instantes, la protagonista de la canción pasó a llamarse Eleanor Rigby.
Según el autor, el nombre de pila fue elegido en referencia a la actriz Eleanor Bron quien hacia unos meses había participado de la película Help!, mientras que el apellido surgió por el recuerdo de un negocio en la ciudad inglesa de Bristol (Rigby & Evens Ltd, Wine & Spirit Shippers,) que aparece durante el rodaje del film The Happiest Days Of Your Life protagonizada por (su por entonces novia) Jane Asher (posteriormente, en 1984 Paul declararía que se decidió por el nombre Eleanor Rigby porque le gustaba “que sonara natural”)
Faltaba solamente cerrar la trama de la canción. Shotton sugirió que los dos protagonistas (Eleanor Rigby y Father McKenzie) se conocieran demasiado tarde, ya que el sacerdote conduce el funeral de Eleanor. Lennon rechazó la idea de plano, pero Paul decidió probar la sugerencia y finalmente quedó conforme, por lo cual se decidió que la canción había quedado terminada.
El productor George Martin, al escuchar la maqueta de la canción decidió que ninguno de Los Beatles tocara ningún instrumento (de hecho la única participación musical de la banda son las voces de Paul y las armonías de George y John) y (a sugerencia de McCartney, que estaba escuchando mucho a Vivaldi por esa época) que la instrumentación sea un octeto de cuerdas compuesto por cuatro violines, dos violoncelos y dos violas. El particular sonido de la canción se logró colocando los micrófonos lo más cerca posible a los instrumentos, para transmitir esa sensación de crudeza y aspereza de la versión final.
El 6 de junio de 1966 se decidió el corte definitivo del tema (se eligió finalmente la toma numero 15) en los estudios Abbey Road y fue lanzado como simple el 5 de agosto con Yellow submarine en la contracara llegando al puesto numero 1 del ranking británico, permaneciendo en esa posición durante 4 semanas (aunque en EEUU solo lograría alcanzar el puesto 11) y ganando el premio Grammy a la mejor interpretación vocal de ese año
A pesar de los años, el espíritu de Eleanor no se mantendría quieto, ya que en la década del ‘80 se encontró una tumba con el nombre Eleanor Rigby en el cementerio de la iglesia St Peter’s Parish en Woolton Liverpool, y a unos metros otra con el nombre McKenzie escrito encima. Consultado al respecto, McCartney confesó haber pasado parte de su adolescencia en ese lugar junto a Lennon y atribuyo la coincidencia a su inconsciente más que a su sentido del humor. Según los registros estatales, la Eleanor Rigby sepultada en el cementerio nació en el suburbio de Woolton en 1895 y murió en 1939 a los 44 años
Sorpresivamente, en 1990 McCartney donó a una fundación un documento que tenía en su poder, fechado en 1911 por la mismísima Eleanor Rigby (la misma de la lapida encontrada en el cementerio), en ese entonces de 16 años. El papel era el comprobante de un pago del hospital municipal de Liverpool a Eleanor por su trabajo como mucama. Obviamente el documento se convirtió en objeto de atracción por los ávidos coleccionistas, uno de los cuales pagó alrededor de U$S 250000 por la antigüedad en una subasta en noviembre de 2008
El espíritu de Eleanor sigue vivo, no solo por la constante difusión de la versión original, ya que a nivel mundial la canción fue interpretada por una gran variedad de artistas, como Ray Charles, Tony Bennet, Aretha Franklin, Joe Jackson y hasta los metaleros argentinos de O’Connor

Uno de los tantos videos que circulan de Eleanor Rigby











Eleanor Rigby (Lennon/McCartney)

I look at all the lonely people
I look at all the lonely people

Eleanor Rigby picks up the rice in the church where a wedding has been
Lives in a dream
Waits at the window, wearing the face that she keeps in a jar by the door
Who is it for?

All the lonely people
where do they all come from?
All the lonely people
where do they all belong?

Father McKenzie writing the words of a sermon that no one will hear.
No one comes near.
Look at him working, darning his socks in the night when there's nobody there
what does he care?

All the lonely people
where do they all come from?
All the lonely people
where do they all belong?

Ah, look at all the lonely people
Ah, look at all the lonely people

Eleanor Rigby died in the church and was buried along with her name.
Nobody came
Father McKenzie wiping the dirt from his hands as he walks from the grave
No one was saved

All the lonely people
Where do they all come from?
All the lonely people
Where do they all belong?

Eleanor Rigby (castellano)

Miro a toda la gente solitaria
Miro a toda la gente solitaria

Eleanor Rigby recoge el arroz en la iglesia donde se celebro una boda
Vive en un sueño
Espera en la ventana, con una cara que guarda en un frasco junto a la puerta
¿Para quién es?

Toda la gente solitaria,
¿de donde viene?
Toda la gente solitaria,
¿de donde es?

El Padre McKenzie escribe un sermón que nadie oirá
Nadie se acerca
Míralo trabajar, zurciendo sus medias a la noche cuando no hay nadie
¿Qué le importa?

Toda la gente solitaria,
¿de donde viene?
Toda la gente solitaria,
¿de donde es?

Ah, mira toda la gente solitaria
Ah, mira toda la gente solitaria

Eleanor Rigby
Murió en la iglesia y fue enterrada al igual que su nombre
Nadie concurrió
El Padre McKenzie se limpia el polvo de las manos mientras se aleja de la tumba
Nadie se salvó

Toda la gente solitaria,
¿de donde viene?
Toda la gente solitaria,
¿de donde es?