ROCKERA HONESTIDAD BRUTAL: A 20 AÑOS DE "KEEP THE FAITH" DE BON JOVI

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Editado el 3 de noviembre de 1992, «Keep The Faith», el quinto disco de estudio de Bon Jovi, encontró a la banda en una nueva etapa de su carrera, haciéndole frente a los nuevos sonidos que venían de Seattle y habían puesto fin a la escena californiana de hard rock y hair metal identificada con el grupo. A 30 años de su salida, en MADHOUSE te contamos los detalles de la grabación del disco que presentó al quinteto de New Jersey a una nueva generación. Así que no te duermas en un lecho de rosas y leete el informe, que ya comienza.

Cuando Bon Jovi llegó a la última fecha del mastodóntico “New Jersey Syndicate Tour” con el que presentaban mundialmente su cuarto disco “New Jersey” (en una doble función en la Ciudad de México, pocos días después de debutar en Argentina en el Estadio Vélez Sarsfield el 1 de febrero de 1990), hacía rato que la banda estaba en piloto automático. Es que desde su formación en 1983, el combo de Jon no había dejado materia pendiente en la catedra “Sexo Drogas y Rock And Roll”, lo que se reflejaba no solo en los exhaustos cuerpos de los miembros del grupo, sino también en las continuas y lógicas rispideces internas producto de tanto tiempo en la ruta. Y ni bien el avión llegó a su ciudad natal de regreso de la gira, los cinco miembros de la banda tomaron distintos caminos que hacían peligrar el mismísimo futuro del grupo: Jon agarró una moto con el objetivo de recorrer EEUU y de paso registrar “Blaze Of Glory” su debut solista, el guitarrista Richie Sambora sin perder el tiempo se abocó a la grabación de “Stranger In This Town”, su debut en solitario con la colaboración del baterista Tico Torres y el tecladista David Bryan, mientras que el bueno del bajista Alec John Such se dedicó a descansar y encargarse de su otra pasión: las motocicletas

YO TENGO FÉ QUE TODO CAMBIARÁ: Tras un año y medio de necesario descanso, Jon decidió que era hora de ver si Bon Jovi como banda todavía tenía futuro. El tiempo transcurrido permitía la chance de barajar y dar de nuevo, aunque en un proceso no exento de bajas: la primera fue la salida del manager Doc Mc Ghee, el cambio necesario que Jon precisaba para poder llevar al grupo al siguiente nivel, decidiendo asumir un papel aún más importante dentro de la banda y tomando él mismo el control empresarial del grupo, formando la agencia Bon Jovi Management.

En octubre de 1991, la banda se dirigió a la isla caribeña de St. Thomas para discutir planes para el futuro, y casi de inmediato los problemas internos de la banda se resolvieron y estaban listos para intentar un regreso. «Eso fue salvador para la banda, porque finalmente teníamos un lugar donde podíamos ser honestos y hablar entre nosotros sobre lo que era bueno, lo que era malo y lo que era indiferente», dijo el cantante a la cadena norteamericana NPR en 2009. «Y cuando aclaras el aire decís: ‘Vaya, eso no fue nada, vamos a hacer el próximo disco’. Así que todos regresamos con la cabeza despejada e hicimos ’Keep the Faith’«.

Fue por eso que en enero de 1992, la banda se dirigió a los estudios Little Mountain en Vancouver, Canadá, intentando lograr un nuevo sonido, a tono con los tiempos que corrían «Cuando volvimos a estar juntos en una habitación en Vancouver», señaló Jon en 2007 a la revista Q. «Cerramos la puerta e ignoramos lo que había sucedido con el tipo de música que hacíamos. Y si bien Nirvana nos había pateado los dientes, no le prestamos atención a eso. Nos deshicimos de los clichés, escribimos algunas letras socialmente conscientes y nos cortamos el pelo. No hice nada de grunge ni nada de rap. Pero sabía que no podía volver a escribir ‘Livin’ On A Prayer’ otra vez, así que ni siquiera lo intenté. Y valió la pena»

ECHALE LA CULPA AL AMOR POR EL ROCK AND ROLL: Con el lema “Equipo ganador no se cambia” la banda se había acercado a Bruce Fairbairn, quien había producido los megaexitosos “Slippery When Wet” y “New Jersey”; pero al no estar disponible (por estar trabajando nada menos que en “Get A Grip” de Aerosmith, disco que también daría que hablar), el rol de productor quedó entonces en manos de Bob Rock, quien había oficiado de ingeniero de sonido en los dos discos anteriores, pero que además había sumado un par de cocardas importantes como productor de éxitos como “Dr. Feelgood” de Mötley Crüe y el “Black Album” de Metallica.

De las treinta canciones escritas para “Keep The Faith” (”Mantén la Fe” en castellano; un título mas que elocuente por la situación que vivía la banda) un par fueron coescritas por David Bryan y otro par por el viejo colaborador Desmond Child; el resto son composiciones de Jon, ya sea solo o en tándem con Richie Sambora. Con material de sobra para elegir, la selección final fue una mezcla de canciones rockeras que reflejaban el ADN del grupo como la blusera  «Little Bit of Soul» o las stonianas «I’ll Sleep When I’m Dead» y «Blame It on the Love of Rock & Roll» con gemas melódicas como la power ballad «I Want You» o las pop rockeras “I Believe” y «In These Arms», uno de las favoritos en vivo del público.

CON FÉ Y TAMBIÉN CON RIESGOS: Sin embargo, la clave del disfrute de “Keep The Faith” pasa por el riesgo que tomó el grupo para estar a tono, tanto con la escena alternativa que despuntaba desde Seattle, como con el giro moderno del “Achtung Baby” de U2: «If I Was Your Mother» tiene una fuerza que nos hace recordar el trabajo de Rock con Metallica (y lo competentes que podrían ser Torres y Sambora en el terreno del metal), “Fear” y “Woman In Love” podrían tranquilamente competir en las listas de radios college norteamericanas y el tema título (y primer single del álbum con un video que mostraba por primera vez a un Jon con pelo corto paseando por las calles de Nueva York)) presenta una base funky con riffs hardrockeros y un solo impecable que fue sin escalas al número 1 del ranking Mainstream Rock de Billboard, llegando incluso a ser remixada por los Jesus Jones en una versión que el grupo rechazó por considerarla “demasiado tecno”.

Pero las experiencias de los últimos años habían calado hondo en el espíritu compositivo de Jon, que tomó inspiración del viaje en motocicleta que había realizado el verano anterior por el interior de EEUU, acumulando experiencias que lo motivaron a escribir dos temas clave, que harían de “Keep…” uno de los puntos más altos de la discografía de Bon Jovi: «Dry County» y «Bed of Roses».

LA FÉ MUEVE MONTAÑAS (Y COMPONE TEMAS ÉPICOS): “Al otro lado de la frontera convierten el agua en vino/Algunos dicen que es la sangre del diablo/ que exprimen de la vid /Algunos dicen que es un salvador/en estos tiempos duros y desesperados/ Ya ves que me ayuda a olvidar /Que solo nacimos para morir”. Desde sus versos iniciales “Dry County» refleja los duros tiempos que comenzaba a vivir la economía norteamericana tras el declive de la industria petrolera nacional y sus consecuencias en aquellos cuyos ingresos dependían de ella. En las versiones en vivo de la canción (que en su versión en estudio llega casi hasta los diez minutos) Jon aprovecha para monologar sobre las luchas de la vida cotidiana, antes de que Sambora se despache con un solo épico a la altura de clásicos como “Stairway To Heaven” de Led Zeppelin o “Freebird” de Lynyrd Skynyrd.

Y si bien “Dry County” se convirtió con el paso del tiempo en un tema de culto para los fans de la banda, el mayor éxito de “Keep The Faith”, fue “Bed Of Roses”, una power ballad con piano melancólico y punteos grandilocuentes made in New Jersey. «Creo que las mejores canciones que surgen de la honestidad, son las que escribís lo suficientemente rápido», le dijo Jon a Cosmopolis en 2002. «Por ejemplo, ‘Bed of Roses’. Cuando la estaba escribiendo, no estaba de humor para componer una canción debido a las circunstancias del momento. Pero en lugar de dejar la lapicera y alejarme del piano, me senté y escribí: ‘Sentado aquí, perdido y herido con este viejo piano…’ inspirándome en el dolor que estaba sintiendo físicamente ese día». El tema –que tuvo su versión en un dudoso castellano para el mercado latino llamada “Cama De Rosas”) fue el segundo corte del disco y se metió sin escalas en el Top 10 norteamericano.

PARA DORMIR HAY TIEMPO: “Keep the Faith” salió finalmente a la venta el 3 de noviembre de 1992 y alcanzó el puesto número 5 en la lista de Billboard, pero solo obtuvo la certificación de doble platino, muy lejos de los hitos de ventas de la banda en los años 80. Aún así, en el Reino Unido, el álbum tuvo aún más éxito; sus seis sencillos aterrizaron en el Top 20 de la lista.

Luego de un show de precalentamiento para MTV (editado en VHS como “An Evening With Bon Jovi), la gira mundial del disco se desarrolló en dos tramos: el “Keep The Faith Tour” (de febrero a junio de 1993) y el I’ll Sleep When I’m Dead Tour” (de junio a diciembre del mismo año). Fue este último el que trajo a la banda por segunda vez a nuestro país para un show en el Estadio de Vélez Sarsfield el 13 de noviembre de 1993 y una presentación en el programa “Ritmo De La Noche” al día siguiente que coincidió con el cumpleaños 41 de Alec John Such, quien dejaría la banda antes de la grabación del siguiente trabajo “These Days”…pero esa ya es otra historia

Es que, a pesar del paso del tiempo, “Keep The Faith” le mostró a Bon Jovi que podían sobrevivir a cualquier cosa: tendencias musicales cambiantes, turbulencias comerciales y desgastes de relaciones.

«El género musical del que éramos parte estaba desapareciendo así que solo teníamos esta señal de fe para seguir adelante», le dijo Jon al sitio NPR en 2009. «Entramos en los años 90 con un objetivo claro: creer el uno en el otro y confiar en lo que éramos». Y tres décadas después, el mensaje sigue vigente.

Alejandro Do Carmo Edit profile

Baterista frustrado, docente y periodista especializado en cultura y espectáculos. Conduce el programa La Isla de los Monos por Radio El Parque y ha colaborado en Rock.com.ar y las revistas Efecto Metal y Mala Difusión. Mantiene su blog Film Song (www.film-song.blogspot.com) desde 2005.

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DUDE, PARECE UN ÉXITO: LA HISTORIA DETRÁS DE "PERMANENT VACATION" LA RESURRECCIÓN DE AEROSMITH

 Con más de medio siglo de existencia a cuestas, es lógico que Aerosmith haya muerto y resucitado artística y comercialmente muchas veces durante su carrera. Sin embargo, el momento de resurrección definitiva se dio en 1987 con el lanzamiento de “Permanent Vacation” disco que, MTV mediante, los haría gozar de una renovada popularidad que se mantiene hasta nuestros días. A 35 años del lanzamiento del disco ya convertido en clásico, te invitamos a sumergirte de manera permanente, sin tiempo para vacaciones, en este informe que comenzamos a continuación.

RAPEANDO DE ESTA FORMA, PARA RESURGIR

Tal como contamos en este informe, luego de accidentes, peleas y separaciones –y muchas, pero muchas drogas- que los hicieron tocar fondo, Aerosmith finalmente empezó a ver una luz al final del camino tras la salida de “Done With Mirrors”, un álbum que tenía todo para pegarla… pero no lo hizo. Para fortuna de sus fans, los bostonianos, tuvieron una nueva oportunidad de la manera menos pensada: una colaboración con un grupo de hip hop.

En 1986, los raperos Run-DMC mientras trabajaban en su disco “Raising Hell” y a instancias del productor Rick Rubin, decidieron grabar un ejercicio que realizaban de vez en cuando en sus shows: improvisar sobre la base de “Walk This Way” el hit del disco “Toys in the Attic”. Lo curioso es que, en un principio, la banda no estaba de acuerdo con la idea, ya que ni siquiera conocían la canción completa; pero el productor ganó la batalla. «Nunca pensé que ‘Walk This Way’ sería un sencillo», recordó Rubin en una entrevista a la revista Q en 2009. «No es que no me gustara, pero no lo pensé en esos términos». Sorpresivamente, esta versión de «Walk This Way» –que contó con la participación del tándem Tyler/Perry- fue más exitosa que la original, alcanzando el puesto número 4 en E.E.U.U. y el 8 en el Reino Unido,

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QUE SE VENGAN LOS ESCRITORES DE TODAS PARTES

Ya con el nombre de la banda nuevamente en el candelero, Aerosmith se aprestaba a grabar su noveno álbum confiando en que correría mejor suerte que su antecesor. Con esto en mente, y a instancias del reconocido ejecutivo discográfico John Kalodner, el quinteto decidió recurrir a compositores externos para que colaboraran en los temas, buscando el gancho esperado. De esta manera, los reconocidos Jim Vallance, Holly Knight y Desmond Child –nombres que figuraban en los créditos de los mayores éxitos rockeros de la época- se sumaron a bordo para aportar su talento en siete de las 12 canciones.

«Realmente sentimos que teníamos que derribar nuestro proceso creativo, examinarlo y reconstruirlo», recordaría tiempo después el bajista Tom Hamilton. «Eso involucró colaborar con gente fuera de la banda y eso fue un gran éxito para nosotros. Todas estas canciones fueron verdaderas colaboraciones”

Tyler y Child, una dupla exitosa

EL MAGO TRAS LAS PERILLAS

Pero la inclusión de compositores externos no fue el único cambio táctico que propuso Kalodner (responsable también del éxito de Whitesnake, Foreigner, Black Crowes, entre otros). Teniendo en cuenta la mala experiencia que la banda había tenido con el productor Ted Templeman durante la grabación de “Done…”, John sugirió que el puesto quedara en manos del canadiense Bruce Fairbairn, quien venía de producir nada menos que “Slippery When Wet” de Bon Jovi y permanecería trabajando junto a la banda durante los dos siguientes álbumes.

El equipo ya estaba listo y solo esperaba el disparo de salida, ya alistados en los estudios Little Mountain Sound en Vancouver, Canadá, cuyas lujosas instalaciones- más el plus de ponerse como objetivo terminar la grabación en estado de sobriedad- le vinieron como anillo al dedo al título del disco: “Permanent Vacation” (“Vacaciones Permanentes”)

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PROBANDO SONIDO CON DELINEADORES

A diferencia de lo ocurrido en “Done…”, un disco que intentaba retomar el sonido más crudo del grupo, “Permanent Vacation”, ya desde el vamos intentó posicionar al grupo dentro del estilo musical de la segunda mitad de los 80, donde bandas como Bon Jovi, Guns N’ Roses y Môtley Crûe estaba en su máximo pico creativo. Y si bien la imagen visual del grupo a grandes rasgos se mantuvo, canciones como «Heart’s Done Time» y «Magic Touch», muestran que el foco estaba puesto en la rotación radial, vital en esas épocas para el éxito de un álbum.

Para agosto de 1987 y con el álbum ya listo, solo restaba la elección del single adelanto; y en una jugada bastante riesgosa, la banda se decidió por “Hangman Jury” sin dudas el tema más blusero del disco, pero a su vez uno de los menos gancheros. Con poco margen para errores teniendo en cuenta la experiencia del disco anterior, rápidamente la banda barajó y dio de nuevo, decidiendo como corte para rotación una canción mucho más comercial, aunque también con un dejo de polémica: “Dude (Looks Like A Lady)”

CHABÓN, ÉCHALE LA CULPA A MÔTLEY

La canción, que originalmente comenzó como «Cruisin ‘for a Lady», (algo así como “Salir de levante”) habla de un hombre con apariencia afeminada, que es confundido con una mujer. Steven Tyler afirma en “Walk This Way: The Autobiography of Aerosmith”: «Un día conocimos a Mötley Crüe y todos decían: “Dude esto y Dude aquello… todo era Dude. ‘Dude (Looks Like a Lady)’ salió de esa sesión». Vale mencionar que el termino “Dude” se usa en el inglés estadounidense para referirse informalmente a una persona de género masculino, como “Loco”, “Flaco” o “Chabón” en Argentina o bien “Tío” en España.

Según recordaría Desmond Child, a Tyler se le ocurrió la idea de la canción mientras estaba en un bar y confundió a Vince Neil, con una mujer con cabello largo y rubio. Los compañeros de banda de Tyler se burlaron de él, bromeando acerca de cómo el «tipo parecía una mujer» -hecho confirmado por Nikki Sixx en su libro “The Heroin Diaries”-. A pesar de acusaciones de homofobia y transfobia por el contenido de la letra, Child (gay confeso) la defendió en una reciente entrevista en la web Ultimate Classic Rock.: “(la canción) no es ofensiva. Es genial»

EL ANGEL SALVADOR DE MTV

Si bien la elección del single ya les tenía asegurada la rotación radial, la banda también supo adaptarse a los tiempos que corrían, teniendo en cuenta, por un lado la importancia fundamental de la cadena MTV para la difusión de las canciones, y por el otro la casi obligación de que uno de los cortes sea una power ballad, en este caso la melosa “Angel”.

A caballito del video, la canción (compuesta por Tyler y Desmond Child) trepó hasta el puesto 3 en el chart de Billboard, convirtiéndose así en uno de sus temas más exitosos, a pesar de que nunca estuvo entre los preferidos del cantante por no contar con ninguno de los elementos que caracterizaban a la banda (Steven todavía no se imaginaba que iba a repetir el truco hasta el cansancio en sus siguientes discos).

Años después, el ya mencionado John Kalodner bromearía al respecto en la autobiografía de la banda diciendo: “Tyler dice que arruiné su carrera haciéndole escribir “Angel” con Desmond”. La cuenta bancaria del cantante no opina lo mismo.

BALANCE PERMANENTE

Editado oficialmente el 18 de agosto de 1987, “Permanent Vacation” vendió cinco millones de copias solo en Estados Unidos, y recibió críticas mixtas a positivas; con algunos medios destacando la modernización de su sonido, mientras que otros le criticaron la tendencia a repetir formulas ya utilizadas.

Años más tarde, Tom Hamilton diría que el aniversario del álbum lo hace «recordar los tiempos en que lo grabamos, lo divertido que fue grabarlo y lo emocionante que fue darse cuenta de que realmente teníamos una colección de buenas canciones». Mientras que el guitarrista Brad Whitford contó en “Aerosmith: The Ultimate Illustrated History of Boston’s Bad Boys”: «Salimos de debajo de nuestros problemas y nos pusimos en contacto con nosotros mismos. Fue una experiencia maravillosa”.

Si bien eclipsado por el superior éxito de los dos discos siguientes, es probable que sin “Permanent Vacation” la banda no hubiese podido disfrutar del suceso en el otoño de su carrera; lo cual merece que, una vez más, lo escuchemos a todo volumen.

HUMO, HOTELES Y CASINOS: LA HISTORIA DE «MACHINE HEAD» DE DEEP PURPLE, A 50 AÑOS DE SU SALIDA

Considerado uno de las piedras basales del heavy metal, pocos álbumes en la historia de la música han ejercido tanta influencia como “Machine Head”, el sexto disco de estudio de Deep Purple, y tercero con su legendaria formación “Mark II”. A 50 años de su salida, en MADHOUSE te contamos algunos detalles de su grabación antes de volver a escucharlo por enésima vez. Así que antes de que el humo sobre el agua se disipe, dejá que la estrella del camino de tu pantalla te guie hacia este viaje espacial de lectura como nunca antes, y vení y seguí leyendo.

UN DREAM TEAM DEL ROCK PESADO

Si hubiese una palabra que pudiese definir al Mark 2 de Deep Purple en su apogeo debía ser imparables. Es que, desde que en 1969 Ian Gillan y Roger Glover reemplazaron a los poco afortunados Rod Evans y Nick Simper, sumándose al tridente fundador Blackmore /Lord/Paice, Deep Purple no detuvo nunca su marcha, ni siquiera para tomar impulso. Al fundamental “In Rock” (1970), piedra angular de todo lo que se conocería como heavy metal de ahí en más, se le sumaria unos meses después “Fireball” (1971) quizás de movida no tan impactante  pero igual de contundente, mostrando a la banda en un intento de ampliar sus horizontes.

Todo ese vértigo desplegado en tan solo algunos meses, dejaba el camino tendido para el fundamental tercer disco de la formación (sexto en total si sumamos los tres álbumes editados junto a Simper y Evans), para el cual el quinteto pensó, en un principio, grabarlo en vivo sobre un escenario, buscando empardar el sonido de sus demoledores shows en vivo, a la vez que intentando seguir una idea del baterista Ian Paice, quien había grabado algunas de sus partes de “Fireball”  en el pasillo de la sala, creyendo que sonaba mejor, lejos de la frialdad del típico estudio insonorizado.

TODOS LLEGAMOS A MONTREUX

A su vez, las duras leyes impositivas del Reino Unido, impulsaron a buscar una alternativa de grabación fuera del país. Con esto en mente, y luego de finalizar una gira por su país natal de septiembre a octubre de 1971 – donde mostraron adelantos del nuevo material- la banda decidió reservar la sala del Casino de Montreux, en Suiza, para plasmar su nuevo disco con el estudio móvil de los Rolling Stones. El Casino era en realidad un gran predio que contenía varias salas y que el grupo ya conocía porque había actuado ahí en mayo de 1971, momento en el que forjaron amistad  con Claude Nobs, el fundador y alma mater del célebre Festival de Jazz de Montreux. Como el casino permanecía cerrado durante el invierno boreal por reformas, resultaba ideal  para utilizarlo como lugar de grabación, alejado de presiones y molestias. Deep Purple llegó allí el 3 de diciembre de 1971 justo para lo que sería el concierto final, antes del receso, nada menos que la presentación de Frank Zappa and the Mothers of Invention. Todo parecía estar saliendo a la perfección, hasta que el diablo metió la cola… o encendió una bengala.

HUMO SOBRE EL AGUA Y FUEGO EN EL CIELO

Durante el show de Zappa y su banda (que incluia los cantantes Flo & Eddie, el multiinstrumentista Ian Underwood y el célebre batero Aynsley Dunbar), un miembro del publico disparó una bengala al techo del edificio, prendiéndolo fuego de inmediato. En un primer momento, la audiencia no se percató del hecho porque el cielorraso estaba cubierto por un falso techo de bambú, hasta que con el correr de los minutos se empezaron a ver las primeras chispas. Inmediatamente el grupo dejó de tocar. Según el bajista Roger Glover, Zappa dijo: “que nadie entre en pánico, pero … ¡FUEGO!». Luego de esto, la gerencia del casino ordenó una evacuación controlada. Afortunadamente no  se registraron víctimas fatales, aunque un pequeño grupo de personas quedaron atrapadas brevemente en el sótano del casino antes de ser rescatados por Nobs. Instantes después de que todos hubieran sido evacuados de manera segura, el edificio se incendió por completo.

Según recuerda Ian Gillan en una entrevista para la reedición del disco: “Estábamos sentados en un restaurante a un cuarto de milla del casino, y vimos como empezaba a arder. El viento bajaba de las montañas y se llevaba el humo y las llamas al otro lado del lago”. En cuestión de minutos la banda se había quedado sin lugar para grabar… pero el humo estaba por disiparse

Al día siguiente, Nobs trasladó a la banda al Pavilion, un teatro cercano al casino, donde grabaron las pistas de una canción llamada provisionalmente «Title No. 1». Roger Glover quedó bastante conmovido por el episodio, tanto que se despertó una mañana diciendo en voz alta: «Smoke on the Water» (“Humo Sobre El Agua”). Con ese título en mente, Gillan escribió la letra que describía con lujo de detalles la experiencia ocurrida en Montreux.

CORRIENDO CONTRA EL RELOJ SUIZO

Entre tantas emociones, la banda notó que el Pavilion resultaba ser bastante poco práctico para grabar, sobre todo por los vecinos que constantemente llamaban a la policía quejándose por el alto volumen del rock and roll de la banda. En uno de esos intentos, y  aunque los asistentes del grupo trataron por todos los medios de evitar que la policía entrara manteniendo las puertas cerradas del estudio, la banda fue desalojada. No quedó otra que buscar un nuevo lugar de grabación, honor que recayó en el Grand Hotel, en las afueras de Montreux, que se encontraba vacío.

Ya sin vecinos que espantar, los plomos ubicaron la unidad móvil de los Rolling Stones en la entrada principal, mientras que la banda se instaló al final de uno de los pasillos del lobby. Para acustizar el lugar se instalaron colchones aislantes del sonido, lo que significó que la banda tenía que sortear una gran cantidad de obstáculos para llegar a la camioneta de grabación y evaluar las tomas. Esto resultó tan arduo, que el quinteto  dejó de escuchar lo que grababa, decidiendo tocar hasta quedar satisfechos. La delicada logística incluía también un sistema de televisión de circuito cerrado para que la banda pudiera comunicarse con el ingeniero Martin Birch y permitir que el personal en la sala de control del estudio los viera.

En declaraciones a la revista Guitar World, el gran Ritchie Blackmore recordaba al respecto: “Teníamos la unidad de grabación móvil de los Rolling Stones esperando afuera en la nieve… cada vez que llegamos al camión para escuchar lo que habíamos grabado, incluso si no pensábamos que era una toma perfecta, decíamos, ‘Sí, está bien” Porque simplemente no podíamos soportar volver a hacer todo ese trayecto de nuevo”

LOS HIMNOS DE “MACHINE HEAD”

«Highway Star», el poderoso e inmortal track apertura, se escribió mientras el grupo viajaba en el micro de gira hacia la fecha apertura de su tour por el Reino Unido en Portsmouth el 13 de septiembre de 1971. El management había decidido que la banda fuese al concierto junto con un grupo de periodistas que podían entrevistar a los músicos mientras viajaban. Uno de ellos le preguntó a Blackmore cómo escribía las canciones, a lo que el guitarrista – conocido por su humor ácido- dijo: «así», tomando la guitarra y tocando el clásico riff de apertura de la canción. Gillan le siguió la corriente improvisando la letra mientras que el resto de la banda completó el arreglo durante el ensayo previo al show, donde se estrenó esa misma noche. ¡Resultaron rápidos para los mandados los muchachos! Como dato adicional, Blackmore basó su solo de guitarra en un yeite que había aprendió del pionero del rock and roll Johnny Burnette que tenía cierto parecido con el estilo de Johann Sebastian Bach.

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«Maybe I’m A Leo»: nombrada en un principio como «One Just Before Midnight» – título que aparece incluso en una foto de una hoja de grabación en el collage de la portada del álbum- el título y la letra hacen referencia al signo zodiacal de Ian Gillan. Lo curioso es que ese riff blusero tan particular fue compuesto por Roger Glover inspirado en “How Do You Sleep?» de John Lennon, canción editada tan solo unos meses antes. A pesar del pedido de los fans, el Mark II solo la tocó en vivo una vez, en una actuación para el programa “BBC In Concert”. El tema recién volvió a ser incluída en el setlist en 1993, cuando Joe Satriani reemplazó brevemente a Blackmore, antes de la llegada definitiva de Steve Morse.

«Pictures of Home»: A pesar de haberla compuesto a partir de un riff inspirado por una frecuencia de radio de onda corta (¿?) y con una letra que retrata la nostalgia por volver a casa después de tanto tiempo de gira, el inefable Ritchie Blackmore no quería tocarla en vivo, por lo que la banda la archivó hasta la llegada de Steve Morse. Incluye un célebre solo de bajo de Roger Glover y una versión alternativa que arranca con la potente batería de Ian Paice

“Never Before”, a pesar de ser uno de los temas menos recordados fSteve Morse.

«Pictures of Home»: A pesar de haberla compuesto a partir de un riff inspirado por una frecuencia de radio de onda corta (¿?) y con una letra que retrata la nostalgia por volver a casa después de tanto tiempo de gira, el inefable Ritchie Blackmore no quería tocarla en vivo, por lo que la banda la archivó hasta la llegada de Steve Morse. Incluye un célebre solo de bajo de Roger Glover y una versión alternativa que arranca con la potente batería de Ian Paice Never Before”, a pesar de ser uno de los temas menos recordados del disco, la banda la consideró la pista más comercial del álbum y decidió lanzarla como single, llegando solo al puesto 35 del ranking británico. La versión en vivo puede encontrarse en el compilado “Deep Purple in Concert” de 1980

«Smoke on the Water»: que decir de este clásico del rock que documenta las experiencias de grabación de “Machine Head”, incluidos el incendio, la evacuación del casino y las largas sesiones en el Grand Hotel; y cuyo título hace referencia al espeso humo negro del fuego que se cernía sobre la orilla del lago de Ginebra. La base de la canción fue el único material utilizable que provenía de las grabaciones de Pavilion, antes de que la policía cerrara las sesiones. Más allá de todo, el tema pasaría a la historia por su riff, sobre el cual Blackmore dijo que era popular debido a que era simple y se basaba en cuatro notas, comparándolo con el fraseo musical de apertura de la Quinta Sinfonía de Beethoven. Paradójicamente, aunque es uno de los temas más famosos de la historia de la música, la banda no pensó que tuviera mucho potencial comercial, y fue uno de los últimos temas de “Machine Head” que se tocaron en vivo.

«Lazy»: el tema con más espíritu de zapada del disco  se tocó por primera vez en vivo durante la gira por el Reino Unido de 1971 y se retuvo durante el año siguiente reemplazando a la zapada instrumental «Wring That Neck» que venían tocando desde el Mark I. Según Roger Glover, el tema está basado levemente en «Sleepy» del cantautor norteamericano Oscar Brown Jr. mientras que Blackmore afirmó que estaba inspirada en la versión de «Stepping Out» hecha por Eric Clapton con los Bluesbreakers de John Mayall (hay link a ambos temas, así que saquen sus propias conclusiones). Si bien el tema fluye como una unidad en el disco, Blackmore grabó los solos de guitarra en tramos, en dos días diferentes, que luego se unieron para el producto final.

«Space Truckin’”: el poderosísimo tema que cierra el disco en su edición original, surgió con un riff de Blackmore inspirado en el tema de “Batman” (¡!) al que Gillan le añadió líricamente una mezcla entre las letras de rock ‘n’ roll de los 50’s y una temática de ciencia ficción. La canción hizo su debut en vivo poco después de finalizadas las sesiones de grabación de “Machine Head”, convirtiéndose en una de las elecciones favoritas como cierre de los shows incluyendo un largo solo de batería de Ian Paice que elevaba la duración de la canción por encima de los 20 minutos. La banda siguió tocándolo incluso en las épocas del Mark III, después de que Gillan y Glover dejaran la banda en 1973, incluida una actuación memorable en el California Jam del año siguiente, donde Blackmore prendió fuego a sus amplificadores y destruyó una cámara de televisión con su guitarra (¡!)

Los temas eran tan potentes que quedó afuera del álbum una balada bluseada titulada «When a Blind Man Cries», la cual se usó como cara B en el single de «Never Before». La canción se convirtió en un tema de culto para los fans obligando a la banda a tocarla en vivo e incluirla como bonus track en las posteriores reediciones

AJUSTANDO EL CLAVIJERO

“Machine Head” (que en español hace referencia al clavijero situado en la cabeza de la guitarra para afinar las cuerdas) fue lanzado el 25 de marzo de 1972 y pensaba ser promocionado con una gira norteamericana que se pospuso después de que Blackmore se enfermara. Un par de meses después la banda retomó la actividad en vivo, primero en el Reino Unido y luego en Japón donde se registrarían las pistas del célebre disco en vivo «Made In Japan» donde se incluyeron cuatro canciones de “Machine Head”; «Highway Star», «Smoke on the Water», «Lazy» y «Space Truckin'».

La particular portada se creó estampando el título del álbum en una lámina de metal pulido, la cual se levantó para que sirva de espejo frente al cual se paró el grupo. El fotógrafo Shepard Sherbell luego tomó una foto de ese reflejo – incluso se puede distinguir un pequeño rastro de él en la imagen terminada (justo debajo de la palabra “Head”-. El sobre interno fue diseñado por Roger Glover y el manager Tony Edwards, y presenta un collage de fotos del archivo de la compañía discográfica, incluyendo una de Claude Nobs (inmortalizado como “Funky Claude” en la letra de “Smoke On The Water”), a quien está dedicado el álbum.

Ahora sí, ¡a subir el volumen!

RUNAS, OSCURIDAD Y MITOLOGÍA NORDICA: A 30 AÑOS DE "TYR" DE BLACK SABBATH

 

Desconocida para el gran público, pero valorada por algunos fanáticos acérrimos, la etapa de Black Sabbath con Tony Martin al frente es un fiel reflejo del ímpetu de Tony Iommi por seguir adelante con el legado de la banda sin importar las consecuencias. A 30 años de su salida, en MADHOUSE recordamos a “Tyr”, el tercer álbum de la etapa Martin, un disco que iniciaría una etapa de significativos cambios para la legendaria banda inglesa.

LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE BLACK SABBATH. La segunda mitad de los 80 fue un desafío para Iommi, cuando tras el final de la aventura de “Born Again” junto a Ian Gillan debió empezar de cero, sin ninguno de sus compañeros a su lado. Y si bien la idea fue desensillar hasta que aclare grabando un disco solista, la insistencia de la compañía discográfica lo instó a llamar al proyecto «Black Sabbath» y obligarlo a hacerse cargo de tamaña mochila. El disco “Seventh Star” de 1986 fue entonces el comienzo de un nuevo Black Sabbath para Iommi quien, a la par de buscar la nueva identidad de la banda, tenía a la vez que soportar que su ex compañero Ozzy Osbourne, desde la cima de la montaña del éxito, lo mirara por encima del hombro…

El lanzamiento del “The Eternal Idol” al año siguiente, a pesar de su poca repercusión le dio al guitarrista del bigote la certeza de que al menos podía contar con dos laderos en su desafío: el tecladista Geoff Nicholls y el cantante Tony Martin. Junto a ellos, Iommi buscó morir en su ley y decidió que, si debía hacerse cargo del legado de Sabbath, lo haría de la mejor manera posible, por lo que decidió sumar al barco nada menos que al legendario Cozy Powell para que lo ayudara a timonearlo desde la batería. Con el ilustre baterista, Martin y Nicholls, más el aporte del sesionista Laurence Cottle en el bajo, Black Sabbath lanzaría en 1989 “Headless Cross”, disco que les demostró a los pocos fieles que aún les seguían el rastro que la magia de Iommi no se había ido

VENÍ, PROBÁ LA BANDA. Si bien Laurence Cottle había sido el encargado de las cuatro cuerdas en “Headless…”, Iommi ansiaba el regreso de Geezer Butler para la gira de presentación. Aunque los caminos de los ex compañeros parecían acercarse una vez más, todo terminó cuando Geezer repentinamente se sumó nada menos que a la banda de Ozzy para la gira del disco “No Rest For The Wicked”. Esto obligó al guitarrista a recalcular el rumbo, barajar de nuevo y sumar al proyecto nada menos que al ex Whitesnake y Gary Moore Neil Murray como miembro definitivo, dándole paso a la alineación más estable de Black Sabbath desde los tiempos de Ronnie James Dio

Pero las cosas no serían tan fáciles para la Bruja Negra. El tramo norteamericano de la gira de “Headless…” fue cancelado debido a la falta de difusión, lo que casi hace que Powell abandone la banda.

En el libro “Never Say Die» de Garry Sharpe-Young que documenta el periodo de Sabbath entre 1979 y 1995, Tony describe el desconcierto que experimentaba el grupo: “Nos fuimos a EE.UU. para hacer una gira y, como solíamos hacer, recorrimos las tiendas de discos y no había ni un maldito álbum a la vista. Ni siquiera había un cartel, nada de nada. Cozy no lo podía creer: ‘¿Qué diablos está pasando? No hay publicidad, no hay álbumes en las tiendas’”…

No obstante los perceptibles problemas iniciales, el buen recibimiento de la nueva alineación de Sabbath en territorio europeo (donde lograron tocar con mucho éxito en territorios pocos explorados musicalmente para la época, tales como Rusia), le dio al futuro del proyecto una muy necesitada luz de esperanza

POR EL PODER DE ODÍN. Ni lerdo ni perezoso, Iommi decidió aprovechar la movida y entrar a los estudios Rockfield en Gales en febrero de 1990 para registrar nuevo material. Una de las primeras premisas de la banda fue tratar de mostrar a la alineación como un volver a empezar para el grupo. Teniendo en cuenta esto, Tony Martin decidió dejar atrás la temática lírica que había tenido la banda en la época de Dio (dragones, espadas, magos y arco iris varios) para volcarse a la mitología nórdica Y si bien “Tyr” no fue considerado un álbum conceptual, la figura principal del título (que hace referencia al hijo de Odín, el Dios de la Guerra en la mitología nórdica quien perdió una mano en las fauces de Fenrir, un lobo con apariencia monstruosa) funciona como disparador de varias de las canciones. Como complemento, el arte de tapa muestra runas tomadas de la famosa piedra de Rök en Suecia, muy conocida entre los runólogos por contener la inscripción rúnica más larga del mundo.

Las runas de Rok en Suecia, fuente de inspiración para Tony Martin

En su autobiografía de 2012 “Iron Man”, Iommi comentaba lo siguiente sobre el nuevo rumbo del grupo: “En ‘Headless Cross’, Tony [Martin] acababa de entrar en la banda y pensó: ‘oh, Black Sabbath, todo se trata del Diablo’, por lo que sus letras estaban llenas de ‘Diablo’ y ‘Satanás’. Fue demasiado directo. Le dijimos que fuera un poco más sutil al respecto, así que para ‘Tyr’ hizo todas estas letras sobre dioses nórdicos y todo eso. Me tomó un tiempo entenderlo». Con la dupla Iommi & Powell manejando la consola de grabación, “Tyr” no tiene nada que envidiarle en calidad sonora a otros discos de la banda, manteniendo en alto el legado de Black Sabbath en un momento difícil de su carrera.

 “Anno Mundi”, la apertura del disco, es una excelente muestra del nuevo rumbo de la banda con versos en latin, mucha épica, oscuridad y potencia. Otros momentos destacados de la placa son “Jerusalem” (posteriormente regrabado en “Back Where I Belong”, el disco solista de Tony Martin de 1992), la suite “The Battle of Tyr”/”Odin’s Court”/”Valhalla” y la balada “Feels Good to Me”, elegida como primer corte y video

UN LEGADO ESPERANDO A SER DESCUBIERTO. Si bien “Tyr” pasó prácticamente desapercibido en EE.UU., logró un modesto puesto 24 en el ranking británico y llegó al Top 40 en otros países europeos como Alemania, Finlandia, Suiza, Austria y Suecia, lo que le permitió girar con moderado éxito desde septiembre a noviembre de 1990 con los rockers neoyorquinos Circus Of Power como teloneros. Y aunque por primera vez en su carrera no hubo fechas norteamericanas en una gira de Black Sabbath, para beneplácito de los fans, la fecha londinense del tour contó con Geezer Butler, Ian Gillan y Brian May como invitados

Fue precisamente el acercamiento entre Butler y Iommi el que propició el regreso del bajista al grupo luego del fin de la gira. Pero con una condición: el regreso al micrófono de Ronnie James Dio, que se confirmaría unos meses después dando como resultado el disco “Dehumanizer”, tras el cual Iommi volvió a llamar a Tony Martin para “Cross Purposes” de 1994 (con Butler en el bajo y Bobby Rondinelli en batería) para finalmente reunir a la alineación de “Tyr” en “Forbidden” de 1995… Hoy, a 30 años de su salida (el 20 de agosto de 1990 en EE.UU. y el 31 en el resto del mundo), “Tyr” se encuentra -como el resto de los álbumes del cuarteto de Birmingham en el sello I.R.S- actualmente descatalogado en formatos físicos y digitales, a la vez que se mantiene como uno de los puntos más altos de la época menos conocida de Black Sabbath. Se los dejamos entonces para que revivan, recuerden o descubran, según el caso, además de disfrutarlo y compartirlo.

Alejandro Do Carmo

Baterista frustrado, docente y periodista especializado en cultura y espectáculos. Conduce el programa La Isla de los Monos por Radio El Parque y ha colaborado en Rock.com.ar y las revistas Efecto Metal y Mala Difusión. Mantiene su blog Film Song (www.film-song.blogspot.com) desde 2005

10 DATOS CLAVES DE “BLAZE OF GLORY”, EL DEBUT SOLISTA DE JON BON JOVI, A 30 AÑOS DE SU EDICIÓN

Publicado originalmente en MADHOUSE

A pesar de que muchas veces (y sobre todo desde la partida de Richie Sambora) la diferencia entre Bon Jovi, la banda y Jon Bon Jovi, el cantante, sea cada vez más difusa, lo cierto es que hasta 1990 Jon nunca había intentado un proyecto como solista. El detonante fue la propuesta de su amigo, el actor Emilio Estévez, que le permitió a Jon dar rienda suelta a su  gusto por los cowboys y la cultura western norteamericana, con el lanzamiento de “Blaze Of Glory” la banda de sonido de la película “Young Guns II”. 

A 30 años de su salida, te contamos diez detalles a tener en cuenta a la hora de desenfundar nuevamente el disco. Vayan entonces con sus colts a la calle principal a la hora señalada, ¡que aquí vamos!!

1 – PONIENDO PRIMERA. 

Luego de una maratónica gira de 18 meses presentando el disco “New Jersey” (que terminó con una doble función en México, tras su paso por Santiago de Chile y Buenos Aires) Bon Jovi decidió tomarse un descanso por primera vez desde su formación en 1983. Es así que Jon decide desconectarse y emprender un viaje en moto por EEUU. 

A su regreso, su amigo Emilio Estévez le pidió permiso para incluir el tema “Wanted Dead Or Alive” en una película que estaba por protagonizar. La película en cuestión era “Young Guns II”, secuela de un filme que relataba la vida de Billy The Kid, el cowboy delincuente más famoso de la historia estadounidense.  Al enterarse de la trama de la película, Jon le comentó a Estévez  que prefería componer una nueva canción. ya que “Wanted…"a pesar de su aire western, no se correspondía con la temática del film.

2 – Llamarada Creativa. 

El tema en cuestión que Jon le presentó a Emilio y al director John Fusco en el mismísimo set de rodaje en el desierto de Nuevo México fue «Blaze Of Glory». Por supuesto convenció a los productores, quienes le dieron rienda suelta a Jon para que se encargue de la banda de sonido del film. La grabación del disco le permitió a Jon contar con otros músicos y presentarse por primera vez como solista por fuera de su banda. “Blaze Of Glory” se destaca por su introducción de guitarra (a cargo nada menos que del legendario Jeff Beck) y le valdría a Jon un Globo de Oro y una nominación a los premios Oscar (el cual perdería en mano de Madonna con el tema “Sooner or Later”, de la película «Dick Tracy«)

3 – CON UNA PEQUEÑA AYUDA DE MIS COLEGAS. 

La inspiración de Jon completó en pocas semanas la composición de todo un disco inspirado en la película, el cual decidió titular “Blaze Of Glory”. Para acompañarlo en la producción, Jon eligió al veterano Danny Kortchmar, reconocido por su trabajo con figuras de los 70 como Linda Ronstadt, James Taylor y Don Henley, además de contar con figuras invitadas de renombre como Robbin Crosby de Ratt, Benmont Tench de los Heartbreakers de Tom Petty, Aldo Nova, Randy Jackson de Journey y el experimentado baterista Kenny Aronoff (sesionista de Bob Dylan y Joe Cocker entre otros). De todos modos, el plato fuerte fue por partida doble y estuvo dado por la presencia de dos de los ídolos de la infancia de Jon: Little Richard y Elton John (de los cuales hablaremos a continuación)

4 – UNA CARA AMIGABLE EN EL VIDEO. 

Tras el éxito de “Blaze…” Jon decidió filmar otro clip para el segundo corte del disco, en este caso del tema “Miracle”. El mismo hace referencia a la mezcla cultural entre México y EE.UU. en la zona de la frontera y cuenta, adema de la presencia de Jeff Beck, con la participación del actor Matt LeBlanc, quien tiempo después haría el rol de Joey en la tira “Friends”.

5 – EL HOMBRE DEL PIANO (Vol. 1). 

El tercer video para promover el disco fue del tema “Dyin’ Ain’t Much of a Livin'», uno de las dos temas en donde participa Elton John (la otra es “Billy Get Your Guns”). Si bien ni Jon ni Elton aparecerían en el video, el cantante devolvería gentilezas al año siguiente participando de “Two Rooms”, el disco tributo que homenajea a John y al letrista Bernie Taupin.

6 –EL HOMBRE DEL PIANO (Vol. 2). 

Otro de los ídolos de Jon que participó en el disco fue nada menos que Little Richard, en “You Really Got Me”, un tema con reminiscencias de los años 50 que le quedó como anillo al dedo al veterano pianista. En referencia a la muerte de Richard, Jon twiteó un conmovedor recuerdo sobre su participación: “En 1990, cuando escribí la música de Young Guns, tuve la oportunidad de pedirle a algunos de mis héroes que grabaran conmigo: Elton John, Jeff Beck y un elenco de estrellas que se unieron para divertirse y hacer música. Un día, Danny Kortchmar, el famoso productor, me dijo ‘¿a quién más conocés?’ Así que contacté a Little Richard… y aceptó. Cuando llegó al estudio, nos hizo sentir a todos como niños pequeños. Jugó, cantó, se rió y nos contó historias. Nos bendijo con su sonrisa y su talento. Nunca lo olvidaré… Recen, hay un cielo en el que Richard está al piano»

7 – SIN ISLAS EN SANTA FE. 

Uno de los tema favoritos del disco por parte de los fans es la power ballad “Santa Fe” que habla sobre el comienzo de la leyenda de Billy The Kid, una vez que es condenado a muerte por las autoridades. La línea de apertura de la canción, “They say that no man is an island” (“Dicen que ningún hombre es una isla”), es referenciada (aunque de manera irónica) en dos adaptaciones de libros del escritor británico Nick Hornby: «About A Boy» y «High Fidelity«.

8 – TAMBOR COUNTRY. 

Si bien el tema “Bang A Drum” no fue lanzado como single, logró con el tiempo convertirse en un clásico, aunque no por la versión original de Jon sino por el cover hecho por Chris LeDoux, un ya fallecido artista country que llevó el tema a las listas especializadas del género en 1998. Para el video de la canción, LeDoux contó con la participación del mismísimo Jon, quien marcó presencia a bordo de un imponente convertible rojo.

9 – LUZ, CÁMARA… ¡JON! 

“Young Guns II” significó el primer contacto de Jon con el mundo del cine, llegando incluso a tener un breve cameo en el filme (aunque enseguida recibe un balazo). La carrera cinematográfica posterior de Jon incluiría roles en “Moonlight And Valentino”, “The Leading Man”, «U-571» y el mediometraje “Destination Anywhere” (de la cual también se encargaría de la banda sonora), entre otras.

10 – SIN PENA Y CON GLORIA. 

Y para el final, unos datos duros: “Blaze Of Glory” llegó al puesto número 2 en Gran Bretaña y al 3 en EEUU, además de ser disco de platino en Canadá, Australia, Suiza y Austria, completando un total de 3 millones de copias vendidas. En cuanto a la película, si bien cumplió con las expectativas en cuanto a la taquilla, las críticas no fueron favorables, lo que provocó que hasta el momento no haya planes de una tercera parte.

UN REPASO POR LA HISTORIA DE "CANCION ANIMAL" DE SODA STEREO A TRAVES DE SUS CANCIONES

Publicado originalmente en MADHOUSE

Grabado en los estudios Criteria, de Miami, «Canción Animal», el quinto disco de estudio de Soda Stereo, marcó un punto de inflexión en la carrera del trío, mostrando ese ADN setentista que Gustavo Cerati había forjado en largas noches de guitarra y fogón en su adolescencia. A 30 años de su edición (el 7 de agosto de 1990),  aprovechamos  para escucharlo una vez más, repasando y comentando algunos detalles de cada una de sus diez canciones.

1 – “(EN) EL SÉPTIMO DÍA”. El comienzo de “Canción Animal” fue un big bang bien caliente gracias a ese comienzo guitarrero y una base en 7 x 8 (algún día habrá que valorar como se merece la versatilidad de Charly Alberti). A la manera de sus venerados Vox Dei en “Génesis”, Soda abre su quinto disco a pura guitarra y referencias bíblicas, en un tema que se convertiría en infaltable en cada una de la gira posteriores del trío.

Dato para cancherear: La banda chilena Sinergia versionó la canción en plan metal industrial en “Gracias Totales”, el “tributo bizarro” de 1999

2 – “UN MILLÓN DE AÑOS LUZ”. Una intro in crescendo de teclados le da paso a un punteo de guitarras que ya se convirtió en todo un  clásico. Según declaró Gustavo Cerati, la línea de bajo y la base rítmica están inspiradas en “Tempted” el segundo corte del cuarto disco de los británicos Squeeze, una de las bandas favoritas de Gustavo en ese entonces.

Dato para cancherear: Tal era su enganche con “Tempted”, que se lo puede ver a Gustavo  tararear la canción en un fragmento del home video “Canción Animada”

3 – “CANCIÓN ANIMAL”. El tema título del álbum, co-compuesto entre Cerati y Daniel Melero (el virtual cuarto miembro de la banda en ese momento) describe la fogosa relación entre el líder y una joven llamada Paola Antonucci, quien había tenido un romance previo nada menos que con Charly Alberti. El hipnótico loop de batería y cierto resabio psicodélico en las guitarras, marcan el primer momento oscuro del disco y anticipan el sonido Madchester que influenciaría el siguiente trabajo, el maxi “Rex Mix”

Dato para cancherear: el disco iba a llamarse «Tensión E Integridad» pero al final se decidió por  “Canción Animal”, cuyo concepto salió de una enciclopedia sobre animales y quedaría reflejado en la tapa, que muestra una pareja de leones apareándose (representando la pasión entre Gustavo y Paola), una veleta (simbolizando la juventud de Charly Alberti) y un tensegrid como analogía del equilibrio (indudablemente el rol de Zeta Bosio en la banda). En algunos países de Latinoamérica, la portada fue censurada y se reemplazó por una foto del grupo en naranja y azul.

4 –“1990”. Paradójicamente, el tema cuyo título marca el comienzo de la nueva década, es el que más remite al decenio anterior e incluso no hubiese desencajado en “Doble Vida”. El destacado rol de Pedro Aznar en los coros le daría a la canción ese toque Serú que, visto a la distancia, suena bastante raro en comparación con el resto del material.

Dato para cancherear: en los foros de fanáticos se debate sobre si el tema se tocó en vivo alguna vez. A pesar de que varios testigos afirman haberla escuchado, no hay registros en YouTube o en los sitios de setlists.

5 – “SUELES DEJARME SOLO”. Si bien existe una relación en términos musicales con el tema anterior en la lista (Gustavo lo compuso en la época de “Tango 3”, el frustrado proyecto con Aznar y Charly García), el arranque impetuoso borra de un plumazo cualquier atisbo ochentoso y remite indefectiblemente a otra de las grandes influencias de Cerati: los desprendimientos de Almendra como Pescado Rabioso y Color Humano. Y si bien el tema fue lo más cercano al metal que editó el trio en estudio, la versión pesada definitiva llegaría de la mano de Cabezones quienes la incluyeron en “Alas”, su debut en una multinacional producido por Zeta Bosio.

Dato para cancherear: En algunas de las presentaciones del tema durante la gira “Me Verás Volver”, Gustavo rompía su guitarra después del primer solo, para continuar la canción con una nueva.

06 – “DE MÚSICA LIGERA”. ¿Qué más se puede decir de la canción más emblemática del trio? Originada en una prueba de sonido, se grabó en una sola toma. En un principio se iba a llamar “Autocine” y el titulo tuvo su origen en una colección de discos que tenían los padres de Cerati. En el libro “Antología Del Rock Argentino”, de Maitena Aboitiz, Gustavo relata que “Mis padres tenían una caja de discos que se llamaba ‘Clásicos Ligeros De Todos Los Tiempos’ donde había música de películas, obras clásicas y de todo, mezclando Mozart con Ennio Morricone. Esas palabras me habían pegado mucho y a mí me quedó sonando siempre la frase ‘clásicos ligeros’. ¡Todo el tiempo vuelvo a lo que hacía cuando era chico!«

Dato para cancherear: el concepto de la canción estuvo inspirado por el tema “Música Lenta” del disco “Conga” (1988) de Daniel Melero, donde precisamente participa Gustavo.

7 – “HOMBRE AL AGUA”. El tema más largo del disco (casi seis minutos) fue compuesto por Cerati y Melero y deja a la clara la idea sonora de la placa: una base sólida (con el machaque del bajo de Zeta en primer plano) y una atmósfera etérea que sería enfatizada en la versión en vivo que oficiaría como track de apertura del siguiente trabajo del trío: el maxi “Rex Mix”, grabado en vivo en una serie de 14 funciones agotadas en el teatro Gran Rex.

Dato para cancherear: El tema fue el elegido por Zeta y Charly para darle el puntapié inicial a su gira de regreso “Gracias Totales”, la cual quedó trunca por la pandemia.

8 – “ENTRE CANÍBALES”. El concepto animal se vuelve -precisamente- carne en este track que remite indefectiblemente al sonido de “Artaud”, la obra maestra del Pescado Rabioso capitaneado por Luis Alberto Spinetta (disco al cual Gustavo homenajearía unos años después en su debut solista “Amor Amarillo” con “Bajan”). El tema volvería a grabarse para “Comfort Y Música Para Volar” el disco que el trío grabaría para la cadena MTV en 1996.

Dato para cancherear: En una entrevista realizada por Claudio Kleiman y Daniel Curto para la revista El Musiquero, Cerati define al tema como “una canción de amor entre caníbales, dentro de un mundo donde todo es así.”

9 – “TÉ PARA 3”. El tema más despojado del disco (con solo la voz y la guitarra acústica de Gustavo, más un mínimo aporte de bajo y teclado) es también el más intimista. La historia de la canción, tocada en tiempo de vals, remite al momento en que Gustavo debe enfrentarse,  junto con su madre Lilian, a la noticia de la enfermedad  de su padre Juan José, un cáncer terminal que le ocasionaría la muerte en 1992

Dato para cancherear: en la versión para el “Plugged” de MTV, Gustavo agrega un pasaje de “Cementerio Club”, el clásico de Pescado Rabioso. Además, el tema fue interpretado en el histórico concierto de “Las Bandas Eternas” de Luis Alberto Spinetta.

10 – “CAE EL SOL”. El tema elegido para cerrar “Canción Animal” tiene un trasfondo optimista y esperanzador, además de estar claramente inspirada por “Here Comes The Sun” de los Beatles, cuyos acordes pueden escucharse en la coda final.

Dato para cancherear: la banda aprovechó su seguidilla de 14 shows en el teatro Gran Rex, para grabar el video oficial del tema, El director del mismo fue Caito Lorenzo, el fotógrafo y artista visual que retrató al trio en varias de sus giras y colaboró en la portada de los discos “Cancion Animal”, “Signos” y “Ruido Blanco”

Esperamos que hayan servido las palabras (aunque gemir sea mejor) y que no te hayamos hecho esperar una eternidad este instante para volver a escuchar el disco, recordando que,  tal como lo plantea el sobre interno: “para mayor placer animal, escúchalo a todo volumen”.