sábado, 26 de marzo de 2022

HUMO, HOTELES Y CASINOS: LA HISTORIA DE «MACHINE HEAD» DE DEEP PURPLE, A 50 AÑOS DE SU SALIDA

Considerado uno de las piedras basales del heavy metal, pocos álbumes en la historia de la música han ejercido tanta influencia como “Machine Head”, el sexto disco de estudio de Deep Purple, y tercero con su legendaria formación “Mark II”. A 50 años de su salida, en MADHOUSE te contamos algunos detalles de su grabación antes de volver a escucharlo por enésima vez. Así que antes de que el humo sobre el agua se disipe, dejá que la estrella del camino de tu pantalla te guie hacia este viaje espacial de lectura como nunca antes, y vení y seguí leyendo.

UN DREAM TEAM DEL ROCK PESADO

Si hubiese una palabra que pudiese definir al Mark 2 de Deep Purple en su apogeo debía ser imparables. Es que, desde que en 1969 Ian Gillan y Roger Glover reemplazaron a los poco afortunados Rod Evans y Nick Simper, sumándose al tridente fundador Blackmore /Lord/Paice, Deep Purple no detuvo nunca su marcha, ni siquiera para tomar impulso. Al fundamental “In Rock” (1970), piedra angular de todo lo que se conocería como heavy metal de ahí en más, se le sumaria unos meses después “Fireball” (1971) quizás de movida no tan impactante  pero igual de contundente, mostrando a la banda en un intento de ampliar sus horizontes.

Todo ese vértigo desplegado en tan solo algunos meses, dejaba el camino tendido para el fundamental tercer disco de la formación (sexto en total si sumamos los tres álbumes editados junto a Simper y Evans), para el cual el quinteto pensó, en un principio, grabarlo en vivo sobre un escenario, buscando empardar el sonido de sus demoledores shows en vivo, a la vez que intentando seguir una idea del baterista Ian Paice, quien había grabado algunas de sus partes de “Fireball”  en el pasillo de la sala, creyendo que sonaba mejor, lejos de la frialdad del típico estudio insonorizado.

DEEP PURPLE - Machine Head - Discos de Vinilo

TODOS LLEGAMOS A MONTREUX

A su vez, las duras leyes impositivas del Reino Unido, impulsaron a buscar una alternativa de grabación fuera del país. Con esto en mente, y luego de finalizar una gira por su país natal de septiembre a octubre de 1971 – donde mostraron adelantos del nuevo material- la banda decidió reservar la sala del Casino de Montreux, en Suiza, para plasmar su nuevo disco con el estudio móvil de los Rolling Stones. El Casino era en realidad un gran predio que contenía varias salas y que el grupo ya conocía porque había actuado ahí en mayo de 1971, momento en el que forjaron amistad  con Claude Nobs, el fundador y alma mater del célebre Festival de Jazz de Montreux. Como el casino permanecía cerrado durante el invierno boreal por reformas, resultaba ideal  para utilizarlo como lugar de grabación, alejado de presiones y molestias. Deep Purple llegó allí el 3 de diciembre de 1971 justo para lo que sería el concierto final, antes del receso, nada menos que la presentación de Frank Zappa and the Mothers of Invention. Todo parecía estar saliendo a la perfección, hasta que el diablo metió la cola… o encendió una bengala.

La historia de 'Smoke on the water' de Deep Purple.

HUMO SOBRE EL AGUA Y FUEGO EN EL CIELO

Durante el show de Zappa y su banda (que incluia los cantantes Flo & Eddie, el multiinstrumentista Ian Underwood y el célebre batero Aynsley Dunbar), un miembro del publico disparó una bengala al techo del edificio, prendiéndolo fuego de inmediato. En un primer momento, la audiencia no se percató del hecho porque el cielorraso estaba cubierto por un falso techo de bambú, hasta que con el correr de los minutos se empezaron a ver las primeras chispas. Inmediatamente el grupo dejó de tocar. Según el bajista Roger Glover, Zappa dijo: “que nadie entre en pánico, pero … ¡FUEGO!». Luego de esto, la gerencia del casino ordenó una evacuación controlada. Afortunadamente no  se registraron víctimas fatales, aunque un pequeño grupo de personas quedaron atrapadas brevemente en el sótano del casino antes de ser rescatados por Nobs. Instantes después de que todos hubieran sido evacuados de manera segura, el edificio se incendió por completo.

Según recuerda Ian Gillan en una entrevista para la reedición del disco: “Estábamos sentados en un restaurante a un cuarto de milla del casino, y vimos como empezaba a arder. El viento bajaba de las montañas y se llevaba el humo y las llamas al otro lado del lago”. En cuestión de minutos la banda se había quedado sin lugar para grabar… pero el humo estaba por disiparse

Al día siguiente, Nobs trasladó a la banda al Pavilion, un teatro cercano al casino, donde grabaron las pistas de una canción llamada provisionalmente «Title No. 1». Roger Glover quedó bastante conmovido por el episodio, tanto que se despertó una mañana diciendo en voz alta: «Smoke on the Water» (“Humo Sobre El Agua”). Con ese título en mente, Gillan escribió la letra que describía con lujo de detalles la experiencia ocurrida en Montreux.


CORRIENDO CONTRA EL RELOJ SUIZO

Entre tantas emociones, la banda notó que el Pavilion resultaba ser bastante poco práctico para grabar, sobre todo por los vecinos que constantemente llamaban a la policía quejándose por el alto volumen del rock and roll de la banda. En uno de esos intentos, y  aunque los asistentes del grupo trataron por todos los medios de evitar que la policía entrara manteniendo las puertas cerradas del estudio, la banda fue desalojada. No quedó otra que buscar un nuevo lugar de grabación, honor que recayó en el Grand Hotel, en las afueras de Montreux, que se encontraba vacío.

Ya sin vecinos que espantar, los plomos ubicaron la unidad móvil de los Rolling Stones en la entrada principal, mientras que la banda se instaló al final de uno de los pasillos del lobby. Para acustizar el lugar se instalaron colchones aislantes del sonido, lo que significó que la banda tenía que sortear una gran cantidad de obstáculos para llegar a la camioneta de grabación y evaluar las tomas. Esto resultó tan arduo, que el quinteto  dejó de escuchar lo que grababa, decidiendo tocar hasta quedar satisfechos. La delicada logística incluía también un sistema de televisión de circuito cerrado para que la banda pudiera comunicarse con el ingeniero Martin Birch y permitir que el personal en la sala de control del estudio los viera.

En declaraciones a la revista Guitar World, el gran Ritchie Blackmore recordaba al respecto: “Teníamos la unidad de grabación móvil de los Rolling Stones esperando afuera en la nieve… cada vez que llegamos al camión para escuchar lo que habíamos grabado, incluso si no pensábamos que era una toma perfecta, decíamos, ‘Sí, está bien” Porque simplemente no podíamos soportar volver a hacer todo ese trayecto de nuevo”

Deep Purple Podcast on Twitter: "On this day in 1971 Deep Purple began recording  Machine Head in an old hotel during the off season. This album would  arguably become their most iconic

LOS HIMNOS DE “MACHINE HEAD”

«Highway Star», el poderoso e inmortal track apertura, se escribió mientras el grupo viajaba en el micro de gira hacia la fecha apertura de su tour por el Reino Unido en Portsmouth el 13 de septiembre de 1971. El management había decidido que la banda fuese al concierto junto con un grupo de periodistas que podían entrevistar a los músicos mientras viajaban. Uno de ellos le preguntó a Blackmore cómo escribía las canciones, a lo que el guitarrista – conocido por su humor ácido- dijo: «así», tomando la guitarra y tocando el clásico riff de apertura de la canción. Gillan le siguió la corriente improvisando la letra mientras que el resto de la banda completó el arreglo durante el ensayo previo al show, donde se estrenó esa misma noche. ¡Resultaron rápidos para los mandados los muchachos! Como dato adicional, Blackmore basó su solo de guitarra en un yeite que había aprendió del pionero del rock and roll Johnny Burnette que tenía cierto parecido con el estilo de Johann Sebastian Bach.

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«Maybe I’m A Leo»: nombrada en un principio como «One Just Before Midnight» – título que aparece incluso en una foto de una hoja de grabación en el collage de la portada del álbum- el título y la letra hacen referencia al signo zodiacal de Ian Gillan. Lo curioso es que ese riff blusero tan particular fue compuesto por Roger Glover inspirado en “How Do You Sleep?» de John Lennon, canción editada tan solo unos meses antes. A pesar del pedido de los fans, el Mark II solo la tocó en vivo una vez, en una actuación para el programa “BBC In Concert”. El tema recién volvió a ser incluída en el setlist en 1993, cuando Joe Satriani reemplazó brevemente a Blackmore, antes de la llegada definitiva de Steve Morse.

«Pictures of Home»: A pesar de haberla compuesto a partir de un riff inspirado por una frecuencia de radio de onda corta (¿?) y con una letra que retrata la nostalgia por volver a casa después de tanto tiempo de gira, el inefable Ritchie Blackmore no quería tocarla en vivo, por lo que la banda la archivó hasta la llegada de Steve Morse. Incluye un célebre solo de bajo de Roger Glover y una versión alternativa que arranca con la potente batería de Ian Paice

“Never Before”, a pesar de ser uno de los temas menos recordados fSteve Morse.

«Pictures of Home»: A pesar de haberla compuesto a partir de un riff inspirado por una frecuencia de radio de onda corta (¿?) y con una letra que retrata la nostalgia por volver a casa después de tanto tiempo de gira, el inefable Ritchie Blackmore no quería tocarla en vivo, por lo que la banda la archivó hasta la llegada de Steve Morse. Incluye un célebre solo de bajo de Roger Glover y una versión alternativa que arranca con la potente batería de Ian Paice Never Before”, a pesar de ser uno de los temas menos recordados del disco, la banda la consideró la pista más comercial del álbum y decidió lanzarla como single, llegando solo al puesto 35 del ranking británico. La versión en vivo puede encontrarse en el compilado “Deep Purple in Concert” de 1980

«Smoke on the Water»: que decir de este clásico del rock que documenta las experiencias de grabación de “Machine Head”, incluidos el incendio, la evacuación del casino y las largas sesiones en el Grand Hotel; y cuyo título hace referencia al espeso humo negro del fuego que se cernía sobre la orilla del lago de Ginebra. La base de la canción fue el único material utilizable que provenía de las grabaciones de Pavilion, antes de que la policía cerrara las sesiones. Más allá de todo, el tema pasaría a la historia por su riff, sobre el cual Blackmore dijo que era popular debido a que era simple y se basaba en cuatro notas, comparándolo con el fraseo musical de apertura de la Quinta Sinfonía de Beethoven. Paradójicamente, aunque es uno de los temas más famosos de la historia de la música, la banda no pensó que tuviera mucho potencial comercial, y fue uno de los últimos temas de “Machine Head” que se tocaron en vivo.

«Lazy»: el tema con más espíritu de zapada del disco  se tocó por primera vez en vivo durante la gira por el Reino Unido de 1971 y se retuvo durante el año siguiente reemplazando a la zapada instrumental «Wring That Neck» que venían tocando desde el Mark I. Según Roger Glover, el tema está basado levemente en «Sleepy» del cantautor norteamericano Oscar Brown Jr. mientras que Blackmore afirmó que estaba inspirada en la versión de «Stepping Out» hecha por Eric Clapton con los Bluesbreakers de John Mayall (hay link a ambos temas, así que saquen sus propias conclusiones). Si bien el tema fluye como una unidad en el disco, Blackmore grabó los solos de guitarra en tramos, en dos días diferentes, que luego se unieron para el producto final.

«Space Truckin’”: el poderosísimo tema que cierra el disco en su edición original, surgió con un riff de Blackmore inspirado en el tema de “Batman” (¡!) al que Gillan le añadió líricamente una mezcla entre las letras de rock ‘n’ roll de los 50’s y una temática de ciencia ficción. La canción hizo su debut en vivo poco después de finalizadas las sesiones de grabación de “Machine Head”, convirtiéndose en una de las elecciones favoritas como cierre de los shows incluyendo un largo solo de batería de Ian Paice que elevaba la duración de la canción por encima de los 20 minutos. La banda siguió tocándolo incluso en las épocas del Mark III, después de que Gillan y Glover dejaran la banda en 1973, incluida una actuación memorable en el California Jam del año siguiente, donde Blackmore prendió fuego a sus amplificadores y destruyó una cámara de televisión con su guitarra (¡!)

Los temas eran tan potentes que quedó afuera del álbum una balada bluseada titulada «When a Blind Man Cries», la cual se usó como cara B en el single de «Never Before». La canción se convirtió en un tema de culto para los fans obligando a la banda a tocarla en vivo e incluirla como bonus track en las posteriores reediciones

AJUSTANDO EL CLAVIJERO

“Machine Head” (que en español hace referencia al clavijero situado en la cabeza de la guitarra para afinar las cuerdas) fue lanzado el 25 de marzo de 1972 y pensaba ser promocionado con una gira norteamericana que se pospuso después de que Blackmore se enfermara. Un par de meses después la banda retomó la actividad en vivo, primero en el Reino Unido y luego en Japón donde se registrarían las pistas del célebre disco en vivo «Made In Japan» donde se incluyeron cuatro canciones de “Machine Head”; «Highway Star», «Smoke on the Water», «Lazy» y «Space Truckin'».

La particular portada se creó estampando el título del álbum en una lámina de metal pulido, la cual se levantó para que sirva de espejo frente al cual se paró el grupo. El fotógrafo Shepard Sherbell luego tomó una foto de ese reflejo – incluso se puede distinguir un pequeño rastro de él en la imagen terminada (justo debajo de la palabra “Head”-. El sobre interno fue diseñado por Roger Glover y el manager Tony Edwards, y presenta un collage de fotos del archivo de la compañía discográfica, incluyendo una de Claude Nobs (inmortalizado como “Funky Claude” en la letra de “Smoke On The Water”), a quien está dedicado el álbum.

Ahora sí, ¡a subir el volumen!



jueves, 3 de septiembre de 2020

RUNAS, OSCURIDAD Y MITOLOGÍA NORDICA: A 30 AÑOS DE "TYR" DE BLACK SABBATH

 

Desconocida para el gran público, pero valorada por algunos fanáticos acérrimos, la etapa de Black Sabbath con Tony Martin al frente es un fiel reflejo del ímpetu de Tony Iommi por seguir adelante con el legado de la banda sin importar las consecuencias. A 30 años de su salida, en MADHOUSE recordamos a “Tyr”, el tercer álbum de la etapa Martin, un disco que iniciaría una etapa de significativos cambios para la legendaria banda inglesa.

LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE BLACK SABBATH. La segunda mitad de los 80 fue un desafío para Iommi, cuando tras el final de la aventura de “Born Again” junto a Ian Gillan debió empezar de cero, sin ninguno de sus compañeros a su lado. Y si bien la idea fue desensillar hasta que aclare grabando un disco solista, la insistencia de la compañía discográfica lo instó a llamar al proyecto «Black Sabbath» y obligarlo a hacerse cargo de tamaña mochila. El disco “Seventh Star” de 1986 fue entonces el comienzo de un nuevo Black Sabbath para Iommi quien, a la par de buscar la nueva identidad de la banda, tenía a la vez que soportar que su ex compañero Ozzy Osbourne, desde la cima de la montaña del éxito, lo mirara por encima del hombro…

El lanzamiento del “The Eternal Idol” al año siguiente, a pesar de su poca repercusión le dio al guitarrista del bigote la certeza de que al menos podía contar con dos laderos en su desafío: el tecladista Geoff Nicholls y el cantante Tony Martin. Junto a ellos, Iommi buscó morir en su ley y decidió que, si debía hacerse cargo del legado de Sabbath, lo haría de la mejor manera posible, por lo que decidió sumar al barco nada menos que al legendario Cozy Powell para que lo ayudara a timonearlo desde la batería. Con el ilustre baterista, Martin y Nicholls, más el aporte del sesionista Laurence Cottle en el bajo, Black Sabbath lanzaría en 1989 “Headless Cross”, disco que les demostró a los pocos fieles que aún les seguían el rastro que la magia de Iommi no se había ido

VENÍ, PROBÁ LA BANDA. Si bien Laurence Cottle había sido el encargado de las cuatro cuerdas en “Headless…”, Iommi ansiaba el regreso de Geezer Butler para la gira de presentación. Aunque los caminos de los ex compañeros parecían acercarse una vez más, todo terminó cuando Geezer repentinamente se sumó nada menos que a la banda de Ozzy para la gira del disco “No Rest For The Wicked”. Esto obligó al guitarrista a recalcular el rumbo, barajar de nuevo y sumar al proyecto nada menos que al ex Whitesnake y Gary Moore Neil Murray como miembro definitivo, dándole paso a la alineación más estable de Black Sabbath desde los tiempos de Ronnie James Dio

Pero las cosas no serían tan fáciles para la Bruja Negra. El tramo norteamericano de la gira de “Headless…” fue cancelado debido a la falta de difusión, lo que casi hace que Powell abandone la banda.

Black Sabbath: Never Say Die! 1979-1997 (Rockdetector): Sharpe-Young, Garry:  9781901447163: Amazon.com: Books

En el libro “Never Say Die» de Garry Sharpe-Young que documenta el periodo de Sabbath entre 1979 y 1995, Tony describe el desconcierto que experimentaba el grupo: “Nos fuimos a EE.UU. para hacer una gira y, como solíamos hacer, recorrimos las tiendas de discos y no había ni un maldito álbum a la vista. Ni siquiera había un cartel, nada de nada. Cozy no lo podía creer: ‘¿Qué diablos está pasando? No hay publicidad, no hay álbumes en las tiendas’”

No obstante los perceptibles problemas iniciales, el buen recibimiento de la nueva alineación de Sabbath en territorio europeo (donde lograron tocar con mucho éxito en territorios pocos explorados musicalmente para la época, tales como Rusia), le dio al futuro del proyecto una muy necesitada luz de esperanza

POR EL PODER DE ODÍN. Ni lerdo ni perezoso, Iommi decidió aprovechar la movida y entrar a los estudios Rockfield en Gales en febrero de 1990 para registrar nuevo material. Una de las primeras premisas de la banda fue tratar de mostrar a la alineación como un volver a empezar para el grupo. Teniendo en cuenta esto, Tony Martin decidió dejar atrás la temática lírica que había tenido la banda en la época de Dio (dragones, espadas, magos y arco iris varios) para volcarse a la mitología nórdica Y si bien “Tyr” no fue considerado un álbum conceptual, la figura principal del título (que hace referencia al hijo de Odín, el Dios de la Guerra en la mitología nórdica quien perdió una mano en las fauces de Fenrir, un lobo con apariencia monstruosa) funciona como disparador de varias de las canciones. Como complemento, el arte de tapa muestra runas tomadas de la famosa piedra de Rök en Suecia, muy conocida entre los runólogos por contener la inscripción rúnica más larga del mundo.

Las runas de Rok en Suecia, fuente de inspiración para Tony Martin

En su autobiografía de 2012 “Iron Man”, Iommi comentaba lo siguiente sobre el nuevo rumbo del grupo: “En ‘Headless Cross’, Tony [Martin] acababa de entrar en la banda y pensó: ‘oh, Black Sabbath, todo se trata del Diablo’, por lo que sus letras estaban llenas de ‘Diablo’ y ‘Satanás’. Fue demasiado directo. Le dijimos que fuera un poco más sutil al respecto, así que para ‘Tyr’ hizo todas estas letras sobre dioses nórdicos y todo eso. Me tomó un tiempo entenderlo». Con la dupla Iommi & Powell manejando la consola de grabación, “Tyr” no tiene nada que envidiarle en calidad sonora a otros discos de la banda, manteniendo en alto el legado de Black Sabbath en un momento difícil de su carrera.

 “Anno Mundi”, la apertura del disco, es una excelente muestra del nuevo rumbo de la banda con versos en latin, mucha épica, oscuridad y potencia. Otros momentos destacados de la placa son “Jerusalem” (posteriormente regrabado en “Back Where I Belong”, el disco solista de Tony Martin de 1992), la suite “The Battle of Tyr”/”Odin’s Court”/”Valhalla” y la balada “Feels Good to Me”, elegida como primer corte y video

UN LEGADO ESPERANDO A SER DESCUBIERTO. Si bien “Tyr” pasó prácticamente desapercibido en EE.UU., logró un modesto puesto 24 en el ranking británico y llegó al Top 40 en otros países europeos como Alemania, Finlandia, Suiza, Austria y Suecia, lo que le permitió girar con moderado éxito desde septiembre a noviembre de 1990 con los rockers neoyorquinos Circus Of Power como teloneros. Y aunque por primera vez en su carrera no hubo fechas norteamericanas en una gira de Black Sabbath, para beneplácito de los fans, la fecha londinense del tour contó con Geezer Butler, Ian Gillan y Brian May como invitados

Fue precisamente el acercamiento entre Butler y Iommi el que propició el regreso del bajista al grupo luego del fin de la gira. Pero con una condición: el regreso al micrófono de Ronnie James Dio, que se confirmaría unos meses después dando como resultado el disco “Dehumanizer”, tras el cual Iommi volvió a llamar a Tony Martin para “Cross Purposes” de 1994 (con Butler en el bajo y Bobby Rondinelli en batería) para finalmente reunir a la alineación de “Tyr” en “Forbidden” de 1995… Hoy, a 30 años de su salida (el 20 de agosto de 1990 en EE.UU. y el 31 en el resto del mundo), “Tyr” se encuentra -como el resto de los álbumes del cuarteto de Birmingham en el sello I.R.S- actualmente descatalogado en formatos físicos y digitales, a la vez que se mantiene como uno de los puntos más altos de la época menos conocida de Black Sabbath. Se los dejamos entonces para que revivan, recuerden o descubran, según el caso, además de disfrutarlo y compartirlo.

Baterista frustrado, docente y periodista especializado en cultura y espectáculos. Conduce el programa La Isla de los Monos por Radio El Parque y ha colaborado en Rock.com.ar y las revistas Efecto Metal y Mala Difusión. Mantiene su blog Film Song (www.film-song.blogspot.com) desde 2005



jueves, 13 de agosto de 2020

10 DATOS CLAVES DE “BLAZE OF GLORY”, EL DEBUT SOLISTA DE JON BON JOVI, A 30 AÑOS DE SU EDICIÓN


A pesar de que muchas veces (y sobre todo desde la partida de Richie Sambora) la diferencia entre Bon Jovi, la banda y Jon Bon Jovi, el cantante, sea cada vez más difusa, lo cierto es que hasta 1990 Jon nunca había intentado un proyecto como solista. El detonante fue la propuesta de su amigo, el actor Emilio Estévez, que le permitió a Jon dar rienda suelta a su  gusto por los cowboys y la cultura western norteamericana, con el lanzamiento de “Blaze Of Glory” la banda de sonido de la película “Young Guns II”. 

A 30 años de su salida, te contamos diez detalles a tener en cuenta a la hora de desenfundar nuevamente el disco. Vayan entonces con sus colts a la calle principal a la hora señalada, ¡que aquí vamos!!

1 – PONIENDO PRIMERA. 

Luego de una maratónica gira de 18 meses presentando el disco “New Jersey” (que terminó con una doble función en México, tras su paso por Santiago de Chile y Buenos Aires) Bon Jovi decidió tomarse un descanso por primera vez desde su formación en 1983. Es así que Jon decide desconectarse y emprender un viaje en moto por EEUU. 


A su regreso, su amigo Emilio Estévez le pidió permiso para incluir el tema “Wanted Dead Or Alive” en una película que estaba por protagonizar. La película en cuestión era “Young Guns II”, secuela de un filme que relataba la vida de Billy The Kid, el cowboy delincuente más famoso de la historia estadounidense.  Al enterarse de la trama de la película, Jon le comentó a Estévez  que prefería componer una nueva canción. ya que “Wanted…"a pesar de su aire western, no se correspondía con la temática del film.

2 – Llamarada Creativa

El tema en cuestión que Jon le presentó a Emilio y al director John Fusco en el mismísimo set de rodaje en el desierto de Nuevo México fue «Blaze Of Glory». Por supuesto convenció a los productores, quienes le dieron rienda suelta a Jon para que se encargue de la banda de sonido del film. La grabación del disco le permitió a Jon contar con otros músicos y presentarse por primera vez como solista por fuera de su banda. “Blaze Of Glory” se destaca por su introducción de guitarra (a cargo nada menos que del legendario Jeff Beck) y le valdría a Jon un Globo de Oro y una nominación a los premios Oscar (el cual perdería en mano de Madonna con el tema “Sooner or Later”, de la película «Dick Tracy«)


3 – CON UNA PEQUEÑA AYUDA DE MIS COLEGAS. 

La inspiración de Jon completó en pocas semanas la composición de todo un disco inspirado en la película, el cual decidió titular “Blaze Of Glory”. Para acompañarlo en la producción, Jon eligió al veterano Danny Kortchmar, reconocido por su trabajo con figuras de los 70 como Linda Ronstadt, James Taylor y Don Henley, además de contar con figuras invitadas de renombre como Robbin Crosby de RattBenmont Tench de los Heartbreakers de Tom PettyAldo NovaRandy Jackson de Journey y el experimentado baterista Kenny Aronoff (sesionista de Bob Dylan y Joe Cocker entre otros). De todos modos, el plato fuerte fue por partida doble y estuvo dado por la presencia de dos de los ídolos de la infancia de Jon: Little Richard Elton John (de los cuales hablaremos a continuación)

4 – UNA CARA AMIGABLE EN EL VIDEO. 

Tras el éxito de “Blaze…” Jon decidió filmar otro clip para el segundo corte del disco, en este caso del tema “Miracle”. El mismo hace referencia a la mezcla cultural entre México y EE.UU. en la zona de la frontera y cuenta, adema de la presencia de Jeff Beck, con la participación del actor Matt LeBlanc, quien tiempo después haría el rol de Joey en la tira “Friends”.

5 – EL HOMBRE DEL PIANO (Vol. 1)

El tercer video para promover el disco fue del tema “Dyin’ Ain’t Much of a Livin'», uno de las dos temas en donde participa Elton John (la otra es “Billy Get Your Guns”). Si bien ni Jon ni Elton aparecerían en el video, el cantante devolvería gentilezas al año siguiente participando de “Two Rooms”, el disco tributo que homenajea a John y al letrista Bernie Taupin.

6 –EL HOMBRE DEL PIANO (Vol. 2)

Otro de los ídolos de Jon que participó en el disco fue nada menos que Little Richard, en “You Really Got Me”, un tema con reminiscencias de los años 50 que le quedó como anillo al dedo al veterano pianista. En referencia a la muerte de Richard, Jon twiteó un conmovedor recuerdo sobre su participación: “En 1990, cuando escribí la música de Young Guns, tuve la oportunidad de pedirle a algunos de mis héroes que grabaran conmigo: Elton John, Jeff Beck y un elenco de estrellas que se unieron para divertirse y hacer música. Un día, Danny Kortchmar, el famoso productor, me dijo ‘¿a quién más conocés?’ Así que contacté a Little Richard… y aceptó. Cuando llegó al estudio, nos hizo sentir a todos como niños pequeños. Jugó, cantó, se rió y nos contó historias. Nos bendijo con su sonrisa y su talento. Nunca lo olvidaré… Recen, hay un cielo en el que Richard está al piano»


7 – SIN ISLAS EN SANTA FE. 

Uno de los tema favoritos del disco por parte de los fans es la power ballad “Santa Fe” que habla sobre el comienzo de la leyenda de Billy The Kid, una vez que es condenado a muerte por las autoridades. La línea de apertura de la canción, “They say that no man is an island” (“Dicen que ningún hombre es una isla”), es referenciada (aunque de manera irónica) en dos adaptaciones de libros del escritor británico Nick Hornby: «About A Boy» y «High Fidelity«.

8 – TAMBOR COUNTRY. 

Si bien el tema “Bang A Drum” no fue lanzado como single, logró con el tiempo convertirse en un clásico, aunque no por la versión original de Jon sino por el cover hecho por Chris LeDoux, un ya fallecido artista country que llevó el tema a las listas especializadas del género en 1998. Para el video de la canción, LeDoux contó con la participación del mismísimo Jon, quien marcó presencia a bordo de un imponente convertible rojo.

9 – LUZ, CÁMARA… ¡JON! 

“Young Guns II” significó el primer contacto de Jon con el mundo del cine, llegando incluso a tener un breve cameo en el filme (aunque enseguida recibe un balazo). La carrera cinematográfica posterior de Jon incluiría roles en “Moonlight And Valentino”“The Leading Man”«U-571» y el mediometraje “Destination Anywhere” (de la cual también se encargaría de la banda sonora), entre otras.

10 – SIN PENA Y CON GLORIA. 

Y para el final, unos datos duros: “Blaze Of Glory” llegó al puesto número 2 en Gran Bretaña y al 3 en EEUU, además de ser disco de platino en Canadá, Australia, Suiza y Austria, completando un total de 3 millones de copias vendidas. En cuanto a la película, si bien cumplió con las expectativas en cuanto a la taquilla, las críticas no fueron favorables, lo que provocó que hasta el momento no haya planes de una tercera parte.



miércoles, 12 de agosto de 2020

UN REPASO POR LA HISTORIA DE "CANCION ANIMAL" DE SODA STEREO A TRAVES DE SUS CANCIONES

Grabado en los estudios Criteria, de Miami, «Canción Animal», el quinto disco de estudio de Soda Stereo, marcó un punto de inflexión en la carrera del trío, mostrando ese ADN setentista que Gustavo Cerati había forjado en largas noches de guitarra y fogón en su adolescencia. A 30 años de su edición (el 7 de agosto de 1990),  aprovechamos  para escucharlo una vez más, repasando y comentando algunos detalles de cada una de sus diez canciones.

30 años de Canción Animal: Soda Stereo abría los 90 con un viaje ...

1 – “(EN) EL SÉPTIMO DÍA”. El comienzo de “Canción Animal” fue un big bang bien caliente gracias a ese comienzo guitarrero y una base en 7 x 8 (algún día habrá que valorar como se merece la versatilidad de Charly Alberti). A la manera de sus venerados Vox Dei en “Génesis”, Soda abre su quinto disco a pura guitarra y referencias bíblicas, en un tema que se convertiría en infaltable en cada una de la gira posteriores del trío.

Dato para cancherear: La banda chilena Sinergia versionó la canción en plan metal industrial en “Gracias Totales”, el “tributo bizarro” de 1999

2 – “UN MILLÓN DE AÑOS LUZ”. Una intro in crescendo de teclados le da paso a un punteo de guitarras que ya se convirtió en todo un  clásico. Según declaró Gustavo Cerati, la línea de bajo y la base rítmica están inspiradas en “Tempted” el segundo corte del cuarto disco de los británicos Squeeze, una de las bandas favoritas de Gustavo en ese entonces.

Dato para cancherear: Tal era su enganche con “Tempted”, que se lo puede ver a Gustavo  tararear la canción en un fragmento del home video “Canción Animada”

3 – “CANCIÓN ANIMAL”. El tema título del álbum, co-compuesto entre Cerati y Daniel Melero (el virtual cuarto miembro de la banda en ese momento) describe la fogosa relación entre el líder y una joven llamada Paola Antonucci, quien había tenido un romance previo nada menos que con Charly Alberti. El hipnótico loop de batería y cierto resabio psicodélico en las guitarras, marcan el primer momento oscuro del disco y anticipan el sonido Madchester que influenciaría el siguiente trabajo, el maxi “Rex Mix

Dato para cancherear: el disco iba a llamarse «Tensión E Integridad» pero al final se decidió por  “Canción Animal”, cuyo concepto salió de una enciclopedia sobre animales y quedaría reflejado en la tapa, que muestra una pareja de leones apareándose (representando la pasión entre Gustavo y Paola), una veleta (simbolizando la juventud de Charly Alberti) y un tensegrid como analogía del equilibrio (indudablemente el rol de Zeta Bosio en la banda). En algunos países de Latinoamérica, la portada fue censurada y se reemplazó por una foto del grupo en naranja y azul.



4 –“1990”. Paradójicamente, el tema cuyo título marca el comienzo de la nueva década, es el que más remite al decenio anterior e incluso no hubiese desencajado en “Doble Vida”. El destacado rol de Pedro Aznar en los coros le daría a la canción ese toque Serú que, visto a la distancia, suena bastante raro en comparación con el resto del material.

Dato para cancherear: en los foros de fanáticos se debate sobre si el tema se tocó en vivo alguna vez. A pesar de que varios testigos afirman haberla escuchado, no hay registros en YouTube o en los sitios de setlists.

5 – “SUELES DEJARME SOLO”. Si bien existe una relación en términos musicales con el tema anterior en la lista (Gustavo lo compuso en la época de “Tango 3”, el frustrado proyecto con Aznar y Charly García), el arranque impetuoso borra de un plumazo cualquier atisbo ochentoso y remite indefectiblemente a otra de las grandes influencias de Cerati: los desprendimientos de Almendra como Pescado Rabioso y Color Humano. Y si bien el tema fue lo más cercano al metal que editó el trio en estudio, la versión pesada definitiva llegaría de la mano de Cabezones quienes la incluyeron en “Alas”, su debut en una multinacional producido por Zeta Bosio.

Dato para cancherear: En algunas de las presentaciones del tema durante la gira “Me Verás Volver”, Gustavo rompía su guitarra después del primer solo, para continuar la canción con una nueva.

06 – “DE MÚSICA LIGERA”. ¿Qué más se puede decir de la canción más emblemática del trio? Originada en una prueba de sonido, se grabó en una sola toma. En un principio se iba a llamar “Autocine” y el titulo tuvo su origen en una colección de discos que tenían los padres de Cerati. En el libro “Antología Del Rock Argentino”, de Maitena Aboitiz, Gustavo relata que “Mis padres tenían una caja de discos que se llamaba ‘Clásicos Ligeros De Todos Los Tiempos’ donde había música de películas, obras clásicas y de todo, mezclando Mozart con Ennio Morricone. Esas palabras me habían pegado mucho y a mí me quedó sonando siempre la frase ‘clásicos ligeros’. ¡Todo el tiempo vuelvo a lo que hacía cuando era chico!«

Dato para cancherear: el concepto de la canción estuvo inspirado por el tema “Música Lenta” del disco “Conga” (1988) de Daniel Melero, donde precisamente participa Gustavo.

7 – “HOMBRE AL AGUA”. El tema más largo del disco (casi seis minutos) fue compuesto por Cerati y Melero y deja a la clara la idea sonora de la placa: una base sólida (con el machaque del bajo de Zeta en primer plano) y una atmósfera etérea que sería enfatizada en la versión en vivo que oficiaría como track de apertura del siguiente trabajo del trío: el maxi “Rex Mix”, grabado en vivo en una serie de 14 funciones agotadas en el teatro Gran Rex.

Dato para cancherear: El tema fue el elegido por Zeta y Charly para darle el puntapié inicial a su gira de regreso “Gracias Totales”, la cual quedó trunca por la pandemia.

8 – “ENTRE CANÍBALES”. El concepto animal se vuelve -precisamente- carne en este track que remite indefectiblemente al sonido de “Artaud”, la obra maestra del Pescado Rabioso capitaneado por Luis Alberto Spinetta (disco al cual Gustavo homenajearía unos años después en su debut solista “Amor Amarillo” con “Bajan”). El tema volvería a grabarse para “Comfort Y Música Para Volar” el disco que el trío grabaría para la cadena MTV en 1996.

Dato para cancherear: En una entrevista realizada por Claudio Kleiman y Daniel Curto para la revista El Musiquero, Cerati define al tema como “una canción de amor entre caníbales, dentro de un mundo donde todo es así.”

9 – “TÉ PARA 3”. El tema más despojado del disco (con solo la voz y la guitarra acústica de Gustavo, más un mínimo aporte de bajo y teclado) es también el más intimista. La historia de la canción, tocada en tiempo de vals, remite al momento en que Gustavo debe enfrentarse,  junto con su madre Lilian, a la noticia de la enfermedad  de su padre Juan José, un cáncer terminal que le ocasionaría la muerte en 1992

Dato para cancherear: en la versión para el “Plugged” de MTV, Gustavo agrega un pasaje de “Cementerio Club”, el clásico de Pescado Rabioso. Además, el tema fue interpretado en el histórico concierto de “Las Bandas Eternas” de Luis Alberto Spinetta.

10 – “CAE EL SOL”. El tema elegido para cerrar “Canción Animal” tiene un trasfondo optimista y esperanzador, además de estar claramente inspirada por “Here Comes The Sun” de los Beatles, cuyos acordes pueden escucharse en la coda final.

Dato para cancherear: la banda aprovechó su seguidilla de 14 shows en el teatro Gran Rex, para grabar el video oficial del tema, El director del mismo fue Caito Lorenzo, el fotógrafo y artista visual que retrató al trio en varias de sus giras y colaboró en la portada de los discos “Cancion Animal”, “Signos” y “Ruido Blanco”

Esperamos que hayan servido las palabras (aunque gemir sea mejor) y que no te hayamos hecho esperar una eternidad este instante para volver a escuchar el disco, recordando que,  tal como lo plantea el sobre interno: “para mayor placer animal, escúchalo a todo volumen”.



sábado, 25 de julio de 2020

ANIVERSARIOS: A 40 AÑOS DE SU SALIDA, TE CONTAMOS 10 DATOS FUNDAMENTALES DE “BACK IN BLACK” DE AC/DC

Publicado originalmente en MADHOUSE

Sin dudas, “Back In Black”, el séptimo disco de estudio de AC/DC, se convirtió en uno de los clásicos más importantes de la historia del rock, no solo por su contundente impacto sonoro, sino también como un símbolo de como una banda puedes sobreponerse a la adversidad… Antes de ponerte a escucharlo (seguramente) por enésima vez, en MADHOUSE te contamos 10 detalles fundamentales que no podés pasar por alto.


1. UN FINAL INESPERADO. Cuando uno repasa los detalles de la muerte del cantante Bon Scott, todavía siente un frío que le corre por la espalda. La cronología de los hechos es conocida: en la madrugada del martes 19 de febrero de 1980, Bon se retiró del local Music Machine de Londres totalmente alcoholizado junto a su amigo Alistair Kinnear. Estelo cargó inconsciente en su Renault 5, se dirigió a su casa, no pudo despertarlo, lo dejó dormir en el auto y cuando lo fue a buscar unas horas después, Bon ya había fallecido, ahogado con su propio vómito. Además de la pérdida de un amigo, AC/DC se había quedado sin una pieza fundamental en un momento clave de la banda.


2. LA PERSONA CORRECTA… CON LOS GUSTOS CORRECTOS. Obviamente, la muerte de Bon provocó un impacto tremendo en los hermanos Young, quienes sin embargo se pusieron rápidamente a buscar reemplazante. Luego de tentar a Noddy Holder, el cantante de Slade, y bajo el consejo del productor Mutt Lange, el grupo convocó a Brian Johnson, cantante de Geordie, una banda glam británica a la que se le estaba pasando su cuarto de hora. Johnson impresionó a la banda, no solo por la interpretación de «Whole Lotta Rosie» y el clásico «Nutbush City Limits” de Ike & Tina Turner (los temas elegidos para su audición), sino también por su afición al pool. En la biografía “Hell Ain’t A Bad Place To Be” del periodista Mick WallMalcolm Young recuerda el día de la audición: «Estábamos todos sentados esperándolo diciendo ¿dónde está este chico Brian? Debería haber estado aquí hace una hora. Y de repente nos dicen ‘Está abajo jugando al pool con los plomos’, así que nos dijimos ‘bueno, al menos juega al pool’”…  El interés de Brian por el juego de las buchacas y los tacos quedó reflejado años después en el video de “Sink The Pink” del disco “Fly On The Wall” de 1986.


3. GUITARRAS, CABLES… ¡Y ARPONES! Ya con la alineación nuevamente completa, la banda comenzó los ensayos para la grabación de su séptimo disco, la cual se llevaría a cabo en los estudios Compass Point de las Bahamas. A pesar de que la banda prefería grabar en Inglaterra como estaban acostumbrados, la decisión se tomó por cuestiones financieras debido a los altos impuestos que se cobraban en el Reino Unido. Rápidamente la banda se encontró con varios inconvenientes: los cortes de luz provocados por las incesantes tormentas eléctricas y los robos. En el especial “AC/DC: The Epic Inside Story Of Back In Black” de la revista Loudersound Brian recordó esas sesiones: “No era como otro estudio, había una pequeñas celdas de concreto, una cama y una silla. Y una anciana negra que gobernaba ese lugar con una vara de hierro. Tuvimos que cerrar las puertas por la noche porque nos había advertido sobre unos haitianos que habían robado el lugar. ¡Entonces nos compró unos arpones de casi dos metros para custodiar la puta puerta!».

Una de las raras fotos de los Compass Point Studios en Nassau, Bahamas. Malcolm mira por arriba del hombro a ver si aparecen los haitianos.

Una de las raras fotos de los Compass Point Studios en Nassau, Bahamas. Malcolm mira por arriba del hombro a ver si aparecen los haitianos.


4. HAZTE LA FAMA Y ÉCHATE A COMPONER. Luego de sorteados los inconvenientes extramusicales (que además incluyeron la retención de los equipos de la banda en la aduana), Johnson empezó a sentir la presión de ser el nuevo integrante. A pesar de que algunas de las canciones habían sido ensayadas por Bon Scott llegando incluso a escribir algunos bocetos de letras, el grupo decidió que no iba a usarlas, por lo que le pidió a Johnson que escribiera nuevas letras. Acorralado por sus compañeros y por el productor Mutt Lange (que le exigía tomas cada vez más precisas), Johnson no tuvo más remedio que inspirarse en el ambiente del estudio, lo que desembocó en la creación de las primeras líneas de «Hell’s Bells» («Soy el trueno tonante, la lluvia que diluvia/ Estoy viniendo como un huracán/ Mis relámpagos cruzan el cielo. Eres joven pero vas a morir»).


¿Querían ver la tapa original del single de 1980? Acá está la tapa original del single de 1980


5. GUITARRA, VAS A SONAR. Y cuando parecía que finalmente las cosas estaban encaminadas, el ingeniero de sonido Tony Platt descubrió que las salas del estudio no eran sónicamente aptas para el sonido que pretendía el grupo. Luego de mucho batallar-y luchar con los cangrejos que se paseaban disfrutando de las bondades de los pisos de madera- finalmente se pudo lograr un sonido de guitarra que dejara satisfecho a Angus. Para esto, se usó un dispositivo de guitarra inalámbrico, el sistema de diversidad Schaffer-Vega (el mismo que adoptara y popularizara Kiss en 1977 tras un terrible accidente sufrido por el guitarrista Ace Frehley), un diseño del inventor y publicista Ken Schaffer, responsable del sonido tan característico de la guitarra del menor de los hermanos Young.

El sistema Schaffer-Vega: basta de músicos electrocutados

6. LA CAMPANA DE LA DISCORDIA. Con los diez tracks ya definidos, faltaba todavía un pequeño detalle. La idea era que el disco comenzara con el tañido de una campana en homenaje a Bon, cosa que en 1980 solo podía registrarse de manera analógica. Por lo cual se tornó imprescindible conseguir la campana adecuada, tarea que recayó en el manager Ian Jeffery, quien encontró el lugar producir la campana perfecta: la Taylor’s Bell Foundry, reconocida como la fundición de campanas en funcionamiento más grande del mundo. El (grave) problema era que tardarían unas siete semanas en tenerla lista y la banda obviamente no podía esperar tanto tiempo, por lo que Platt sugirió registrar el sonido de las campanas de una iglesia cercana. Parecía que todo finalmente estaba encaminado… pero el ingeniero no tuvo en cuenta a los pájaros que se posaban incesantemente sobre la campana; por lo que los micrófonos no podían dejar de captar una ráfaga de pájaros volando tras cada golpe (!) Finalmente la Taylor’s Bell Foundry adelantó la producción de la campana, que resultó perfectamente ajustada, y fue grabada in situ con el estudio móvil de Ronnie Lane, el bajista de los legendarios Faces.

«Y en la habitación sonaron las campanas»… ya sabemos en qué se inspiraron los Decadentes para esa frase

7. PONIÉNDOLE LA TAPA (AL DISCO). A pesar de la férrea voluntad de seguir adelante, la banda nunca se apartó de la idea de homenajear a Bon en este disco. Fue por eso que se creó el concepto de  una portada completamente negra, como forma de rendirle tributo y a la vez expresar el duelo que la banda estaba haciendo por la pérdida de uno de sus miembros. Sin embargo,  una tapa completamente negra no fue algo visto con buenos ojos por Atlantic, el sello de la banda, lo que dio lugar a varias idas y vueltas que se resolvieron finalmente cuando la banda aceptó poner su nombre y el del álbum en la portada usando un discreto tono gris.


8. ME CONMOVÉS TODA LA NOCHE (CON ESA LETRA). El primer corte del disco y, por ende, el primer contacto que los fans tuvieron con el nuevo vocalista, fue “You Shook Me All Night Long”, un tema que se emparentaba con el sonido limpio y contundente que el productor Mutt Lange (quien más tarde llevaría al éxito a Def Leppard con la misma fórmula) ya había desarrollado en el anterior trabajo de los australianos “Highway To Hell”. La letra del tema estaba dentro de los tópicos que solía desplegar Bon (mujeres y sexo básicamente) por lo cual fueron muchas las voces que insinuaron que algunas partes ya habían sido creadas por el fallecido cantante. En el ya mencionado libro de Mick Wall, el autor entrevista al periodista Malcolm Dome, muy cercano a la banda, quien afirma que poco antes de morir, Bon «me mostró su libro de letras. con las ideas que había estado trabajando para el próximo álbum. Hubo un par de líneas, como »She told me to come but I was already there’, (Ella me dijo que viniera/acabara  pero ya estaba allí’) que terminó en ‘ You Shook Me…’. Esa es una letra de Bon. ¡Lo vi escrito! Había letras, líneas usadas en ‘Back…’ que Bon escribió, pero no fue acreditado y hasta el día de hoy nadie está realmente seguro de lo que sucedió. Creo que ni siquiera estuvo cerca de terminar todas las canciones. Pero hay líneas suyas ahí”. El misterio continúa.

Bon Scott, de puño y letra


9. EL ROCK AND ROLL NO ES POLUCIÓN SONORA. “Back In Black” se editó en los Estados Unidos el 25 de julio de 1980, el 31 de julio en Europa y el 11 de agosto en Australia. Fue un éxito comercial inmediato, debutando en el número uno en la lista de álbumes británicos y alcanzando el número cuatro en la lista estadounidense. Encabezó la lista británica durante dos semanas y permaneció en el top 10 de la lista estadounidense durante más de cinco meses. Para promocionar el álbum, se filmaron videos musicales para las ya mencionadas «You Shook Me All Night Long», «Hells Bells», además del tema título, «Rock And Roll Ain’t Noise Pollution», «Let Me Put My Love Into You» y «Shoot to Thrill».  Solo los primeros cuatro fueron lanzados como singles. En los EE.UU, el single «You Shook Me All Night Long» / «Have A Drink On Me» se convirtió en el primer éxito del quinteto en el Top 40 del país, alcanzando el puesto 35.


10 – UN YA NO TAN LARGO CAMINO A LA CIMA. En una célebre reseña para la revista Rolling Stone tras la salida del disco, el reconocido crítico David Fricke considero a “Back In Black” como «no solo el mejor de los seis álbumes estadounidenses de AC/DC» sino «la demostración del arte en el heavy metal: el primer LP desde ‘Led Zeppelin II’ que captura toda la sangre, el sudor y la arrogancia del género». Después del lanzamiento del disco, los tres álbumes anteriores de AC/DC (“Highway To Hell”“If You Want Blood You’ve Got It” y “Let There Be Rock”) volvieron a entrar en las listas británicas, lo que los convirtió en la primera banda desde los Beatles en tener cuatro álbumes en el Top 100 británico simultáneamente. Asimismo, Atlantic, la discográfica estadounidense de la banda, lanzó “Dirty Deeds Done Dirt Cheap” (¡original de 1976!) por primera vez en los EEUU; en mayo de 1981 superando a “Back In Black”, y llegando al número tres. El 13 de diciembre de 2007, el álbum fue certificado 22 veces disco de platino, es decir 22 millones de unidades solo en EE.UU. Esto lo colocó en el sexto lugar en la lista de álbumes más vendidos en las tierras del Tío Sam. En todo el mundo, vendió 50 millones de copias, lo que lo convierte en el álbum de hard rock más vendido de la historia…

No todo los días se graba el disco más vendido de hard rock de la historia en las Bahamas

Ahora sí, ¡a darle play y subir el volumen!





domingo, 7 de junio de 2020

50 AÑOS DE "DEEP PURPLE IN ROCK": EL ROCK QUE PERMANECE TALLADO EN PIEDRA

Publicada originalmente en Revista Madhouse

Cuando Deep Purple quedó oficialmente conformado en 1968, pocos pensaban que, tan solo un par de años después, la banda se convertiría en uno de los principales referentes de lo que con el tiempo se llamó heavy metal. Es que, a juzgar por sus tres primeros discos, lejos estaba por conformarse el sonido potente y agresivo con el que la banda se hizo célebre

Fue recién con el ingreso del vocalista Ian Gillan y el bajista Roger Glover (ambos provenientes de la banda Episode Six) reemplazando a Rod Evans y Nick Simper respectivamente, que el quinteto (completado por los fundadores Ritchie Blackmore, Jon Lord y Ian Paice) daría forma a uno de los pilares fundamentales del rock pesado: “In Rock”

A 50 años de su salida, en MADHOUSE te contamos diez detalles a tener en cuenta a la hora de escuchar el disco nuevamente.


1 – En un principio fue la orquesta

Si bien “In Rock” fue el primer trabajo de estudio de lo que se conoció como el Mark II (la célebre formación de Gillan/Glover/Backmore/Lord/Paice), anteriormente esta misma alineación había lanzado un single de moderado éxito (“Hallelujah”) y un álbum en vivo, el legendario “Concerto For Group And Orchestra” junto a la Royal Philharmonic Orchestra británica, en lo que fue una de las primeras incursiones del rock en la música clásica


2 – Tocando para pagar las deudas

A pesar de ser ya una banda con tres discos de estudio y singles exitosos  a ambos lados del Atlántico, las sesiones para “In Rock” (que comenzaron en los estudios IBC de Londres en octubre de 1969) se dieron de manera intermitente, debido a la imperiosa necesidad del grupo de tocar en vivo para poder sustentarse económicamente.

No ayudó tampoco a la situación que Tetragrammaton, el sello dueño de las licencias de publicación del grupo en los Estados Unidos, se declarase en bancarrota a principios de 1970, obligándolos a renegociar su contrato


3 – Uno para todos… todos para el disco

A pesar de los problemas económicos y los cambios de integrantes, la banda se encontraba en uno de sus picos creativos, lo que demuestra la influencia que siguen teniendo  las canciones del disco después de medio siglo. El ingreso de Gillan y Glover no solo subió la vara a nivel instrumental, sino también le dio a la banda una cohesión grupal compositiva no presentada hasta el momento. Es por eso que, hasta el fin de la primera etapa del Mark II, todos los temas se registrarían bajo el nombre de los cinco integrantes

 

4 -  Un chico puntual… pero no demasiado original

A pesar de los renovados aires en la composición, “Child In Time”, el épico tour de force de más de diez minutos considerado, no solo uno de los puntos más altos de la placa, sino de la discografía de la banda, estuvo afanosamente inspirado en una composición ajena. Se trata de la canción  “Bombay Calling" lanzada en el disco debut de los psicodélicos estadounidenses It's A Beautiful Day editada solo unos meses antes de la salida de “In Rock”.

En una entrevista para un periódico indio en 2002, Ian Gillan contó el surgimiento del tema: “Hay dos partes en esa canción: la musical y la lírica. Por el lado musical un día Jon (Lord) estaba tocando esta canción 'Bombay Calling' de una banda llamada It's A Beautiful Day y sonaba fresco y original. Sonaba bien, y pensamos que jugaríamos con él, lo cambiaríamos un poco y haríamos algo nuevo manteniendo eso como base. Yo nunca había escuchado el tema original; así que creamos esta canción usando la Guerra Fría como tema, y ​​ ahí es donde entró la parte lírica. Luego, Jon tuvo las partes del teclado listas y Ritchie tuvo listas las partes de guitarra. La canción básicamente refleja nuestro estado de ánimo en ese momento, y es por eso que se hizo tan popular.

Como compensación, “Marrying Maiden” el segundo disco de It’s a Beautiful Day abre con el tema "Don And Dewey", casi un calco del instrumental “Wring That Neck” del segundo disco de Purple “The Book of Taliesyn”

Y un último detalle, en 1995 Deep Purple registró un DVD en vivo grabado en India y lo tituló… “Bombay Calling”



5 – Un rey a la velocidad del rock and roll

Sin contar el “incidente Child In Time”, “In Rock” fue el primer disco de la banda en no incluir covers. De todos modos, el homenaje a otros artistas estaria presente en la letra de “Speed King” el tema de apertura, el cual menciona títulos de clásicos de la primera era del rock and roll como ", "Good Golly Miss Molly", "Tutti Frutti",”Lucille” y "Great Balls Of Fire"

“Speed King” fue la primera letra que Ian Gillan compuso para la banda, y fue una manera de homenajear a sus héroes musicales como Elvis Presley o Little Richard, algo que seguiría haciendo en su carrera a través del proyecto The Javelins


6 – Subiendo el monte… para hacer la tapa

A tono con el título del álbum y  la dureza de las canciones (y también como un guiño a sus fanáticos del otro lado del Atlántico), la portada de “In Rock” muestra a los cinco britanicos miembros de la banda “incrustados” en el célebre Monte Rushmore, la montaña de granito situada en Keystone (Dakota del Sur, Estados Unidos) en el que figuran los rostros de los presidentes estadounidenses George Washington, Thomas Jefferson, Theodore Roosevelt y Abraham Lincoln.

 

7 – Una sanguijuela que con los años no perdió las mañas

Si bien muchos de los temas del disco se volvieron clásicos con el correr de los años, solo uno de los temas sería regrabado posteriormente por la banda. Es el caso de "Bloodsucker", canción que sería editada en una nueva versión (bajo el nombre de “Bludsucker”) como cierre de “Abandon” de 1998, el segundo disco con Steve Morse (el reemplazante de Blackmore) en la alineación.


8 – Un adelanto negro como la noche

Una vez terminadas las sesiones de grabación, los directivos de  la compañía EMI le hicieron saber a la banda la falta de un single potente para acompañar ña difusión. La banda presentó entonces un tema más, “Black Night” que fue elegido como single adelanto y, tal como ocurría en la época, no formó parte del disco en su edición original

El tema, según comentó Roger Glover, estuvo inspirado en la versión que el rockero Ricky Nelson hiciera de “Summertime” del compositor clásico George Gershwin; y alcanzó el puesto número 2 del ranking británico (el más alto en la historia de la banda)


9 – Tallados en piedra (y en los rankings)

Luego de su lanzamiento (el 5 de junio de 1970) “In Rock” cumplió con el objetivo de ser el disco que llevara a Deep Purple a los primeros puestos de los rankings, sobre todo en el Reino Unido donde se ubicó en la posición número 4. Para apoyar las ventas, el quinteto se embarcó en una gira mundial que duró 15 meses.

Cincuenta años después, temas como “Speed King” y “Black Night” siguen siendo infaltables en cada concierto de la banda.


10 – Piedras que siguen rodando

La influencia del disco se ha hecho notar a través del tiempo; y fueron varios los artistas de diferentes estilos musicales que le rindieron homenaje. Desde hijos dilectos de la banda como Yngwie Malmsteen y Rata Blanca; hasta exponentes de diversos géneros como el punk (los Big Audio Dynamite del ex The Clash Mick Jones en el tema “Rush”), el ska (los británicos Bad Manners) y hasta el dance (los alemanes Snap! en su hit “Exterminate”), la música de “In Rock” permanece inalterable a pesar del paso del tiempo

Y ahora si, en el formato que prefieras ,,, ¡a subir el volumen!