HUMO, HOTELES Y CASINOS: LA HISTORIA DE «MACHINE HEAD» DE DEEP PURPLE, A 50 AÑOS DE SU SALIDA

Considerado uno de las piedras basales del heavy metal, pocos álbumes en la historia de la música han ejercido tanta influencia como “Machine Head”, el sexto disco de estudio de Deep Purple, y tercero con su legendaria formación “Mark II”. A 50 años de su salida, en MADHOUSE te contamos algunos detalles de su grabación antes de volver a escucharlo por enésima vez. Así que antes de que el humo sobre el agua se disipe, dejá que la estrella del camino de tu pantalla te guie hacia este viaje espacial de lectura como nunca antes, y vení y seguí leyendo.

UN DREAM TEAM DEL ROCK PESADO

Si hubiese una palabra que pudiese definir al Mark 2 de Deep Purple en su apogeo debía ser imparables. Es que, desde que en 1969 Ian Gillan y Roger Glover reemplazaron a los poco afortunados Rod Evans y Nick Simper, sumándose al tridente fundador Blackmore /Lord/Paice, Deep Purple no detuvo nunca su marcha, ni siquiera para tomar impulso. Al fundamental “In Rock” (1970), piedra angular de todo lo que se conocería como heavy metal de ahí en más, se le sumaria unos meses después “Fireball” (1971) quizás de movida no tan impactante  pero igual de contundente, mostrando a la banda en un intento de ampliar sus horizontes.

Todo ese vértigo desplegado en tan solo algunos meses, dejaba el camino tendido para el fundamental tercer disco de la formación (sexto en total si sumamos los tres álbumes editados junto a Simper y Evans), para el cual el quinteto pensó, en un principio, grabarlo en vivo sobre un escenario, buscando empardar el sonido de sus demoledores shows en vivo, a la vez que intentando seguir una idea del baterista Ian Paice, quien había grabado algunas de sus partes de “Fireball”  en el pasillo de la sala, creyendo que sonaba mejor, lejos de la frialdad del típico estudio insonorizado.

TODOS LLEGAMOS A MONTREUX

A su vez, las duras leyes impositivas del Reino Unido, impulsaron a buscar una alternativa de grabación fuera del país. Con esto en mente, y luego de finalizar una gira por su país natal de septiembre a octubre de 1971 – donde mostraron adelantos del nuevo material- la banda decidió reservar la sala del Casino de Montreux, en Suiza, para plasmar su nuevo disco con el estudio móvil de los Rolling Stones. El Casino era en realidad un gran predio que contenía varias salas y que el grupo ya conocía porque había actuado ahí en mayo de 1971, momento en el que forjaron amistad  con Claude Nobs, el fundador y alma mater del célebre Festival de Jazz de Montreux. Como el casino permanecía cerrado durante el invierno boreal por reformas, resultaba ideal  para utilizarlo como lugar de grabación, alejado de presiones y molestias. Deep Purple llegó allí el 3 de diciembre de 1971 justo para lo que sería el concierto final, antes del receso, nada menos que la presentación de Frank Zappa and the Mothers of Invention. Todo parecía estar saliendo a la perfección, hasta que el diablo metió la cola… o encendió una bengala.

HUMO SOBRE EL AGUA Y FUEGO EN EL CIELO

Durante el show de Zappa y su banda (que incluia los cantantes Flo & Eddie, el multiinstrumentista Ian Underwood y el célebre batero Aynsley Dunbar), un miembro del publico disparó una bengala al techo del edificio, prendiéndolo fuego de inmediato. En un primer momento, la audiencia no se percató del hecho porque el cielorraso estaba cubierto por un falso techo de bambú, hasta que con el correr de los minutos se empezaron a ver las primeras chispas. Inmediatamente el grupo dejó de tocar. Según el bajista Roger Glover, Zappa dijo: “que nadie entre en pánico, pero … ¡FUEGO!». Luego de esto, la gerencia del casino ordenó una evacuación controlada. Afortunadamente no  se registraron víctimas fatales, aunque un pequeño grupo de personas quedaron atrapadas brevemente en el sótano del casino antes de ser rescatados por Nobs. Instantes después de que todos hubieran sido evacuados de manera segura, el edificio se incendió por completo.

Según recuerda Ian Gillan en una entrevista para la reedición del disco: “Estábamos sentados en un restaurante a un cuarto de milla del casino, y vimos como empezaba a arder. El viento bajaba de las montañas y se llevaba el humo y las llamas al otro lado del lago”. En cuestión de minutos la banda se había quedado sin lugar para grabar… pero el humo estaba por disiparse

Al día siguiente, Nobs trasladó a la banda al Pavilion, un teatro cercano al casino, donde grabaron las pistas de una canción llamada provisionalmente «Title No. 1». Roger Glover quedó bastante conmovido por el episodio, tanto que se despertó una mañana diciendo en voz alta: «Smoke on the Water» (“Humo Sobre El Agua”). Con ese título en mente, Gillan escribió la letra que describía con lujo de detalles la experiencia ocurrida en Montreux.

CORRIENDO CONTRA EL RELOJ SUIZO

Entre tantas emociones, la banda notó que el Pavilion resultaba ser bastante poco práctico para grabar, sobre todo por los vecinos que constantemente llamaban a la policía quejándose por el alto volumen del rock and roll de la banda. En uno de esos intentos, y  aunque los asistentes del grupo trataron por todos los medios de evitar que la policía entrara manteniendo las puertas cerradas del estudio, la banda fue desalojada. No quedó otra que buscar un nuevo lugar de grabación, honor que recayó en el Grand Hotel, en las afueras de Montreux, que se encontraba vacío.

Ya sin vecinos que espantar, los plomos ubicaron la unidad móvil de los Rolling Stones en la entrada principal, mientras que la banda se instaló al final de uno de los pasillos del lobby. Para acustizar el lugar se instalaron colchones aislantes del sonido, lo que significó que la banda tenía que sortear una gran cantidad de obstáculos para llegar a la camioneta de grabación y evaluar las tomas. Esto resultó tan arduo, que el quinteto  dejó de escuchar lo que grababa, decidiendo tocar hasta quedar satisfechos. La delicada logística incluía también un sistema de televisión de circuito cerrado para que la banda pudiera comunicarse con el ingeniero Martin Birch y permitir que el personal en la sala de control del estudio los viera.

En declaraciones a la revista Guitar World, el gran Ritchie Blackmore recordaba al respecto: “Teníamos la unidad de grabación móvil de los Rolling Stones esperando afuera en la nieve… cada vez que llegamos al camión para escuchar lo que habíamos grabado, incluso si no pensábamos que era una toma perfecta, decíamos, ‘Sí, está bien” Porque simplemente no podíamos soportar volver a hacer todo ese trayecto de nuevo”

LOS HIMNOS DE “MACHINE HEAD”

«Highway Star», el poderoso e inmortal track apertura, se escribió mientras el grupo viajaba en el micro de gira hacia la fecha apertura de su tour por el Reino Unido en Portsmouth el 13 de septiembre de 1971. El management había decidido que la banda fuese al concierto junto con un grupo de periodistas que podían entrevistar a los músicos mientras viajaban. Uno de ellos le preguntó a Blackmore cómo escribía las canciones, a lo que el guitarrista – conocido por su humor ácido- dijo: «así», tomando la guitarra y tocando el clásico riff de apertura de la canción. Gillan le siguió la corriente improvisando la letra mientras que el resto de la banda completó el arreglo durante el ensayo previo al show, donde se estrenó esa misma noche. ¡Resultaron rápidos para los mandados los muchachos! Como dato adicional, Blackmore basó su solo de guitarra en un yeite que había aprendió del pionero del rock and roll Johnny Burnette que tenía cierto parecido con el estilo de Johann Sebastian Bach.

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«Maybe I’m A Leo»: nombrada en un principio como «One Just Before Midnight» – título que aparece incluso en una foto de una hoja de grabación en el collage de la portada del álbum- el título y la letra hacen referencia al signo zodiacal de Ian Gillan. Lo curioso es que ese riff blusero tan particular fue compuesto por Roger Glover inspirado en “How Do You Sleep?» de John Lennon, canción editada tan solo unos meses antes. A pesar del pedido de los fans, el Mark II solo la tocó en vivo una vez, en una actuación para el programa “BBC In Concert”. El tema recién volvió a ser incluída en el setlist en 1993, cuando Joe Satriani reemplazó brevemente a Blackmore, antes de la llegada definitiva de Steve Morse.

«Pictures of Home»: A pesar de haberla compuesto a partir de un riff inspirado por una frecuencia de radio de onda corta (¿?) y con una letra que retrata la nostalgia por volver a casa después de tanto tiempo de gira, el inefable Ritchie Blackmore no quería tocarla en vivo, por lo que la banda la archivó hasta la llegada de Steve Morse. Incluye un célebre solo de bajo de Roger Glover y una versión alternativa que arranca con la potente batería de Ian Paice

“Never Before”, a pesar de ser uno de los temas menos recordados fSteve Morse.

«Pictures of Home»: A pesar de haberla compuesto a partir de un riff inspirado por una frecuencia de radio de onda corta (¿?) y con una letra que retrata la nostalgia por volver a casa después de tanto tiempo de gira, el inefable Ritchie Blackmore no quería tocarla en vivo, por lo que la banda la archivó hasta la llegada de Steve Morse. Incluye un célebre solo de bajo de Roger Glover y una versión alternativa que arranca con la potente batería de Ian Paice Never Before”, a pesar de ser uno de los temas menos recordados del disco, la banda la consideró la pista más comercial del álbum y decidió lanzarla como single, llegando solo al puesto 35 del ranking británico. La versión en vivo puede encontrarse en el compilado “Deep Purple in Concert” de 1980

«Smoke on the Water»: que decir de este clásico del rock que documenta las experiencias de grabación de “Machine Head”, incluidos el incendio, la evacuación del casino y las largas sesiones en el Grand Hotel; y cuyo título hace referencia al espeso humo negro del fuego que se cernía sobre la orilla del lago de Ginebra. La base de la canción fue el único material utilizable que provenía de las grabaciones de Pavilion, antes de que la policía cerrara las sesiones. Más allá de todo, el tema pasaría a la historia por su riff, sobre el cual Blackmore dijo que era popular debido a que era simple y se basaba en cuatro notas, comparándolo con el fraseo musical de apertura de la Quinta Sinfonía de Beethoven. Paradójicamente, aunque es uno de los temas más famosos de la historia de la música, la banda no pensó que tuviera mucho potencial comercial, y fue uno de los últimos temas de “Machine Head” que se tocaron en vivo.

«Lazy»: el tema con más espíritu de zapada del disco  se tocó por primera vez en vivo durante la gira por el Reino Unido de 1971 y se retuvo durante el año siguiente reemplazando a la zapada instrumental «Wring That Neck» que venían tocando desde el Mark I. Según Roger Glover, el tema está basado levemente en «Sleepy» del cantautor norteamericano Oscar Brown Jr. mientras que Blackmore afirmó que estaba inspirada en la versión de «Stepping Out» hecha por Eric Clapton con los Bluesbreakers de John Mayall (hay link a ambos temas, así que saquen sus propias conclusiones). Si bien el tema fluye como una unidad en el disco, Blackmore grabó los solos de guitarra en tramos, en dos días diferentes, que luego se unieron para el producto final.

«Space Truckin’”: el poderosísimo tema que cierra el disco en su edición original, surgió con un riff de Blackmore inspirado en el tema de “Batman” (¡!) al que Gillan le añadió líricamente una mezcla entre las letras de rock ‘n’ roll de los 50’s y una temática de ciencia ficción. La canción hizo su debut en vivo poco después de finalizadas las sesiones de grabación de “Machine Head”, convirtiéndose en una de las elecciones favoritas como cierre de los shows incluyendo un largo solo de batería de Ian Paice que elevaba la duración de la canción por encima de los 20 minutos. La banda siguió tocándolo incluso en las épocas del Mark III, después de que Gillan y Glover dejaran la banda en 1973, incluida una actuación memorable en el California Jam del año siguiente, donde Blackmore prendió fuego a sus amplificadores y destruyó una cámara de televisión con su guitarra (¡!)

Los temas eran tan potentes que quedó afuera del álbum una balada bluseada titulada «When a Blind Man Cries», la cual se usó como cara B en el single de «Never Before». La canción se convirtió en un tema de culto para los fans obligando a la banda a tocarla en vivo e incluirla como bonus track en las posteriores reediciones

AJUSTANDO EL CLAVIJERO

“Machine Head” (que en español hace referencia al clavijero situado en la cabeza de la guitarra para afinar las cuerdas) fue lanzado el 25 de marzo de 1972 y pensaba ser promocionado con una gira norteamericana que se pospuso después de que Blackmore se enfermara. Un par de meses después la banda retomó la actividad en vivo, primero en el Reino Unido y luego en Japón donde se registrarían las pistas del célebre disco en vivo «Made In Japan» donde se incluyeron cuatro canciones de “Machine Head”; «Highway Star», «Smoke on the Water», «Lazy» y «Space Truckin'».

La particular portada se creó estampando el título del álbum en una lámina de metal pulido, la cual se levantó para que sirva de espejo frente al cual se paró el grupo. El fotógrafo Shepard Sherbell luego tomó una foto de ese reflejo – incluso se puede distinguir un pequeño rastro de él en la imagen terminada (justo debajo de la palabra “Head”-. El sobre interno fue diseñado por Roger Glover y el manager Tony Edwards, y presenta un collage de fotos del archivo de la compañía discográfica, incluyendo una de Claude Nobs (inmortalizado como “Funky Claude” en la letra de “Smoke On The Water”), a quien está dedicado el álbum.

Ahora sí, ¡a subir el volumen!

ANIVERSARIOS: A 40 AÑOS DE SU SALIDA, TE CONTAMOS 10 DATOS FUNDAMENTALES DE “BACK IN BLACK” DE AC/DC

Publicado originalmente en MADHOUSE

Sin dudas, “Back In Black”, el séptimo disco de estudio de AC/DC, se convirtió en uno de los clásicos más importantes de la historia del rock, no solo por su contundente impacto sonoro, sino también como un símbolo de como una banda puedes sobreponerse a la adversidad… Antes de ponerte a escucharlo (seguramente) por enésima vez, en MADHOUSE te contamos 10 detalles fundamentales que no podés pasar por alto.

1. UN FINAL INESPERADO. Cuando uno repasa los detalles de la muerte del cantante Bon Scott, todavía siente un frío que le corre por la espalda. La cronología de los hechos es conocida: en la madrugada del martes 19 de febrero de 1980, Bon se retiró del local Music Machine de Londres totalmente alcoholizado junto a su amigo Alistair Kinnear. Estelo cargó inconsciente en su Renault 5, se dirigió a su casa, no pudo despertarlo, lo dejó dormir en el auto y cuando lo fue a buscar unas horas después, Bon ya había fallecido, ahogado con su propio vómito. Además de la pérdida de un amigo, AC/DC se había quedado sin una pieza fundamental en un momento clave de la banda.

2. LA PERSONA CORRECTA… CON LOS GUSTOS CORRECTOS. Obviamente, la muerte de Bon provocó un impacto tremendo en los hermanos Young, quienes sin embargo se pusieron rápidamente a buscar reemplazante. Luego de tentar a Noddy Holder, el cantante de Slade, y bajo el consejo del productor Mutt Lange, el grupo convocó a Brian Johnson, cantante de Geordie, una banda glam británica a la que se le estaba pasando su cuarto de hora. Johnson impresionó a la banda, no solo por la interpretación de «Whole Lotta Rosie» y el clásico «Nutbush City Limits” de Ike & Tina Turner (los temas elegidos para su audición), sino también por su afición al pool. En la biografía “Hell Ain’t A Bad Place To Be” del periodista Mick Wall, Malcolm Young recuerda el día de la audición: «Estábamos todos sentados esperándolo diciendo ¿dónde está este chico Brian? Debería haber estado aquí hace una hora. Y de repente nos dicen ‘Está abajo jugando al pool con los plomos’, así que nos dijimos ‘bueno, al menos juega al pool’”…  El interés de Brian por el juego de las buchacas y los tacos quedó reflejado años después en el video de “Sink The Pink” del disco “Fly On The Wall” de 1986.

3. GUITARRAS, CABLES… ¡Y ARPONES! Ya con la alineación nuevamente completa, la banda comenzó los ensayos para la grabación de su séptimo disco, la cual se llevaría a cabo en los estudios Compass Point de las Bahamas. A pesar de que la banda prefería grabar en Inglaterra como estaban acostumbrados, la decisión se tomó por cuestiones financieras debido a los altos impuestos que se cobraban en el Reino Unido. Rápidamente la banda se encontró con varios inconvenientes: los cortes de luz provocados por las incesantes tormentas eléctricas y los robos. En el especial “AC/DC: The Epic Inside Story Of Back In Black” de la revista Loudersound Brian recordó esas sesiones: “No era como otro estudio, había una pequeñas celdas de concreto, una cama y una silla. Y una anciana negra que gobernaba ese lugar con una vara de hierro. Tuvimos que cerrar las puertas por la noche porque nos había advertido sobre unos haitianos que habían robado el lugar. ¡Entonces nos compró unos arpones de casi dos metros para custodiar la puta puerta!».

Una de las raras fotos de los Compass Point Studios en Nassau, Bahamas. Malcolm mira por arriba del hombro a ver si aparecen los haitianos.

4. HAZTE LA FAMA Y ÉCHATE A COMPONER. Luego de sorteados los inconvenientes extramusicales (que además incluyeron la retención de los equipos de la banda en la aduana), Johnson empezó a sentir la presión de ser el nuevo integrante. A pesar de que algunas de las canciones habían sido ensayadas por Bon Scott llegando incluso a escribir algunos bocetos de letras, el grupo decidió que no iba a usarlas, por lo que le pidió a Johnson que escribiera nuevas letras. Acorralado por sus compañeros y por el productor Mutt Lange (que le exigía tomas cada vez más precisas), Johnson no tuvo más remedio que inspirarse en el ambiente del estudio, lo que desembocó en la creación de las primeras líneas de «Hell’s Bells» («Soy el trueno tonante, la lluvia que diluvia/ Estoy viniendo como un huracán/ Mis relámpagos cruzan el cielo. Eres joven pero vas a morir»).

¿Querían ver la tapa original del single de 1980? Acá está la tapa original del single de 1980

5. GUITARRA, VAS A SONAR. Y cuando parecía que finalmente las cosas estaban encaminadas, el ingeniero de sonido Tony Platt descubrió que las salas del estudio no eran sónicamente aptas para el sonido que pretendía el grupo. Luego de mucho batallar-y luchar con los cangrejos que se paseaban disfrutando de las bondades de los pisos de madera- finalmente se pudo lograr un sonido de guitarra que dejara satisfecho a Angus. Para esto, se usó un dispositivo de guitarra inalámbrico, el sistema de diversidad Schaffer-Vega (el mismo que adoptara y popularizara Kiss en 1977 tras un terrible accidente sufrido por el guitarrista Ace Frehley), un diseño del inventor y publicista Ken Schaffer, responsable del sonido tan característico de la guitarra del menor de los hermanos Young.

El sistema Schaffer-Vega: basta de músicos electrocutados

6. LA CAMPANA DE LA DISCORDIA. Con los diez tracks ya definidos, faltaba todavía un pequeño detalle. La idea era que el disco comenzara con el tañido de una campana en homenaje a Bon, cosa que en 1980 solo podía registrarse de manera analógica. Por lo cual se tornó imprescindible conseguir la campana adecuada, tarea que recayó en el manager Ian Jeffery, quien encontró el lugar producir la campana perfecta: la Taylor’s Bell Foundry, reconocida como la fundición de campanas en funcionamiento más grande del mundo. El (grave) problema era que tardarían unas siete semanas en tenerla lista y la banda obviamente no podía esperar tanto tiempo, por lo que Platt sugirió registrar el sonido de las campanas de una iglesia cercana. Parecía que todo finalmente estaba encaminado… pero el ingeniero no tuvo en cuenta a los pájaros que se posaban incesantemente sobre la campana; por lo que los micrófonos no podían dejar de captar una ráfaga de pájaros volando tras cada golpe (!) Finalmente la Taylor’s Bell Foundry adelantó la producción de la campana, que resultó perfectamente ajustada, y fue grabada in situ con el estudio móvil de Ronnie Lane, el bajista de los legendarios Faces.

«Y en la habitación sonaron las campanas»… ya sabemos en qué se inspiraron los Decadentes para esa frase

7. PONIÉNDOLE LA TAPA (AL DISCO). A pesar de la férrea voluntad de seguir adelante, la banda nunca se apartó de la idea de homenajear a Bon en este disco. Fue por eso que se creó el concepto de  una portada completamente negra, como forma de rendirle tributo y a la vez expresar el duelo que la banda estaba haciendo por la pérdida de uno de sus miembros. Sin embargo,  una tapa completamente negra no fue algo visto con buenos ojos por Atlantic, el sello de la banda, lo que dio lugar a varias idas y vueltas que se resolvieron finalmente cuando la banda aceptó poner su nombre y el del álbum en la portada usando un discreto tono gris.

8. ME CONMOVÉS TODA LA NOCHE (CON ESA LETRA). El primer corte del disco y, por ende, el primer contacto que los fans tuvieron con el nuevo vocalista, fue “You Shook Me All Night Long”, un tema que se emparentaba con el sonido limpio y contundente que el productor Mutt Lange (quien más tarde llevaría al éxito a Def Leppard con la misma fórmula) ya había desarrollado en el anterior trabajo de los australianos “Highway To Hell”. La letra del tema estaba dentro de los tópicos que solía desplegar Bon (mujeres y sexo básicamente) por lo cual fueron muchas las voces que insinuaron que algunas partes ya habían sido creadas por el fallecido cantante. En el ya mencionado libro de Mick Wall, el autor entrevista al periodista Malcolm Dome, muy cercano a la banda, quien afirma que poco antes de morir, Bon «me mostró su libro de letras. con las ideas que había estado trabajando para el próximo álbum. Hubo un par de líneas, como »She told me to come but I was already there’, (Ella me dijo que viniera/acabara  pero ya estaba allí’) que terminó en ‘ You Shook Me…’. Esa es una letra de Bon. ¡Lo vi escrito! Había letras, líneas usadas en ‘Back…’ que Bon escribió, pero no fue acreditado y hasta el día de hoy nadie está realmente seguro de lo que sucedió. Creo que ni siquiera estuvo cerca de terminar todas las canciones. Pero hay líneas suyas ahí”. El misterio continúa.

Bon Scott, de puño y letra

9. EL ROCK AND ROLL NO ES POLUCIÓN SONORA. “Back In Black” se editó en los Estados Unidos el 25 de julio de 1980, el 31 de julio en Europa y el 11 de agosto en Australia. Fue un éxito comercial inmediato, debutando en el número uno en la lista de álbumes británicos y alcanzando el número cuatro en la lista estadounidense. Encabezó la lista británica durante dos semanas y permaneció en el top 10 de la lista estadounidense durante más de cinco meses. Para promocionar el álbum, se filmaron videos musicales para las ya mencionadas «You Shook Me All Night Long», «Hells Bells», además del tema título, «Rock And Roll Ain’t Noise Pollution», «Let Me Put My Love Into You» y «Shoot to Thrill».  Solo los primeros cuatro fueron lanzados como singles. En los EE.UU, el single «You Shook Me All Night Long» / «Have A Drink On Me» se convirtió en el primer éxito del quinteto en el Top 40 del país, alcanzando el puesto 35.

10 – UN YA NO TAN LARGO CAMINO A LA CIMA. En una célebre reseña para la revista Rolling Stone tras la salida del disco, el reconocido crítico David Fricke considero a “Back In Black” como «no solo el mejor de los seis álbumes estadounidenses de AC/DC» sino «la demostración del arte en el heavy metal: el primer LP desde ‘Led Zeppelin II’ que captura toda la sangre, el sudor y la arrogancia del género». Después del lanzamiento del disco, los tres álbumes anteriores de AC/DC (“Highway To Hell”, “If You Want Blood You’ve Got It” y “Let There Be Rock”) volvieron a entrar en las listas británicas, lo que los convirtió en la primera banda desde los Beatles en tener cuatro álbumes en el Top 100 británico simultáneamente. Asimismo, Atlantic, la discográfica estadounidense de la banda, lanzó “Dirty Deeds Done Dirt Cheap” (¡original de 1976!) por primera vez en los EEUU; en mayo de 1981 superando a “Back In Black”, y llegando al número tres. El 13 de diciembre de 2007, el álbum fue certificado 22 veces disco de platino, es decir 22 millones de unidades solo en EE.UU. Esto lo colocó en el sexto lugar en la lista de álbumes más vendidos en las tierras del Tío Sam. En todo el mundo, vendió 50 millones de copias, lo que lo convierte en el álbum de hard rock más vendido de la historia…

No todo los días se graba el disco más vendido de hard rock de la historia en las Bahamas

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A 50 AÑOS DEL DEBUT DE BLACK SABBATH: LA PIEDRA ANGULAR DEL HEAVY METAL

Si bien el término heavy metal se comenzó a aplicar a partir de la segunda mitad de los 60s a aquellas bandas que agregaban altos niveles de distorsión a su sonido (de la mano de la mítica frase “heavy metal thunder” del clásico “Born to Be Wild” de Steppenwolf), lo cierto es que recién en la década del 70 el género se constituiría como tal con el lanzamiento del álbum debut de Black Sabbath. El sonido oscuro y pesado, la lírica con visos ocultistas y el pelo largo y enmarañado del cuarteto de Birmingham sentarían las bases del género que, medio siglo después aún sigue vigente.

A 50 años de su salida te contamos 10 detalles a tener en cuenta antes de volver a escuchar nuevamente este clásico

1 – Los orígenes de Black Sabbath se remontan a 1967 donde después de coincidir en la banda Mythology, el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward forman un nuevo grupo llamado The Polka Tulk Blues Band (nombre tomado de una compañía textil) junto al cantante Michael “Ozzy” Osbourne y el bajista Terence “Geezer” Butler, además de un segundo guitarrista y un saxofonista (¡!) que pronto dejarían la alineación. Después de acortar el nombre a Polka Tulk, la banda lo cambió por el de Earth, con un sonido ligado al blues rock de sus héroes Jimi Hendrix y Cream

2 – En el medio de uno de sus primeros shows, la banda se dio cuenta que el público esperaba a otro grupo también llamado Earth (pero de características bailables) y prontamente deciden cambiar su nombre (a instancias de Geezer Butler) por Black Sabbath, en honor a una película de terror dirigida por Mario Bava, con Boris Karloff como protagonista, que proyectaban en el cine de enfrente a la sala de ensayo.

3 – La película no solo bautizó a  la banda sino que también inspiro a Butler para componer la letra de “Black Sabbath” el tema que abre su disco debut basada en una visión que había tenido de una figura negra encapuchada a los pies de su cama.

4 – El tema “Black Sabbath” se construye sobre una progresión armónica conocida como tritono o Diabolus in Musica que tiene connotaciones satánicas en la música occidental. Esto, sumado al particular estilo de Iommi (imposibilitado de tocar la guitarra de manera tradicional por haber perdido las falanges de dos de sus dedos en un accidente laboral) es una de las características distintivas de la placa

5 – Por un breve periodo Tony Iommi fue el guitarrista de Jethro Tull quienes buscaban reemplazar a su violero fundador Mick Abrahams. Si bien la estadía de Iommi en la banda fue breve, dejo como recuerdo un paso por el mítico show “Rock and Roll Circus” de los Rolling Stones, donde se lo puede ver haciendo playback al lado del líder Ian Anderson

6 – A pesar de contar con un repertorio ya curtido en vivo, el cuarteto eligió como primer single el tema “Evil Woman” un cover de la banda norteamericana Crow que había sido lanzado tan solo unos meses antes. En la edición norteamericana del álbum, el tema es reemplazado por "Wicked World", su lado B

7 - La portada del álbum es una representación del molino de Mapledurham, situado en el río Támesis en Oxfordshire, Inglaterra. De pie frente al molino, la portada muestra una figura vestida de negro. Si bien Iommi dice que la mujer una vez apareció en el backstage en un show de la banda y se presentó, solo se sabe que era una modelo y actriz contratada por el día.

8 - La funda interior desplegable del lanzamiento original fue diseñada por Keith McMillan  y presentaba una cruz invertida con un poema. Esto hizo que la banda fuese etiquetada como satanista trayéndole algunos problemas pero a la vez dándoles una importante difusión. como medida de protección, el padre de Ozzy que era obrero metalúrgico, les fabricó cruces de plata a cada uno de los miembros de la banda, las cuales debían llevarlas a todas partes colgadas al cuello.

9 – El álbum se grabó en tan solo 12 horas en una sesión llevada a cabo el 16 de octubre de 1969, prácticamente en una sola toma salvo los sonidos de campanas, truenos y lluvias del tema “Black Sabbath”, y los solos de guitarra de "N.I.B." y "Sleeping Village". A pesar de su perfil poco comercial, el álbum  llegó al puesto 8 de los rankings

10 – Finalmente y antes de volver a disfrutar del disco, les advertimos que, aunque sepamos que las brujas no existen (pero que las hay, las hay), el disco se lanzó un viernes 13 (de 1970). Ahora sí, ¡a darle play!