jueves, 13 de febrero de 2020

A 50 AÑOS DEL DEBUT DE BLACK SABBATH: LA PIEDRA ANGULAR DEL HEAVY METAL


Si bien el término heavy metal se comenzó a aplicar a partir de la segunda mitad de los 60s a aquellas bandas que agregaban altos niveles de distorsión a su sonido (de la mano de la mítica frase “heavy metal thunder” del clásico “Born to Be Wild” de Steppenwolf), lo cierto es que recién en la década del 70 el género se constituiría como tal con el lanzamiento del álbum debut de Black Sabbath. El sonido oscuro y pesado, la lírica con visos ocultistas y el pelo largo y enmarañado del cuarteto de Birmingham sentarían las bases del género que, medio siglo después aún sigue vigente.

A 50 años de su salida te contamos 10 detalles a tener en cuenta antes de volver a escuchar nuevamente este clásico


1 – Los orígenes de Black Sabbath se remontan a 1967 donde después de coincidir en la banda Mythology, el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward forman un nuevo grupo llamado The Polka Tulk Blues Band (nombre tomado de una compañía textil) junto al cantante Michael “Ozzy” Osbourne y el bajista Terence “Geezer” Butler, además de un segundo guitarrista y un saxofonista (¡!) que pronto dejarían la alineación. Después de acortar el nombre a Polka Tulk, la banda lo cambió por el de Earth, con un sonido ligado al blues rock de sus héroes Jimi Hendrix y Cream

2 – En el medio de uno de sus primeros shows, la banda se dio cuenta que el público esperaba a otro grupo también llamado Earth (pero de características bailables) y prontamente deciden cambiar su nombre (a instancias de Geezer Butler) por Black Sabbath, en honor a una película de terror dirigida por Mario Bava, con Boris Karloff como protagonista, que proyectaban en el cine de enfrente a la sala de ensayo.


3 – La película no solo bautizó a  la banda sino que también inspiro a Butler para componer la letra de “Black Sabbath” el tema que abre su disco debut basada en una visión que había tenido de una figura negra encapuchada a los pies de su cama.

4 – El tema “Black Sabbath” se construye sobre una progresión armónica conocida como tritono o Diabolus in Musica que tiene connotaciones satánicas en la música occidental. Esto, sumado al particular estilo de Iommi (imposibilitado de tocar la guitarra de manera tradicional por haber perdido las falanges de dos de sus dedos en un accidente laboral) es una de las características distintivas de la placa

5 – Por un breve periodo Tony Iommi fue el guitarrista de Jethro Tull quienes buscaban reemplazar a su violero fundador Mick Abrahams. Si bien la estadía de Iommi en la banda fue breve, dejo como recuerdo un paso por el mítico show “Rock and Roll Circus” de los Rolling Stones, donde se lo puede ver haciendo playback al lado del líder Ian Anderson

6 – A pesar de contar con un repertorio ya curtido en vivo, el cuarteto eligió como primer single el tema “Evil Woman” un cover de la banda norteamericana Crow que había sido lanzado tan solo unos meses antes. En la edición norteamericana del álbum, el tema es reemplazado por "Wicked World", su lado B

7 - La portada del álbum es una representación del molino de Mapledurham, situado en el río Támesis en Oxfordshire, Inglaterra. De pie frente al molino, la portada muestra una figura vestida de negro. Si bien Iommi dice que la mujer una vez apareció en el backstage en un show de la banda y se presentó, solo se sabe que era una modelo y actriz contratada por el día.


8 - La funda interior desplegable del lanzamiento original fue diseñada por Keith McMillan  y presentaba una cruz invertida con un poema. Esto hizo que la banda fuese etiquetada como satanista trayéndole algunos problemas pero a la vez dándoles una importante difusión. como medida de protección, el padre de Ozzy que era obrero metalúrgico, les fabricó cruces de plata a cada uno de los miembros de la banda, las cuales debían llevarlas a todas partes colgadas al cuello.

9 – El álbum se grabó en tan solo 12 horas en una sesión llevada a cabo el 16 de octubre de 1969, prácticamente en una sola toma salvo los sonidos de campanas, truenos y lluvias del tema “Black Sabbath”, y los solos de guitarra de "N.I.B." y "Sleeping Village". A pesar de su perfil poco comercial, el álbum  llegó al puesto 8 de los rankings

10 – Finalmente y antes de volver a disfrutar del disco, les advertimos que, aunque sepamos que las brujas no existen (pero que las hay, las hay), el disco se lanzó un viernes 13 (de 1970). Ahora sí, ¡a darle play!

sábado, 14 de diciembre de 2019

ANIVERSARIOS: A 40 AÑOS DE SU LANZAMIENTO, DIEZ DETALLES QUE QUIZÁS NO CONOCÍAS DE “LONDON CALLING” DE THE CLASH


El 14 de diciembre de 1979, The Clash lanzaba su tercer disco “London Calling”, el cual no solo sería su despegue definitivo a nivel comercial, sino que también los posicionaría como una de las bandas claves del movimiento punk británico.
A 40 años de su edición, te contamos los detalles de un disco inolvidable.


1- Luego de la salida y presentación de “Give ‘Em Enough Rope” su segundo disco, la banda despidió a su manager Bernie Rhodes, lo que hizo que tuviesen que dejar su sala de ensayo en Camden Town y encontrar otro lugar para componer. Finalmente y con manager nuevo (Johnny Green) el cuarteto se afincó en los Vanilla Studios en Pimlico, situados en la parte trasera de un garaje. Esa atmósfera encendió la inspiración , lo que los hizo grabar varios demos, con Mick Jones componiendo y haciendo los arreglos de la mayoría de la música y Joe Strummer proporcionando las letras

2 - El título “London Calling” hace referencia a la frase de apertura usada en las emisiones de la cadena  BBC durante la Segunda Guerra Mundial y podría traducirse como: "Aquí Londres transmitiendo"

3 - El productor del disco fue Guy Stevens, quien había trabajado anteriormente con bandas de rock clásico como Mott The Hoople y Procol Harum. Stevens tenía serios problemas de adicción, lo que, sumado a la volátil personalidad de los Clash, provocaron por momentos un revoleo de sillas creando una atmósfera tensa, la cual fue usada por el grupo como inspiración.

4 – Eran tantas las ideas para el disco que la banda decidió que fuese un álbum doble, pero lanzado a precio simple. La compañía (CBS) en un principio se negó, autorizándolos solo a sacar un EP extra, que al final terminó convirtiéndose en otro LP con nueve canciones

5 – La foto de tapa (que muestra al bajista Paul Simonon estrellando su instrumento contra el piso) es una de las más icónicas en el mundo del rock. La imagen fue tomada por la fotógrafa ​ Pennie Smith, quien en un principio no quería incluirla en la portada por considerarla que no era técnicamente buena. Finalmente Strummer y el diseñador gráfico Ray decidieron usarla para la tapa, la cual fue elegida como la novena mejor portada de todos los tiempos por la revista Q en 2001. El destrozado bajo de Simonon (un Fender Precision Bass) se exhibe en el Salón de la Fama del Rock en Cleveland desde mayo de 2009)


6 – El tema “Revolution Rock” fue originalmente publicado por el cantante jamaiquino Danny Ray, quien sampleó un fragmento de la canción “Get Up” de Jackie Edwards. Es por eso que ambos figuran como autores en el álbum. La canción también fue versionada por Los Fabulosos Cadillacs en su disco “El Ritmo Mundial” de 1988

7- “Brand New Cadillac" fue la primera canción grabada para las sesiones del disco. El tema fue compuesto en 1959 por Vince Taylor, uno de los héroes europeos del rockabilly, y los Clash decidieron grabar su versión luego de usarla como ejercicio de calentamiento durante los ensayos de la placa.

8 – “Spanish Bombs” uno de los clásicos del disco, está inspirado en la Guerra Civil Española y su letra (escrita por Strummer luego de una charla con su pareja Gaby Salter) rinde homenaje a los que combatieron con el Frente Popular

9 - "Train in Vain", el tema que cierra la placa, iba a ser entregada de forma gratuita por la revista New Musical Express, a modo de promoción. Como finalmente el acuerdo no se concretó,  se incluyó en el álbum a último momento, quedando afuera de la lista de canciones en la contratapa del disco. ​

10 – Precisamente el track 10 del disco “Guns Of Brixton” marco el debut como compositor y cantante de Paul  Simonon. En un principio el bajista (precisamente en una canción que habla sobre la mirada paranoide de un hombre hacia la vida) no estaba seguro de poder hacerlo, pero se animó a seguir trabajando en la canción gracias al apoyo de Strummer.

sábado, 22 de junio de 2019

A 30 AÑOS DE "THE MIRACLE" EL ANTEÚLTIMO MILAGRO DE FREDDIE


Con un Freddie Mercury ya enfermo y alejado definitivamente de los escenarios, Queen encaró la grabación de su decimotercer disco "The Miracle"

Los resultados, los detalles de la grabación y las anécdotas de la época en este nuevo #TemaConHistoria de La Isla de los Monos

miércoles, 19 de junio de 2019

A 40 años de "Dynasty", el experimento disco de KISS

El  séptimo disco de estudio de Kiss, "Dynasty" no solo sería el último con el cuarteto original por casi 20 años. sino que también supuso el éxito comercial del hit "I Was Made for Loving You", la llegada de un nuevo público y una nueva etapa de peleas internas

Enterate de todo eso y mucho más haciendo click en el video

miércoles, 5 de junio de 2019

"TOMMY": LA OBRA MAESTRA DE THE WHO

Para su tercer disco junt a The Who, el guitarrista Pete Townshend decidió contar la historia de Tommy, un traumado chico ciego, sordo y mudo que se convierte en un as del pinball

Descubri todos los detalles de este disco clásico del rock en #TemaConHistoria de La Isla de los Monos

jueves, 2 de mayo de 2019

DISINTEGRATION: LA VUELTA A LA TRISTEZA DEL TÍO ROBERT

A 30 años de su lanzamiento, en La Isla de los Monos repasamos los pormenores de "Disintegration" de The Cure
Escuchanos todos los lunes a las 19 por www.laisladelosmonosradio.blogpot.com

sábado, 22 de diciembre de 2018

"El Maldito Rock" - Tesina de Grado (Facultad de Ciencias Sociales -UBA)

"Si grita pidiendo verdad en lugar de auxilio, 
si se compromete con un coraje que no está seguro de poseer, 
si se pone de pie para señalar algo que está mal pero no pide sangre para remediarlo, 
entonces es rock and roll" 
Pete Townshend (The Who) 

¿Cómo una música que produjo un cambio cultural a nivel mundial, pudo ser el eje de una de las tragedias más nefastas de la Argentina? ¿Cómo un estilo que pregonó la libertad, se opuso al autoritarismo y combatió las injusticias, pudo truncar la vida de 194 personas que iban a ver a uno de sus artistas favoritos?
Luego de más de dos décadas de concurrir a recitales de rock, aún recuerdo mi mirada atónita frente al televisor la noche del 30 de diciembre de 2004 no pudiendo creer que lo que debió haber sido una fiesta terminó en tragedia, llevándose la vida de 194 personas que lo único que querían era disfrutar de su banda favorita.
Con la futbolización del rock y la cultura del aguante como ejes de los códigos del llamado rock barrial, el presente trabajo desarrolla un recorrido histórico que comienza a mediados de la década del 50 en Estados Unidos, en donde la fusión del blues de los esclavos negros del sur con la música rural blanca, da como resultado el rock n’ roll, género que cambiaría la cultura juvenil a partir de ese momento.
El recorrido continúa con los primeros albores del género en nuestro país, la formación de los primeros grupos y los primeros éxitos autóctonos, pasando sobre todo por los diferentes cambios en los comportamientos del público (sentados hasta principios de la década del 80, de pie luego del regreso de la democracia, saltando, bailando y “pogueando” a partir de los 90s), incluyendo la relación entre los nuevos códigos rockeros con los viejos hábitos tribuneros del fútbol, desembocando en el llamado “rock barrial”
Ahí es precisamente en donde comienza el análisis del corpus, que abarca todas las referencias a “lo barrial” dentro del rock en el diario Clarín, desde una década antes de la tragedia (1994) hasta el triste 30 de diciembre de 2004, analizando causas yconsecuencias.
¿Cómo reflejó el diario Clarín (y en especial su suplemento insignia de cultura joven, el Si!) el surgimiento y el posterior desarrollo del rock barrial antes de la Tragedia de Cromañón? ¿Cómo tomaban sus periodistas el aumento en la cantidad de bengalas y elementos de pirotecnia en los recitales? ¿Cómo se mostraba la influencia de “la cultura del aguante” dentro de algunas de las bandas más convocantes de la escena rockera a partir de la segunda mitad de la década del 90?

En definitiva, ¿cómo trató el Diario Clarín el fenómeno del rock barrial antes de la Tragedia de Cromañón?

Podés descargar la tesina completa en formato PDF acá  

Alejandro Do Carmo