lunes, 20 de agosto de 2012

A 45 años del mítico The Velvet Underground & Nico


El otro ritual de la banana



Nueva York. 1964. Lewis Allan (Lou) Reed y el galés John Davies Cale, dos compositores habitués de los estudios de grabación de la zona, luego de coincidir en un trabajo por encargo decidieron darle forma a un nuevo proyecto que reuniera sus preferencias musicales ligadas al avant garde, la experimentación y el rock de garaje, al cual bautizaron The Primitives, banda con la cual lanzaron el tema The Ostrich, una osada composición de Reed con aportes de viola de Cale

Rápidamente sumaron al proyecto a un compañero de facultad de Reed, el guitarrista Sterling Morrison y al compañero de departamento de Cale, el percusionista Angus MacLise. Luego de pasar por varios nombres como The Warlocks o The Falling Spikes decidieron finalmente bautizarse como The Velvet Underground en honor a una publicación subterránea dedicada al sexo, lo cual conceptualmente venía como anillo al dedo para las historias sobre sadomasoquismo, dealers y prostitutas que Reed tenía en su cabeza.
Ya en julio de 1965 preparan un demo con la intención de hacérselo llegar (vía Mariane Faithfull) a Mick Jagger. Al conseguir la primera fecha (en un colegio, como teloneros de los ignotos The Myddle Class) MacLise dejó el grupo, acusándolos de “haberse vendido”

En reemplazo de MacLise entró Maureen "Mo" Tucker, la hermana menor de un amigo de Morrison, dueña de un particular estilo percusivo: tocaba de pie el bombo, casi no utilizaba los platillos y golpeaba los parches con mazas en vez de palillos. El ingreso de Tucker trajo nuevos aires al sonido de la banda, agregando reminiscencias del minimalismo rítmico de Bo Diddley e influencias tribales

La nueva formación llamó la atención nada menos que del artista plástico Andy Warhol, quien les comenzó a manejar la carrera y los hizo participes de su Exploding Plastic Inevitable, una serie de eventos multimedia para los cuales Velvet Underground oficiaba como banda sonora. La influencia de Warhol en el circuito los hizo conseguir un contrato discográfico para la grabación de su álbum debut. A pedido de Warhol se incorporó al grupo Nico, una cantante alemana que trabajaba como modelo, dueña de una belleza etérea y una voz delicada, que contrastaba con la desprolijidad vocal de Reed
Nico terminaría siendo la voz principal en tres de los tracks del disco: Femme Fatale, All Tomorrow's Parties y I'll Be Your Mirror, además de ponerle los coros a Sunday morning, la sensible canción que oficiaría de apertura de la placa.

El  núcleo del álbum debut (finalmente titulado The Velvet Underground & Nico) fue grabado en solo cuatro jornadas (más algunas sesiones posteriores adicionales) a un costo de menos de 3000 dólares (financiados por Warhol) en los estudios Scepter de Nueva York . El resultado fue, cuanto menos poco convencional, lo que llevó a que el material fuera rechazado (a pesar de los esfuerzos de Warhol) tanto por Columbia, como por Atlantic y Elektra, debiendo la banda conformarse con el modesto sello Verve, subsidiaria de MGM (dedicada mayormente al jazz, aunque también editaría a artistas como Frank Zappa )
Si bien en los créditos Warhol figuraba como productor, lo cierto es que ese papel lo desempeñaron los técnicos Norman Dolph y John Licata bajo la atenta mirada de Cale, y en especial Tom Wilson, quién logró su crédito por su labor en Sunday morning 
Lo que si dejó Warhol como marca distintiva fue la creación de la mítica portada, la cual en su edición original constaba con un dispositivo que permitia pelarla y descubrir que se escondía debajo (finalmente otra banana), fiel al lema Peel slowly and see que podía leerse en la tapa. Dicho dispositivo necesitaba de una maquina especial, por lo cual el lanzamiento del disco se demoró más de lo planeado, aumentando el costo de producción

The Velvet Underground and Nico finalmente vio la luz en marzo de 1967, y de inmediato provocó cierta controversia en el acotado mundo musical del ambiente artístico neoyorquino. Por un lado presentaba melodías de alta sensibilidad como Sunday morning o Femme fatale, mientras que por otro mostraba un costado experimental con densos feedbacks de viola eléctrica de Cale y el particular estilo percusivo de Tucker en temas como European son

De todos modos el rasgo más particular del material del álbum estaba dado por la lirica de Reed que tocaba temas tan poco tratados en el rock de la época como el submundo de los dealers (en I´m waiting for the man), el sadomasoquismo (en Venus in Furs basada en textos de Leopold von Sacher-Masoch) y las drogas duras (en la insuperable Heroin). Como era de esperarse, el álbum tuvo muy poco éxito a nivel comercial, debutando en el puesto 199 y alcanzando como posición más alta el 177.


Luego del lanzamiento del disco, tanto la banda como Nico y Warhol tomaron caminos por separado. Nico comenzaría su carrera solista con el álbum Chelsea girl, el primero de cuatro discos en donde recibiría la colaboración de sus ex compañeros Reed y Cale. La cantante moriría trágicamente en 1988 luego de sufrir un accidente en su bicicleta mientras disfrutaba de unas vacaciones en Ibiza con su hijo.

Velvet Underground sacaría un disco más junto a John Cale (el recomendable White light/White heat de 1968, ya sin el amparo de Warhol) para luego seguir adelante, primero con el liderazgo de Lou Reed y posteriormente bajo el mando del reemplazante de Cale, el guitarrista Doug Yule, ya sin ningún miembro original en sus filas y sin nada de la magia de antaño

The Velvet Underground and Nico marcó una base fundamental para el desarrollo de los movimientos punk y gothic que se desarrollarían años más tarde. El disco ha influenciado a través de los años a artistas tan disimiles como David Bowie, R.E.M, The Smiths , Jane´s Addiction y Kings of Leon y fue editado en CD por primera vez en 1986, aunque la edición más completa fue en 1995 en un box set llamado Peel slowly and see que constaba de cinco discos que incluían además del álbum original, versiones demos y presentaciones en vivo.
45 años después la influencia sigue vigente, solo es cuestión de descubrir que hay debajo de la cascara de la banana




Ale Do Carmo

lunes, 18 de junio de 2012

Los 40 años de Ziggy Stardust de David Bowie


Mantén tus ojos eléctricos en mi, nena




Si The man who sold the world, su obra de 1970 le habia permitido a David Bowie dejar de lado su costado interpretativo más ligado al folk, para dejarse llevar por la fuerza rockera de su nueva banda de acompañamiento, y Hunky dory (1971) le sirvió para consolidarse como un gran compositor de canciones, el próximo paso en la carrera del británico debía ser decisivo para catapultarlo al reconocimiento mundial y al tope de los rankings
Con ese objetivo en mente, Bowie daría el salto más arriesgado hasta ese momento en su carrera: una obra que resumiese tanto su presente como compositor e interprete, así como su extenso bagaje teatral bajo las ordenes de Lindsay Kemp y sus estudios previos sobre arte y diseño

Definitivamente haber visto en vivo las deslumbrantes actuaciones de Iggy Pop y el aura tan particular de Lou Reed (artistas a los cuales produciría posteriormente) provocó un fuerte impacto en Bowie, quien se inspiró en parte en ellos para el hilo conductor de su próximo trabajo.

De todos modos, el personaje que sería una influencia fundamental en el concepto que llevaría adelante Bowie, fue el cantante y líder de The Playboys, Vince Taylor. el cual vestía ropas extravagantes de cuero en escena, adornado con cadenas que sostenían un medallón con la figura de Juana de Arco. Artista de culto injustamente olvidado, Taylor, luego de la separación de su banda, se unió a un movimiento religioso y falleció a principios de la década del 90.

Con estos referentes en mente, Bowie comenzó a delinear la historia para un disco conceptual que contaría la historia de un extraterrestre llamado Ziggy Stardust, que llega a La Tierra encarnado en una estrella de rock; para anunciar que al planeta le quedan solo cinco años de vida. Para su misión busca, cual mesías rockero, la forma de salvar a la humanidad a través de la música, dando un mensaje de esperanza, amor y paz, para ser finalmente corrompido por los egos y los excesos (en una descarada critica al ambiente musical de los '70) propios del contexto de su propia fama, y el desquiciado fanatismo de sus seguidores.

Con respecto al nombre del nuevo personaje Bowie tomó como referencia a Legendary Stardust Cowboy (seudónimo de Norman Carl Odmon), un músico country de culto que escapaba a las normas del género (artista del cual el mismo David versionaría en 2002 el tema I took a trip en el álbum Heathen). Mientras que el apelativo Ziggy surgió de una sastrería (Ziggy’s) que Bowie solía ver durante sus largas travesías en tren de su adolescencia.

Faltaba solo un detalle antes de comenzar con la composición de los temas: el impacto a nivel imagen. Bowie decidió darle entonces un cambio radical a su look: se tiñó el pelo de un rojo furioso y, con la ayuda del diseñador de vanguardia Kansai Yamamoto, y la influencia palpable que había dejado en él sus conocimientos sobre el teatro japones kabuki, diseñó el particular vestuario del andrógino alienigena protagonista de la historia

Ziggy Stardust en plena performance

Con una banda (bautizada ad hoc The Spiders from Mars) conformada por Mick Ronson en guitarras, piano y coros; Trevor Bolder en bajo y Mick Woodmansey en batería (más la producción de Ken Scott y el mismo Bowie), las sesiones de grabación de la placa se sucedieron entre septiembre de 1971 y enero de 1972, agregando varias composiciones nuevas a aquellas que ya venían siendo trabajadas por los músicos desde la anterior etapa de Hunky Dory.

La primera idea de Bowie era que el álbum se convirtiese en la banda de sonido de un espectáculo televisivo o de un show teatral, y hasta incluso se barajó la inclusión de temas como All the Young dudes (que finalmente se convertiría en un importante éxito en la versión grabada por Mott The Hopple), Rebel Rebel y Rock 'n' Roll With Me (estas últimas finalmente grabadas en el disco Diamond dogs de 1974).
Finalmente el disco quedó conformado por 12 tracks. Los cinco del lado A presentan al oyente la historia y describen a Ziggy y su misión en La Tierra, mientras que los restantes seis en la cara B tratan sobre el apogeo y la posterior decadencia del protagonista.

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (tal el título completo) vio la luz el 6 de junio de 1972, con Starman como primer single, llegando a disco de platino en Gran Bretaña y de oro en Estados Unidos y, a pesar de no haber alcanzado el tope de las listas de ventas, logró marcar una notable influencia a través de los años en artistas tan diversos como Marilyn Manson, Bauhaus, Poison y Luca Prodan entre muchos otros.

De todos modos, y a pesar de que Ziggy Stardust se convertiría en un icono de la correcta aplicación de la teatralidad dentro del mundo del rock, sería recién el siguiente trabajo de Bowie, Aladdin sane de 1973 el  que finalmente le daría su primer puesto número uno en el ranking británico.

Lista de temas

1. Five Years 
2. Soul Love
3."Moonage Daydream
4. Starman 
5. It Ain't Easy (Ron Davies) 
6. Lady Stardust 
7. Star 
8. Hang On to Yourself 
9. Ziggy Stardust
10. Suffragette City 
11.Rock 'n' Roll Suicide 





viernes, 18 de mayo de 2012

A 20 años de Revenge de Kiss

La revancha desenmascarada




1992 sin dudas fue un año difícil para el hard rock debido al advenimiento del grunge el año anterior y la escalada cada vez mayor de las corrientes más duras del metal en los rankings.
Por ese entonces, Kiss no solo sufría la caída en popularidad del hair metal, estilo al que se habían subido a medidos de los 80's, sino que también sufrirían su propia tragedia personal: luego de batallar duramente contra un cáncer cardíaco, el baterista Eric Carr (reemplazante del original Peter Criss) falleció en noviembre de 1991, dejando a la banda sin una pieza fundamental de su sonido.

De todos modos, a pesar del panorama sombrío, la banda decidió seguir adelante y correr algunos riesgos Basados en el sorpresivo éxito de la remake de God gave rock n roll to you, el legendario tema de Argent que la banda versionara para la película Bill & Ted's Bogus Journey (marcando la última participación en estudio de Eric Carr), Kiss decidió volver a trabajar con el productor Bob Ezrin con quien en el pasado grabaron, tanto importantes sucesos como Destroyer (1976), como grandes fracasos comerciales, como el conceptual Music from The elder (1981)

De entrada el concepto para el nuevo disco fue un endurecimiento, tanto del sonido como de la imagen, además de abrirse al aporte de diversos compositores para seleccionar el mejor material posible. Sorpresivamente uno de los colaboradores elegidos fue el ex miembro de la banda, Vinnie Vincent, quien se había separado del grupo en malos términos y posteriormente les haría un juicio millonario (que acabaría perdiendo) 
Uno de los momentos más extraños de la grabación resultó el pedido de colaboración de Gene Simmons a Bob Dylan en el tema Laughing When I Want to Cry, que finalmente no formó parte de la placa y terminó editándose muchos años después en el álbum Asshole del bajista.

Cuando el disco vio finalmente la luz (el 19 de mayo de 1992), el resultado fue altamente satisfactorio tanto desde el punto de vista artístico como del comercial, ya que Revenge (como terminó titulándose la placa) se convirtió en disco de oro tanto en EEUU como en Canadá además de llegar al Top Ten en los principales rankings europeos
Con temas como Unholy y Domino como puntas de lanza, la banda logró convencer a los fans más aguerridos de que lograban acomodarse a los nuevos tiempos sin perder identidad, y con baladas como Every time I look at you lograron nuevamente sonar en las radios.
La gira mundial por primera vez incluyó a Argentina (la banda se presentó en el marco del Festival Monsters of Rock y en cuatro shows íntimos en el Estadio Obras Sanitarias) y de los recitales en las ciudades de Detroit, Indianápolis y Cleveland se grabó material para el posterior lanzamiento en vivo Alive III

El éxito de Revenge le permitió a Kiss disfrutar de un importante reconocimiento que incluyó un inmediato disco tributo (Kiss my ass con la participación de bandas como Extreme y Lenny Kravitz) y la posibilidad de participar del ciclo MTV Unplugged en donde por primera vez en más de 15 años el cuarteto original de Simmons, Stanley, Criss y Frehley se presentaron juntos en un escenario

El inmediato suceso logrado por la reunión del Kiss original llevó a que se suspendiera el lanzamiento de Head, el disco sucesor de Revenge (grabado con Kulick y Singer), que finalmente, y debido a la cantidad de copias piratas que circulaban en el mercado salió a la venta con muy poca difusión en 1997 bajo el titulo Carnival of souls - The final sessions cerrando (¿definitivamente?) la etapa desenmascarada de la banda de New York.

viernes, 13 de abril de 2012

Montes - Aún brillando a pesar del paso del tiempo






El rock nacional (argentino) está plagado de nombres rutilantes que ayudaron a su desarrollo y que aun continúan (en mayor o menor medida) creando nuevos sonidos.
Sin embargo algunos nombres a pesar de la calidad musical no lograron trascender más allá de un reducido número de coleccionistas. Ese es el caso de Jorge Montes, un virtuoso guitarrista de los '70s que jamás pudo recibir en vida el crédito merecido
Jorge comenzó su carrera profesional como guitarrista del grupo Séptima Brigada, quienes a pesar de estar enrolados dentro de la vertiente “comercial” de la música beat (junto a grupos olvidados como Trocha Angosta y Pintura Fresca) por momentos permitían cierta conexión musical con los dos héroes del guitarrista: Carlos Santana y Jimi Hendrix


Al finalizar su experiencia con Séptima Brigada decide partir hacia Bolivia, un mercado musical extraño para la época, (incluso para el rock latinoamericano) donde forma su propio power trío: Montes Mahatma junto a Álvaro Córdoba en batería y Javier Saldias en bajo. Con dicha agrupación se presenta en el Festival BA Rock de 1972 antes de embarcarse (ya sin sus compañeros bolivianos) en un nuevo proyecto llamado simplemente Montes, (a secas) un cuarteto a medio camino entre el hard blues y el rock progresivo.
Como era costumbre en aquellos años (1973) la banda debuta discográficamente en formato simple con Pájaro Nocturno en la cara A y Un viaje al mar en su reverso, dos notables muestras de crudo hard rock a la manera de Led Zeppelin
Al año siguiente finalmente se edita el primer LP de la ya consolidada agrupación: Cuando brille el tiempo, con una tapa surrealista inspirada por Dalí y realizada por Miguel Angel, hermano de Jorge y también coautor de los temas. En formato cuarteto, (acompañaban a Jorge el vocalista Juan Carlos Policastro, el bajista Alberto Onetto y el baterista Carlos Salazar), y con un joven Alex Zucker de invitado (futuro miembro de Alas) en el bajo el disco pasa de los aires hippies del track apertura En el camino de Dios hacia el sol hasta el hard psicodélico onda Deep Purple de Arco Iris donde estas?, pasando por los aires latinos y atmósferas progresivas de Fuera del sol, además de un misticismo espiritual en las líricas bastante poco común en la escena.


Si bien el disco agota su primera tirada, Cuando brille el tiempo no trasciende el circulo de fanáticos rockeros y no logra la repercusión buscada a nivel local, por lo que Montes nuevamente decide emigrar, esta vez hacia Colombia donde tras una breve gira latinoamericana la banda se disuelve.
Posteriormente al volver al pais forma parte de una de las innumerables formaciones de Pappo´s Blues y luego desaparece de la escena.
Poco se sabe de Jorge a partir de ese momento. Algunos lo ubican, ya retirado de la música, recorriendo Sudamérica. Otros lo relacionan con problemas legales y de drogas en Ecuador y Colombia a principios de los '80s.
Lo cierto es que en un episodio de violencia jamás aclarado, Jorge Montes  fallece en Ecuador dejando tras de sí un talento que no logró ser reconocido convenientemente en vida
Cuando brille el tiempo jamás logró su edición local en CD y las pocas copias en vinilo que lograron sobrevivir a los años, se subastan hoy a precios exorbitantes a través de internet.
Lo que más llama la atención de todos modos es el tardío reconocimiento internacional a la banda, lo que permite que internacionalmente se fabriquen ediciones especiales en CD que raramente logran llegar al país haciendo que Montes (al igual que en los 70s) siga siendo un misterio a descubrir para el grueso del público local, pero un objeto de culto para coleccionistas.

Discografía

1973 - Simple: Pájaro Nocturno/Un viaje al mar (Philips 6049134)


1974 - LP Cuando brille el tiempo (Phillips 6406020)