JOHNNY WINTER - 1944 / 2014

 El rey blanco del blues

Winter en su apogeo

Nacido como John Dawson Winter III en la ciudad de Beaumont, Texas, Johnny Winter comenzó desde pequeño a involucrarse en el mundo de la música junto a su hermano Edgar (dos años más joven), gracias al apoyo de su padre (que había sido alcalde en una ciudad de Mississippi) y a una vieja radio que le haría conocer a los grandes del blues.

Su primer single lo grabó a los 15 años junto a su banda Johnny and the Jammers, y a pesar de pasar desapercibido ya daba muestras de su talento. Es que el joven albino (condición genética que desarrolló al igual que hermano) había pasado buena parte de sus pocos años de vida viendo a grandes del género como Muddy Waters y B.B. King además de hacerse de una impresionante colección de discos

Dos potencias: Johnny y Jimi

A fines de 1968 y luego de editar su primer disco y varios singles (que se relanzarían hasta el cansancio durante toda su carrera)  llegaría su gran momento, cuando como invitado en una zapada junto a Mike Bloomfield y Al Kooper en el legendario  Fillmore East de Nueva York, los ejecutivos de Columbia Records lo vieron tocar y le ofrecieron el adelanto más grande de la historia del rock hasta ese momento: 600.000 dolares

A pesar de ese auspicioso precedente y de un exitoso segundo disco (autotitulado), Winter nunca pudo desarrollar un proyecto viable comercialmente a pesar de lanzar gemas como Second Winter o Johnny Winter And (junto al guitarrista Rick Derringer)  lo que, sumado a su adicción a la heroína (que le dejaría secuelas hasta el fin de sus días) lo llevaría lentamente a alejarse del candelero, perdido entre discos intrascendentes y colaboraciones poco reconocidas debido a un manejo poco eficaz. 
Incluso, junto a su hermano Edgar demandaron sin éxito a la empresa DC en 1996 por los derechos de dos personajes albinos de la serie Jonah Hex llamados The Autumm Brothers

Junto a su hermano Edgar

A fines de los 70s le llegaría el reconocimiento, pero como productor, al ganar tres Grammys por su trabajo junto a Muddy Waters, a quien ayudó a relanzar exitosamente su carrera. 
De todos modos, intentando curar su adicción y luchando contra la edición no autorizada de viejos discos, el talento de Winter fue apareciendo en cuentagotas en ediciones de pequeñas discográficas y en giras que por su frágil salud y su necesidad permanente de metadona para contraponer su adicción a la heroina (situación que lo llevó cancelar su show en Argentina en 2004, visita que se esperaba finalmente para octubre) no lograban extenderse demasiado

Su deceso en una habitación de hotel en Zurich, Suiza, el pasado 16 de julio, tan solo cuatro días después de su ultimo show, transcurrió en el marco de una gira adelanto de lo que será el primero de varios discos póstumos: Step Back, programado para septiembre, que contará con la participación de invitados como Eric Clapton, Joe Perry, Brian Setzer y Joe Bonnamassa.

En sus últimos años

De apariencia frágil y con unos tatuajes que remarcaban aún más su albinismo, Winter falleció como tantos otros sin lograr el reconocimiento de la intelligentzia del rock, pero dejando un legado notable que se refleja en artistas como Warren Haynes, clásicos como Stevie Ray Vaughan o en cada uno de los que, al rasgar la guitarra entonan un viejo blues

Discografía recomendada:

Johnny Winter(1969) 

Second Winter(1969) 

Johnny Winter And (1970)

Together: Edgar Winter and Johnny Winter Live (1976)

Nothin' But the Blues (1977)

LOU REED 1942 – 2013

Fue una vida perfecta Lou, gracias por pasarla con nosotros

Solo un día perfecto

Me hiciste olvidar de mi mismo

Pensé que era otro, alguien bueno

Mezclar la letra de amor más pura con la melodía más triste, sacar un disco doble de puro feedback de guitarra (y que se venda), llegar a los 70 años recitando historias macabras con el grupo más importante de heavy metal como banda de apoyo... todo eso y mucho más solo podía salir de la cabeza de alguien como Lou Reed, cuya noticia de su muerte (como con todos los grandes) nos hizo recordarlo con una sonrisa luego de cada play

Nacido como Lewis Allan Reed en Brooklyn el 2 de marzo de 1942, gracias a su afición a la radio pudo descubrir su pasión por el rock and roll y el rhythm and blues, lo que lo llevó a comenzar a tocar la guitarra buscando imitar a sus ídolos

Su primera grabación fue en su adolescencia como parte del grupo de doo woop The Jades. Por esa época también comenzarían sus problemas con sus padres, que intentaban “curarlo” de su bisexualidad a través de electroshocks, que solo lograrían profundizar su carácter tosco y endurecer su mirada

Su pasión por la literatura y el periodismo lo llevó a anotarse en la Universidad de Syracuse y comenzar a componer sus primeras canciones intentando escapar a una vida demasiado chata para su talento

En 1964, trabajando como compositor a sueldo de la discográfica Pinwick comienza, junto con su amigo galés John Cale, a darle forma a The Primitives, banda con la cual lanzaron el tema The Ostrich, una osada composición de Reed con aportes de viola de Cale. Rápidamente sumaron al proyecto al guitarrista Sterling Morrison y al percusionista Angus MacLise, y luego de pasar por varios nombres decidieron finalmente bautizarse como The Velvet Underground en honor a una publicación marginal dedicada al sexo, lo cual conceptualmente venía como anillo al dedo para las historias sobre sadomasoquismo, dealers y prostitutas que Reed tenía en su cabeza. Con el ingreso de Maureen “Moe” Tucker logran llamar la atención del artista plástico Andy Warhol, quien les comenzó a manejar la carrera.

La influencia de Warhol en el circuito los hizo conseguir un contrato discográfico para la grabación de su álbum debut The Velvet Underground and Nico que vio la luz en marzo de 1967, y de inmediato provocó cierta controversia en el acotado mundo musical del ambiente artístico neoyorquino. Por un lado presentaba melodías de alta sensibilidad como Sunday morning o Femme fatale, mientras que por otro mostraba un costado experimental con densos feedbacks de viola eléctrica de Cale y el particular estilo percusivo de Tucker en temas como European son

Reed seguiría al frente de Velvet Underground hasta 1970, cuando comenzó su carrera solista (paralelamente trabajando como cadete en  el estudio contable de su padre) lanzando al poco tiempo su autotitulado debut, el cual incluía algunas reversiones de su ex banda y posteriormente Transformer, el primer gran clásico de su discografía, el cual combinaba las oscuras historias de marginales con melodías imbatibles como Perfect day y Satellite of love, con  influencias de la música del cabaret y su amado doo woop en temas como Walk on the Wild side.

Posteriores trabajos como Berlin (1973) y Sally can´t dance (1974) lo consolidaron como músico de culto y un importante referente en el desarrollo de estilos como el glam y el pub rock, antecedentes directos de la explosión punk de 1977

 La rebeldía siempre estuvo ligada a su ambición artística. Un claro ejemplo fue su disco Metal machine music de 1975, compuesto exclusivamente por efectos de feedback de guitarras en diferentes velocidades. La idea, (que fue una excusa para librarse de su contrato discográfico), terminó inspirando a una generación de artistas ligados al surgimiento del noise y el shoegazing

Mientras sus colegas generacionales Iggy Pop y David Bowie disfrutaban de un saludable regreso a la fama durante los 80s, Reed siguió sacando discos geniales como The Blue Mask (1982) o New York (1989), además de  concentrarse en colaboraciones como (Music From) The Elder de Kiss o Songs for Drella junto a su ex compañero John Cale para homenajear a Warhol

Los noventas fueron más generosos con su ego: su álbum Magic and loss (1992) volvió a ubicarlo en la escena, y varios grupos de rock alternativo comenzaron a homenajear tanto su carrera solista como su pasado con Velvet Underground, quienes fueron inducidos al Rock and Roll Hall of Fame en 1996, año en que visitaría la Argentina por primera vez (luego le seguiría una segunda visita como solista en 200 para una última acompañando a su esposa Laurie Anderson en 2008)

En sus últimos años su innovador nunca se detuvo y en esta ultima década llevó a cabo dos de sus proyectos más ambiciosos: The Raven, un álbum conceptual de 2003 dedicado a la obra de Edgar Allan Poe con colaboradores como David Bowie o el actor Willem Dafoe y Lulu un controvertido proyecto junto a Metallica lanzado en 2011

Las noticias sobre su delicado estado de salud comenzaron a circular a mediados de mayo de éste año, cuando se conoció que se sometió a un transplante de hígado en Cleveland, del cual sus posteriores consecuencias lo llevarían a la muerte el 27 de octubre.

Dijo su medico que Lou estuvo haciendo sus ejercicios de Tai Chi hasta una hora antes de su final, quizás luchando para que la muerte lo lleve para ese lado salvaje que tanto transitó en vida. Esperemos que así haya sido

Entrevista exclusiva con Bill Gould de Faith No More

*Publicada originalmente en Revista Madhouse

"Ya ni siquiera puedo reconocer a la industria de la música"

Nadie supondría que el hombre de ojos claros sentado en la escalera al costado del escenario, mientras la banda chilena Como Asesinar a Felipes terminaba de probar sonido, fuese el bajista de una de las bandas que revolucionó el rock de los 90s. Humilde y simpático, a la vez que políticamente correcto, Bill Gould se hizo unos minutos para charlar con nosotros momentos antes de salir a escena con su nuevo proyecto: The TalkingBook

Estás a punto de subir a escena por primera vez en la Argentina con The Talking Book. ¿Que expectativas tenés para éste show?

En realidad no lo sé. Es nuestro primer concierto en Argentina… cada audiencia es diferente e incluso cada set que hacemos es diferente por eso trato de estar abierto a lo que pueda suceder

¿Cómo conociste a tus compañeros de The Talking Book?

Los conocí en San Francisco, a través de un sello de música experimental. A través de los años compartimos producciones, pero nunca habíamos hecho nada juntos hasta ahora.

Escuché alguno de los temas y son realmente muy diferentes a lo que venías haciendo…

¡Muy diferente!

¿Como definirías la música de The Talking Book?

(Duda) Es como música ambient… pero es algo mas intenso que eso. Es quizás... no sé muy bien como describirla. Es música difícil de describir y eso es lo que para mi la hace interesante

Vas a compartir escenario con Como Asesinar a Felipes  de Chile. ¿Cómo surgió el contacto con ellos?

Los conocí cuando me mandaron material por correo. Los escuché y me gustaron inmediatamente. Luego nos encontramos cuando toqué en Chile y me encantaron. Creo que son una gran banda

Luego de la separación de Faith No More, Gould  despuntó el vicio tocando como invitado en diversos proyectos (con gente como Jello Biaffra,  Munky de Korn y Fear Factory entre otros, además de fundar su propio sello discográfico en 1999

¿Qué nos podés contar de Koolarrow tu sello discográfico?

Edité a Como Asesinar a Felipes con Koolarrow. Trabajo con diversas bandas de todo el mundo. Básicamente con cada banda con la que trabajo siento que somos compañeros, y ésa es la parte que más disfruto

Estas en el negocio de la música desde los 80s. ¿Como definirías a la industria musical hoy en día? Sobre todo teniendo en cuenta las descargas digitales y el hecho de que ya no se venden discos

¿Sabés que?Para alguien que tienen un sello discográfico voy a darte una respuesta diferente: no puedo definir a la industria de la música porque ya ni siquiera puedo reconocerla.
Ni siquiera se si existe una industria de la música.

Trabajo con la música, siempre amé la música y esta es la manera que encontré para seguir haciendo más música. Esa es la única manera para mi

... mientras siga habiendo música

Mientras siga habiendo música voy a seguir trabajando en ella. Siempre y cuando encuentre cosas que me gusten

¿Qué recordás de tu época junto a  Brujería?

(Piensa)

¿Mucha diversión quizás?

Si, mucha diversión. Crecí con esos tipos. Los conozco desde la secundaria así que recuerdo que me divertí mucho básicamente

¿Extrañas tocar esa música tan pesada?

A veces si. Pero cuando me fui de Brujería era porque me estaba aburriendo un poco. Pero definitivamente siempre hay un momento para tocar algo de eso

¿Cuáles son tus planes para el futuro?

Muchas cosas. No podría especificarte una pero sobre todo salir de gira.

¡El 2014 va a ser un año muy agitado!

Cuando se juntaron por última vez con Faith No More fue solo para salir de gira (se presentaron dos veces en nuestro país: en 2009 y 2011). ¿Hay planes para un nuevo disco de estudio?  ¡Porque todo el mundo está esperando un nuevo disco!

¡Y todo el mundo me pregunta eso! (Risas).

Realmente no puedo darles una respuesta. Me gustaría darles una, pero no puedo

@aledocarmo

Gracias a Nicolas Tavella y Silvana Andrada por su colaboración

Ray Manzarek 1939- 2013

El fuego se apagó

El legendario tecladista de The Doors, Ray Manzarek, falleció el lunes pasado a los 73 años víctima de un cáncer de las vías biliares.
De ascendencia polaca, Raymond Daniel Manczarek, Jr tal su nombre completo, nació y se crió en Chicago, la cuna del blues, sonido que desde pequeño despertó su interés.

Seguramente otra hubiese sido su historia si en su adolescencia su entrenador de básquet no lo hubiese obligado a jugar de base, decisión que lo hizo abandonar definitivamente el deporte para concentrarse en sus otras dos pasiones: el cine y el piano

A pesar de haberse graduado en Economía a los 23 años, decidió estudiar cine en la Universidad de California en Los Angeles, donde conoció a dos personas que cambiarían su vida: su futura esposa Dorothy Fujikawa y su compañero músico Jim Morrison, con quien se decide a formar una banda de blues en 1965 luego de un encuentro en la playa

Hasta ese entonces Manczarek despuntaba el vicio tocando en fiestas estudiantiles junto a sus hermanos Pat y Jim en el grupo Rick and The Ravens, lo que le había otorgado cierta experiencia. Con el ingreso de Morrison a la banda surgió la posibilidad de grabar un demo, cuyo resultado no dejó satisfechos a los miembros, lo que derivó en la metamorfosis hacia un nuevo proyecto bautizado (gracias al libro The Doors of Perception de Aldous Huxley basado en la famosa frase de William Blake: "Si se abrieran las puertas de la percepción todas las cosas se mostrarían tal como son...infinitas") como The Doors; que consistía de Morrison en voz y letras, Manzarek (ya sin la c en su apellido) en órgano , el ultimo baterista de The Ravens John Densmore y el guitarrista Robby Krieger, ambos conocidos por el tecladista en un retiro espiritual de meditación budista

Al poco tiempo la banda comenzó a hacerse un nombre en la escena de pubs californianos, oficiando como house band, primero del London Fog y luego del célebre Whisky a Go Go, hasta que finalmente lograron un contrato de grabación con Elektra Records para grabar su álbum debut en 1966.

Su primer disco, autotitulado, salió a la venta al año siguiente y rápidamente se convirtió en un suceso de ventas, llegando al puesto número dos de Billboard gracias a la mordaz interpretación de Morrison, la influencia de ritmos latinos en la ejecución percusiva de Densmore, el arranque blusero de Krieger y sobre todo el particular sonido psicodélico de órgano Vox Continental de Manzarek que llevaron a temas como The end y especialmente Light my fire a convertirse en clásicos inoxidables de la historia del rock. Al no contar con bajista en estudio, Manzarek además se hacía cargo de los bajos en su piano Rhodes

El éxito no se repetiría en su siguiente lanzamiento: Strange days (consistente en parte en descartes del primer disco), lanzado el mismo año, en donde Manzarek experimentaría con el uso de sintetizadores; pero si en su tercer opus: Waiting for the sun de 1968, que alcanzaría el anhelado puesto número uno en el chart norteamericano de la mano del hit Hello, I Love You

Su cuarto trabajo The soft parade (1969) despertaría polémica entre sus fanáticos al incluir delicados arreglos de cuerdas y vientos, lo que llevaría al grupo a endurecer su sonido en los siguientes dos lanzamientos: Morrison Hotel (1970) y L.A Woman (1971)

Para esa época The Doors se habían convertido en un icono del movimiento flower power, combinando tanto los ideales del hipismo como el oscurantismo beatnik, enarbolando a Morrison como símbolo del líder rebelde rockero marcado por los excesos, que finalmente lo llevarían a la muerte el 3 de julio de 1971 en Paris

A pesar de la desaparición de Morrison, el trío decidió seguir adelante con Manzarek en la primera voz lanzando dos álbumes más: Other voices y Full circle. Pero la magia se había ido y al poco tiempo decidieron disolverse

Los proyectos post Doors de Manzarek (tres discos como solista y dos junto al grupo Nite city junto a Nigel Harrison de Blondie) no volvieron ni por asomo a gozar de la popularidad de su antigua banda, a la cual terminaría volviendo de alguna que otra forma, además de ejercer el rol de productor para bandas como los punks de X

Sus últimos años lo encontraron colaborando junto a Krieger en The Doors of the 21st Century, proyecto con el cual visitó la Argentina por primera vez en 2004 en un recordado show en el Estadio de Vélez Sarsfield con Ian Astbury de The Cult en la piel del Rey Lagarto.

El proyecto (por problemas legales con el baterista John Densmore), ya sin Astbury, mutó en Riders of the storm y finalmente en Manzarek/Krieger, girando por el mundo y reflotando la magia de aquellos dorados 60s, que con la muerte de Manzarek pierden a uno de sus instrumentistas más destacados

Alvin Lee 1944 - 2013

El blues está de luto

Por lo general en el arte, el talento no necesariamente va a la par del reconocimiento. Y muchas veces el no estar en el lugar indicado y en el momento preciso puede ser fundamental a la hora de lograr la popularidad deseada.

Sin dudas este fue el caso de Alvin Lee, el legendario líder de Ten Years After que murió el miércoles 6 de marzo producto de una complicación de su estado tras una cirugía de rutina.

Nacido el 19 de diciembre de 1944 en la ciudad inglesa de Nottingham, Graham Alvin Barnes (tal su verdadero nombre) descubrió la guitarra eléctrica a los 13 años influenciado por la colección de discos de blues y  jazz que atesoraba su padre.

Luego de algún tiempo de vagar sin demasiado éxito por el circuito de pubs ingleses, decidió probar suerte como tantos otros colegas en Hamburgo, Alemania. 
A su regreso formó junto al bajista Leo Lyons una banda llamada The Jaybirds que posteriormente cambiaría su nombre a Ten Years After, lanzando su autotitulado debut en 1967: una fenomenal mezcla de rock y hard blues, sostenido por los punzantes solos de Lee.

En 1968 Ten Years After saca su segundo trabajo Undead (grabado en vivo), su álbum más contundente que incluía el célebre I´m going home, (un must listen para cualquier guitarrista de pura cepa blusera que se precie de tal), tema que además quedaría plasmado en el recuerdo de toda una generación a través de su interpretación en el Festival de Woodstock

Luego de diez discos de mediano éxito con Ten Years After, Lee decidió comenzar una irregular carrera como solista tomando al blues como protagonista, además de reunirse esporádicamente con su viejo socio Lyons en su clásica banda. 

En 2012 editó el que sería su último trabajo Still On The Road To Freedom, una vuelta a sus raíces que,a pesar de las buenas críticas no logró destacarse más allá de su circulo acérrimo de fanáticos incondicionales

Nunca del todo reconocido por la prensa especializada, Alvin Lee no gozó de la popularidad de estrellas  contemporáneas como Jimmy Page, Jeff Beck o Eric Clapton pero fue igual de influyente y será extrañado por los amantes de las guitarras estridentes y los solos virtuosos

@aledocarmo

A 45 años del mítico The Velvet Underground & Nico

El otro ritual de la banana

Nueva York. 1964. Lewis Allan (Lou) Reed y el galés John Davies Cale, dos compositores habitués de los estudios de grabación de la zona, luego de coincidir en un trabajo por encargo decidieron darle forma a un nuevo proyecto que reuniera sus preferencias musicales ligadas al avant garde, la experimentación y el rock de garaje, al cual bautizaron The Primitives, banda con la cual lanzaron el tema The Ostrich, una osada composición de Reed con aportes de viola de Cale

Rápidamente sumaron al proyecto a un compañero de facultad de Reed, el guitarrista Sterling Morrison y al compañero de departamento de Cale, el percusionista Angus MacLise. Luego de pasar por varios nombres como The Warlocks o The Falling Spikes decidieron finalmente bautizarse como The Velvet Underground en honor a una publicación subterránea dedicada al sexo, lo cual conceptualmente venía como anillo al dedo para las historias sobre sadomasoquismo, dealers y prostitutas que Reed tenía en su cabeza.

Ya en julio de 1965 preparan un demo con la intención de hacérselo llegar (vía Mariane Faithfull) a Mick Jagger. Al conseguir la primera fecha (en un colegio, como teloneros de los ignotos The Myddle Class) MacLise dejó el grupo, acusándolos de “haberse vendido”

En reemplazo de MacLise entró Maureen "Mo" Tucker, la hermana menor de un amigo de Morrison, dueña de un particular estilo percusivo: tocaba de pie el bombo, casi no utilizaba los platillos y golpeaba los parches con mazas en vez de palillos. El ingreso de Tucker trajo nuevos aires al sonido de la banda, agregando reminiscencias del minimalismo rítmico de Bo Diddley e influencias tribales

La nueva formación llamó la atención nada menos que del artista plástico Andy Warhol, quien les comenzó a manejar la carrera y los hizo participes de su Exploding Plastic Inevitable, una serie de eventos multimedia para los cuales Velvet Underground oficiaba como banda sonora. La influencia de Warhol en el circuito los hizo conseguir un contrato discográfico para la grabación de su álbum debut. A pedido de Warhol se incorporó al grupo Nico, una cantante alemana que trabajaba como modelo, dueña de una belleza etérea y una voz delicada, que contrastaba con la desprolijidad vocal de Reed

Nico terminaría siendo la voz principal en tres de los tracks del disco: Femme Fatale, All Tomorrow's Parties y I'll Be Your Mirror, además de ponerle los coros a Sunday morning, la sensible canción que oficiaría de apertura de la placa.

El  núcleo del álbum debut (finalmente titulado The Velvet Underground & Nico) fue grabado en solo cuatro jornadas (más algunas sesiones posteriores adicionales) a un costo de menos de 3000 dólares (financiados por Warhol) en los estudios Scepter de Nueva York . El resultado fue, cuanto menos poco convencional, lo que llevó a que el material fuera rechazado (a pesar de los esfuerzos de Warhol) tanto por Columbia, como por Atlantic y Elektra, debiendo la banda conformarse con el modesto sello Verve, subsidiaria de MGM (dedicada mayormente al jazz, aunque también editaría a artistas como Frank Zappa )

Si bien en los créditos Warhol figuraba como productor, lo cierto es que ese papel lo desempeñaron los técnicos Norman Dolph y John Licata bajo la atenta mirada de Cale, y en especial Tom Wilson, quién logró su crédito por su labor en Sunday morning 

Lo que si dejó Warhol como marca distintiva fue la creación de la mítica portada, la cual en su edición original constaba con un dispositivo que permitia pelarla y descubrir que se escondía debajo (finalmente otra banana), fiel al lema Peel slowly and see que podía leerse en la tapa. Dicho dispositivo necesitaba de una maquina especial, por lo cual el lanzamiento del disco se demoró más de lo planeado, aumentando el costo de producción

The Velvet Underground and Nico finalmente vio la luz en marzo de 1967, y de inmediato provocó cierta controversia en el acotado mundo musical del ambiente artístico neoyorquino. Por un lado presentaba melodías de alta sensibilidad como Sunday morning o Femme fatale, mientras que por otro mostraba un costado experimental con densos feedbacks de viola eléctrica de Cale y el particular estilo percusivo de Tucker en temas como European son

De todos modos el rasgo más particular del material del álbum estaba dado por la lirica de Reed que tocaba temas tan poco tratados en el rock de la época como el submundo de los dealers (en I´m waiting for the man), el sadomasoquismo (en Venus in Furs basada en textos de Leopold von Sacher-Masoch) y las drogas duras (en la insuperable Heroin). Como era de esperarse, el álbum tuvo muy poco éxito a nivel comercial, debutando en el puesto 199 y alcanzando como posición más alta el 177.

Luego del lanzamiento del disco, tanto la banda como Nico y Warhol tomaron caminos por separado. Nico comenzaría su carrera solista con el álbum Chelsea girl, el primero de cuatro discos en donde recibiría la colaboración de sus ex compañeros Reed y Cale. La cantante moriría trágicamente en 1988 luego de sufrir un accidente en su bicicleta mientras disfrutaba de unas vacaciones en Ibiza con su hijo.

Velvet Underground sacaría un disco más junto a John Cale (el recomendable White light/White heat de 1968, ya sin el amparo de Warhol) para luego seguir adelante, primero con el liderazgo de Lou Reed y posteriormente bajo el mando del reemplazante de Cale, el guitarrista Doug Yule, ya sin ningún miembro original en sus filas y sin nada de la magia de antaño

The Velvet Underground and Nico marcó una base fundamental para el desarrollo de los movimientos punk y gothic que se desarrollarían años más tarde. El disco ha influenciado a través de los años a artistas tan disimiles como David Bowie, R.E.M, The Smiths , Jane´s Addiction y Kings of Leon y fue editado en CD por primera vez en 1986, aunque la edición más completa fue en 1995 en un box set llamado Peel slowly and see que constaba de cinco discos que incluían además del álbum original, versiones demos y presentaciones en vivo.
45 años después la influencia sigue vigente, solo es cuestión de descubrir que hay debajo de la cascara de la banana

Ale Do Carmo

Los 40 años de Ziggy Stardust de David Bowie

Mantén tus ojos eléctricos en mi, nena

Si The man who sold the world, su obra de 1970 le habia permitido a David Bowie dejar de lado su costado interpretativo más ligado al folk, para dejarse llevar por la fuerza rockera de su nueva banda de acompañamiento, y Hunky dory (1971) le sirvió para consolidarse como un gran compositor de canciones, el próximo paso en la carrera del británico debía ser decisivo para catapultarlo al reconocimiento mundial y al tope de los rankings
Con ese objetivo en mente, Bowie daría el salto más arriesgado hasta ese momento en su carrera: una obra que resumiese tanto su presente como compositor e interprete, así como su extenso bagaje teatral bajo las ordenes de Lindsay Kemp y sus estudios previos sobre arte y diseño

Definitivamente haber visto en vivo las deslumbrantes actuaciones de Iggy Pop y el aura tan particular de Lou Reed (artistas a los cuales produciría posteriormente) provocó un fuerte impacto en Bowie, quien se inspiró en parte en ellos para el hilo conductor de su próximo trabajo.

De todos modos, el personaje que sería una influencia fundamental en el concepto que llevaría adelante Bowie, fue el cantante y líder de The Playboys, Vince Taylor. el cual vestía ropas extravagantes de cuero en escena, adornado con cadenas que sostenían un medallón con la figura de Juana de Arco. Artista de culto injustamente olvidado, Taylor, luego de la separación de su banda, se unió a un movimiento religioso y falleció a principios de la década del 90.

Con estos referentes en mente, Bowie comenzó a delinear la historia para un disco conceptual que contaría la historia de un extraterrestre llamado Ziggy Stardust, que llega a La Tierra encarnado en una estrella de rock; para anunciar que al planeta le quedan solo cinco años de vida. Para su misión busca, cual mesías rockero, la forma de salvar a la humanidad a través de la música, dando un mensaje de esperanza, amor y paz, para ser finalmente corrompido por los egos y los excesos (en una descarada critica al ambiente musical de los '70) propios del contexto de su propia fama, y el desquiciado fanatismo de sus seguidores.

Con respecto al nombre del nuevo personaje Bowie tomó como referencia a Legendary Stardust Cowboy (seudónimo de Norman Carl Odmon), un músico country de culto que escapaba a las normas del género (artista del cual el mismo David versionaría en 2002 el tema I took a trip en el álbum Heathen). Mientras que el apelativo Ziggy surgió de una sastrería (Ziggy’s) que Bowie solía ver durante sus largas travesías en tren de su adolescencia.

Faltaba solo un detalle antes de comenzar con la composición de los temas: el impacto a nivel imagen. Bowie decidió darle entonces un cambio radical a su look: se tiñó el pelo de un rojo furioso y, con la ayuda del diseñador de vanguardia Kansai Yamamoto, y la influencia palpable que había dejado en él sus conocimientos sobre el teatro japones kabuki, diseñó el particular vestuario del andrógino alienigena protagonista de la historia

Ziggy Stardust en plena performance

Con una banda (bautizada ad hoc The Spiders from Mars) conformada por Mick Ronson en guitarras, piano y coros; Trevor Bolder en bajo y Mick Woodmansey en batería (más la producción de Ken Scott y el mismo Bowie), las sesiones de grabación de la placa se sucedieron entre septiembre de 1971 y enero de 1972, agregando varias composiciones nuevas a aquellas que ya venían siendo trabajadas por los músicos desde la anterior etapa de Hunky Dory.

La primera idea de Bowie era que el álbum se convirtiese en la banda de sonido de un espectáculo televisivo o de un show teatral, y hasta incluso se barajó la inclusión de temas como All the Young dudes (que finalmente se convertiría en un importante éxito en la versión grabada por Mott The Hopple), Rebel Rebel y Rock 'n' Roll With Me (estas últimas finalmente grabadas en el disco Diamond dogs de 1974).
Finalmente el disco quedó conformado por 12 tracks. Los cinco del lado A presentan al oyente la historia y describen a Ziggy y su misión en La Tierra, mientras que los restantes seis en la cara B tratan sobre el apogeo y la posterior decadencia del protagonista.

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (tal el título completo) vio la luz el 6 de junio de 1972, con Starman como primer single, llegando a disco de platino en Gran Bretaña y de oro en Estados Unidos y, a pesar de no haber alcanzado el tope de las listas de ventas, logró marcar una notable influencia a través de los años en artistas tan diversos como Marilyn Manson, Bauhaus, Poison y Luca Prodan entre muchos otros.

De todos modos, y a pesar de que Ziggy Stardust se convertiría en un icono de la correcta aplicación de la teatralidad dentro del mundo del rock, sería recién el siguiente trabajo de Bowie, Aladdin sane de 1973 el  que finalmente le daría su primer puesto número uno en el ranking británico.

Lista de temas

1. Five Years 

2. Soul Love

3."Moonage Daydream

4. Starman 

5. It Ain't Easy (Ron Davies) 

6. Lady Stardust 

7. Star 

8. Hang On to Yourself 

9. Ziggy Stardust

10. Suffragette City 

11.Rock 'n' Roll Suicide