10 DATOS CLAVES DE “BLAZE OF GLORY”, EL DEBUT SOLISTA DE JON BON JOVI, A 30 AÑOS DE SU EDICIÓN

Publicado originalmente en MADHOUSE

A pesar de que muchas veces (y sobre todo desde la partida de Richie Sambora) la diferencia entre Bon Jovi, la banda y Jon Bon Jovi, el cantante, sea cada vez más difusa, lo cierto es que hasta 1990 Jon nunca había intentado un proyecto como solista. El detonante fue la propuesta de su amigo, el actor Emilio Estévez, que le permitió a Jon dar rienda suelta a su  gusto por los cowboys y la cultura western norteamericana, con el lanzamiento de “Blaze Of Glory” la banda de sonido de la película “Young Guns II”. 

A 30 años de su salida, te contamos diez detalles a tener en cuenta a la hora de desenfundar nuevamente el disco. Vayan entonces con sus colts a la calle principal a la hora señalada, ¡que aquí vamos!!

1 – PONIENDO PRIMERA. 

Luego de una maratónica gira de 18 meses presentando el disco “New Jersey” (que terminó con una doble función en México, tras su paso por Santiago de Chile y Buenos Aires) Bon Jovi decidió tomarse un descanso por primera vez desde su formación en 1983. Es así que Jon decide desconectarse y emprender un viaje en moto por EEUU. 

A su regreso, su amigo Emilio Estévez le pidió permiso para incluir el tema “Wanted Dead Or Alive” en una película que estaba por protagonizar. La película en cuestión era “Young Guns II”, secuela de un filme que relataba la vida de Billy The Kid, el cowboy delincuente más famoso de la historia estadounidense.  Al enterarse de la trama de la película, Jon le comentó a Estévez  que prefería componer una nueva canción. ya que “Wanted…"a pesar de su aire western, no se correspondía con la temática del film.

2 – Llamarada Creativa. 

El tema en cuestión que Jon le presentó a Emilio y al director John Fusco en el mismísimo set de rodaje en el desierto de Nuevo México fue «Blaze Of Glory». Por supuesto convenció a los productores, quienes le dieron rienda suelta a Jon para que se encargue de la banda de sonido del film. La grabación del disco le permitió a Jon contar con otros músicos y presentarse por primera vez como solista por fuera de su banda. “Blaze Of Glory” se destaca por su introducción de guitarra (a cargo nada menos que del legendario Jeff Beck) y le valdría a Jon un Globo de Oro y una nominación a los premios Oscar (el cual perdería en mano de Madonna con el tema “Sooner or Later”, de la película «Dick Tracy«)

3 – CON UNA PEQUEÑA AYUDA DE MIS COLEGAS. 

La inspiración de Jon completó en pocas semanas la composición de todo un disco inspirado en la película, el cual decidió titular “Blaze Of Glory”. Para acompañarlo en la producción, Jon eligió al veterano Danny Kortchmar, reconocido por su trabajo con figuras de los 70 como Linda Ronstadt, James Taylor y Don Henley, además de contar con figuras invitadas de renombre como Robbin Crosby de Ratt, Benmont Tench de los Heartbreakers de Tom Petty, Aldo Nova, Randy Jackson de Journey y el experimentado baterista Kenny Aronoff (sesionista de Bob Dylan y Joe Cocker entre otros). De todos modos, el plato fuerte fue por partida doble y estuvo dado por la presencia de dos de los ídolos de la infancia de Jon: Little Richard y Elton John (de los cuales hablaremos a continuación)

4 – UNA CARA AMIGABLE EN EL VIDEO. 

Tras el éxito de “Blaze…” Jon decidió filmar otro clip para el segundo corte del disco, en este caso del tema “Miracle”. El mismo hace referencia a la mezcla cultural entre México y EE.UU. en la zona de la frontera y cuenta, adema de la presencia de Jeff Beck, con la participación del actor Matt LeBlanc, quien tiempo después haría el rol de Joey en la tira “Friends”.

5 – EL HOMBRE DEL PIANO (Vol. 1). 

El tercer video para promover el disco fue del tema “Dyin’ Ain’t Much of a Livin'», uno de las dos temas en donde participa Elton John (la otra es “Billy Get Your Guns”). Si bien ni Jon ni Elton aparecerían en el video, el cantante devolvería gentilezas al año siguiente participando de “Two Rooms”, el disco tributo que homenajea a John y al letrista Bernie Taupin.

6 –EL HOMBRE DEL PIANO (Vol. 2). 

Otro de los ídolos de Jon que participó en el disco fue nada menos que Little Richard, en “You Really Got Me”, un tema con reminiscencias de los años 50 que le quedó como anillo al dedo al veterano pianista. En referencia a la muerte de Richard, Jon twiteó un conmovedor recuerdo sobre su participación: “En 1990, cuando escribí la música de Young Guns, tuve la oportunidad de pedirle a algunos de mis héroes que grabaran conmigo: Elton John, Jeff Beck y un elenco de estrellas que se unieron para divertirse y hacer música. Un día, Danny Kortchmar, el famoso productor, me dijo ‘¿a quién más conocés?’ Así que contacté a Little Richard… y aceptó. Cuando llegó al estudio, nos hizo sentir a todos como niños pequeños. Jugó, cantó, se rió y nos contó historias. Nos bendijo con su sonrisa y su talento. Nunca lo olvidaré… Recen, hay un cielo en el que Richard está al piano»

7 – SIN ISLAS EN SANTA FE. 

Uno de los tema favoritos del disco por parte de los fans es la power ballad “Santa Fe” que habla sobre el comienzo de la leyenda de Billy The Kid, una vez que es condenado a muerte por las autoridades. La línea de apertura de la canción, “They say that no man is an island” (“Dicen que ningún hombre es una isla”), es referenciada (aunque de manera irónica) en dos adaptaciones de libros del escritor británico Nick Hornby: «About A Boy» y «High Fidelity«.

8 – TAMBOR COUNTRY. 

Si bien el tema “Bang A Drum” no fue lanzado como single, logró con el tiempo convertirse en un clásico, aunque no por la versión original de Jon sino por el cover hecho por Chris LeDoux, un ya fallecido artista country que llevó el tema a las listas especializadas del género en 1998. Para el video de la canción, LeDoux contó con la participación del mismísimo Jon, quien marcó presencia a bordo de un imponente convertible rojo.

9 – LUZ, CÁMARA… ¡JON! 

“Young Guns II” significó el primer contacto de Jon con el mundo del cine, llegando incluso a tener un breve cameo en el filme (aunque enseguida recibe un balazo). La carrera cinematográfica posterior de Jon incluiría roles en “Moonlight And Valentino”, “The Leading Man”, «U-571» y el mediometraje “Destination Anywhere” (de la cual también se encargaría de la banda sonora), entre otras.

10 – SIN PENA Y CON GLORIA. 

Y para el final, unos datos duros: “Blaze Of Glory” llegó al puesto número 2 en Gran Bretaña y al 3 en EEUU, además de ser disco de platino en Canadá, Australia, Suiza y Austria, completando un total de 3 millones de copias vendidas. En cuanto a la película, si bien cumplió con las expectativas en cuanto a la taquilla, las críticas no fueron favorables, lo que provocó que hasta el momento no haya planes de una tercera parte.

A 50 AÑOS DEL DEBUT DE BLACK SABBATH: LA PIEDRA ANGULAR DEL HEAVY METAL

Si bien el término heavy metal se comenzó a aplicar a partir de la segunda mitad de los 60s a aquellas bandas que agregaban altos niveles de distorsión a su sonido (de la mano de la mítica frase “heavy metal thunder” del clásico “Born to Be Wild” de Steppenwolf), lo cierto es que recién en la década del 70 el género se constituiría como tal con el lanzamiento del álbum debut de Black Sabbath. El sonido oscuro y pesado, la lírica con visos ocultistas y el pelo largo y enmarañado del cuarteto de Birmingham sentarían las bases del género que, medio siglo después aún sigue vigente.

A 50 años de su salida te contamos 10 detalles a tener en cuenta antes de volver a escuchar nuevamente este clásico

1 – Los orígenes de Black Sabbath se remontan a 1967 donde después de coincidir en la banda Mythology, el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward forman un nuevo grupo llamado The Polka Tulk Blues Band (nombre tomado de una compañía textil) junto al cantante Michael “Ozzy” Osbourne y el bajista Terence “Geezer” Butler, además de un segundo guitarrista y un saxofonista (¡!) que pronto dejarían la alineación. Después de acortar el nombre a Polka Tulk, la banda lo cambió por el de Earth, con un sonido ligado al blues rock de sus héroes Jimi Hendrix y Cream

2 – En el medio de uno de sus primeros shows, la banda se dio cuenta que el público esperaba a otro grupo también llamado Earth (pero de características bailables) y prontamente deciden cambiar su nombre (a instancias de Geezer Butler) por Black Sabbath, en honor a una película de terror dirigida por Mario Bava, con Boris Karloff como protagonista, que proyectaban en el cine de enfrente a la sala de ensayo.

3 – La película no solo bautizó a  la banda sino que también inspiro a Butler para componer la letra de “Black Sabbath” el tema que abre su disco debut basada en una visión que había tenido de una figura negra encapuchada a los pies de su cama.

4 – El tema “Black Sabbath” se construye sobre una progresión armónica conocida como tritono o Diabolus in Musica que tiene connotaciones satánicas en la música occidental. Esto, sumado al particular estilo de Iommi (imposibilitado de tocar la guitarra de manera tradicional por haber perdido las falanges de dos de sus dedos en un accidente laboral) es una de las características distintivas de la placa

5 – Por un breve periodo Tony Iommi fue el guitarrista de Jethro Tull quienes buscaban reemplazar a su violero fundador Mick Abrahams. Si bien la estadía de Iommi en la banda fue breve, dejo como recuerdo un paso por el mítico show “Rock and Roll Circus” de los Rolling Stones, donde se lo puede ver haciendo playback al lado del líder Ian Anderson

6 – A pesar de contar con un repertorio ya curtido en vivo, el cuarteto eligió como primer single el tema “Evil Woman” un cover de la banda norteamericana Crow que había sido lanzado tan solo unos meses antes. En la edición norteamericana del álbum, el tema es reemplazado por "Wicked World", su lado B

7 - La portada del álbum es una representación del molino de Mapledurham, situado en el río Támesis en Oxfordshire, Inglaterra. De pie frente al molino, la portada muestra una figura vestida de negro. Si bien Iommi dice que la mujer una vez apareció en el backstage en un show de la banda y se presentó, solo se sabe que era una modelo y actriz contratada por el día.

8 - La funda interior desplegable del lanzamiento original fue diseñada por Keith McMillan  y presentaba una cruz invertida con un poema. Esto hizo que la banda fuese etiquetada como satanista trayéndole algunos problemas pero a la vez dándoles una importante difusión. como medida de protección, el padre de Ozzy que era obrero metalúrgico, les fabricó cruces de plata a cada uno de los miembros de la banda, las cuales debían llevarlas a todas partes colgadas al cuello.

9 – El álbum se grabó en tan solo 12 horas en una sesión llevada a cabo el 16 de octubre de 1969, prácticamente en una sola toma salvo los sonidos de campanas, truenos y lluvias del tema “Black Sabbath”, y los solos de guitarra de "N.I.B." y "Sleeping Village". A pesar de su perfil poco comercial, el álbum  llegó al puesto 8 de los rankings

10 – Finalmente y antes de volver a disfrutar del disco, les advertimos que, aunque sepamos que las brujas no existen (pero que las hay, las hay), el disco se lanzó un viernes 13 (de 1970). Ahora sí, ¡a darle play!

Los 45 años de Ziggy Stardust, el mesías rockero de David Bowie

Mantén tus ojos eléctricos en mi, nena

Si The Man Who Sold The World, su obra de 1970 le había permitido a David Bowie dejar de lado su costado interpretativo más ligado al folk, para dejarse llevar por la fuerza rockera de su nueva banda de acompañamiento, a la vez que Hunky dory (1971) le sirvió para consolidarse como un gran compositor de canciones; el próximo paso en la carrera del británico debía ser decisivo para catapultarlo al reconocimiento mundial y al tope de los rankings.

Con ese objetivo en mente, Bowie daría el salto más arriesgado hasta ese momento en su carrera: una obra que resumiese tanto su presente como compositor e interprete, así como su extenso bagaje teatral bajo las ordenes del maestro de actores Lindsay Kemp y sus estudios previos sobre arte y diseño.

Definitivamente haber visto en vivo las deslumbrantes actuaciones de Iggy Pop y el aura tan particular de Lou Reed (artistas a los cuales produciría posteriormente) provocó un fuerte impacto en Bowie, quien se inspiró en parte en ellos para el hilo conductor de su próximo trabajo.

De todos modos, el personaje que sería una influencia fundamental en el concepto que llevaría adelante Bowie, fue el cantante y líder de The Playboys, Vince Taylor, el cual vestía ropas extravagantes de cuero en escena, adornado con cadenas que sostenían un medallón con la figura de Juana de Arco. Convertido en un artista de culto injustamente olvidado, Taylor, luego de la separación de su banda, se unió a un movimiento religioso y falleció a principios de la década del 90.

Con estos referentes en mente, Bowie comenzó a delinear la historia para un disco conceptual que contaría la historia de un extraterrestre llamado Ziggy Stardust, que llega a La Tierra encarnado en una estrella de rock; para anunciar que al planeta le quedan solo cinco años de vida. Para su misión busca, cual mesías rockero, la forma de salvar a la humanidad a través de la música, dando un mensaje de esperanza, amor y paz, para ser finalmente corrompido por los egos y los excesos (en una descarada critica al ambiente musical de los '70) propios del contexto de su propia fama, y el desquiciado fanatismo de sus seguidores.

Con respecto al nombre del nuevo personaje Bowie tomó como referencia a Legendary Stardust Cowboy (seudónimo de Norman Carl Odmon), un músico country de culto que escapaba a las normas del género (artista del cual el mismo David versionaría en 2002 el tema “I took a trip” en el álbum Heathen). Mientras que el apelativo Ziggy surgió de una sastrería (Ziggy’s) que Bowie solía ver durante sus largas travesías en tren de su adolescencia.

Faltaba solo un detalle antes de comenzar con la composición de los temas: el impacto a nivel imagen. Para esto, Bowie decidió darle entonces un cambio radical a su look tiñéndose el pelo de un rojo furioso y, con la ayuda del diseñador de vanguardia Kansai Yamamoto y la influencia palpable que había dejado en él sus conocimientos sobre el teatro japones kabuki, diseñó el particular vestuario del andrógino alienigena protagonista de la historia.

Ziggy Stardust en plena performance

Con una banda (bautizada ad hoc The Spiders From Mars) conformada por Mick Ronson en guitarras, piano y coros; Trevor Bolder en bajo y Mick Woodmansey en batería (más la producción de Ken Scott y el mismo Bowie), las sesiones de grabación de la placa se sucedieron entre septiembre de 1971 y enero de 1972, agregando varias composiciones nuevas a aquellas que ya venían siendo trabajadas por los músicos desde la anterior etapa de Hunky Dory.

La primera idea del cantante era que el álbum se convirtiese en la banda de sonido de un espectáculo televisivo o de un show teatral, y hasta incluso se barajó la inclusión de temas como “All the Young Dudes” (que finalmente se convertiría en un importante éxito en la versión grabada por Mott The Hoople), “Rebel Rebel” y “Rock 'n' Roll With Me” (estas últimas finalmente grabadas en el disco Diamond Dogs de 1974).

Finalmente el disco quedó conformado por 12 tracks. Los cinco del lado A en la versión original en vinilo presentan al oyente la historia y describen a Ziggy y su misión en La Tierra, mientras que los restantes seis en la cara B tratan sobre el apogeo y la posterior decadencia del protagonista.

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars (tal el título completo) vio la luz el 6 de junio de 1972, con “Starman” como primer single, llegando a disco de platino en Gran Bretaña y de oro en Estados Unidos y, a pesar de no haber alcanzado el tope de las listas de ventas, logró marcar una notable influencia a través de los años en artistas tan diversos como Marilyn Manson, Bauhaus, Poison y Luca Prodan entre muchos otros.

De todos modos, y a pesar de que Ziggy Stardust se convertiría en un icono de la correcta aplicación de la teatralidad dentro del mundo del rock, sería recién el siguiente trabajo de Bowie, Aladdin sane de 1973 el  que finalmente le daría su primer puesto número uno en el ranking británico.

A 45 años de su lanzamiento, la historia del alienígena devenido en salvador rockero de la humanidad, dejó una huella imborrable en la historia del rock. La misma que el genio detrás de su creación

Lista de temas

1. Five Years 

2. Soul Love

3."Moonage Daydream

4. Starman 

5. It Ain't Easy (Ron Davies) 

6. Lady Stardust 

7. Star 

8. Hang On to Yourself 

9. Ziggy Stardust

10. Suffragette City 

11.Rock 'n' Roll Suicide 

Lemmy Kilmister: el nombre del rock n' roll

Mujeres. De todas las edades, todos los colores y todos los tamaños. Ese fue el motivo por el cual Ian Fraser Kilmister decidió agarrar una guitarra y setear de manera definitiva los estándares del modo de vida rockero que seguía al pie de la letra el axioma “Sexo, drogas y rock n roll”.

El joven Lemmy (apodo que se ganó por su constante pedido de préstamo de dinero “Lemmy a quid till Friday")[Prestame unos mangos hasta el viernes], aprendió que con una guitarra en la mano su atracción hacia el sexo opuesto crecía considerablemente. Por lo que decidió dedicar su vida al rock: primero como asistente de Jimi Hendrix y luego como protagonista.

La década del 60 lo encontró como miembro inestable de varios proyectos ligados a la psicodelia,  (bandas intrascendentes como The Rockin’ Vickers, Sam Gopal y Opal Butterfly) hasta que en 1971 se sumó a Hawkwind, los líderes del space rock, circunstancia que le cambió la vida de dos maneras: comenzó a hacerse un nombre en el mainstream rockero y adoptó definitivamente el bajo como instrumento.

Tras cuatro discos con Hawkwind comenzaron los problemas: incluso para los altos estándares de drogas de los miembros de la banda el nivel de excesos de Lemmy era demasiado alto, lo que derivó en su despido, tras un incidente con la policía en Canadá, algo que el bajista perdonaría pero  jamás olvidaría. 

Motivado por la bronca, Lemmy aprovechó el título del último tema compuesto para Hawkwind para bautizar su nuevo proyecto, y decidió buscar algo que se daba pocas veces en el mundo del rock: una segunda oportunidad. Para eso reclutó a dos aliados (Lucas Fox en la batería y Larry Wallis en la guitarra, posteriormente reemplazados por Philty Animal Taylor y Fast Eddie Clarke) y se lanzó a conquistar el mundo a puro rock podrido con Motörhead.

Presentados como "la banda más rápida y sucia del planeta", Motörhead siempre eludió las clasificaciones: llegaron muy tarde al primer heavy metal (término que Lemmy aborrecía) y muy temprano al punk, género tuvo al grupo como uno de sus inspiradores.

Cuando parecía que tras un par de discos clásicos (Overkill y Ace of Spades) la banda finalmente conquistaría el éxito, problemas internos y malos manejos llevaron a Lemmy  a convertirse en algo más importante que una estrella de rock: un icono para varias generaciones.

Sus últimos años los pasó editando discos respetables con la última formación de Motorhead (el guitarrista Phil Campbell y el baterista Mikkey Dee) y lidiando con sus cada vez más graves problemas de salud producto de años de excesos (cuenta la leyenda que ante la posibilidad de realizarse una renovación total de sangre, el médico que lo atendió descartó la opción porque consideraba que la sangre humana podía matarlo).

Pocos días después de cumplir 70 años finalmente Lemmy demostró que es humano. Deja como legado 22 discos de estudio, varios clásicos y un lema: "Nacer para perder, vivir para ganar"

Y vaya si lo ha hecho.

@aledocarmo

JOHNNY WINTER - 1944 / 2014

 El rey blanco del blues

Winter en su apogeo

Nacido como John Dawson Winter III en la ciudad de Beaumont, Texas, Johnny Winter comenzó desde pequeño a involucrarse en el mundo de la música junto a su hermano Edgar (dos años más joven), gracias al apoyo de su padre (que había sido alcalde en una ciudad de Mississippi) y a una vieja radio que le haría conocer a los grandes del blues.

Su primer single lo grabó a los 15 años junto a su banda Johnny and the Jammers, y a pesar de pasar desapercibido ya daba muestras de su talento. Es que el joven albino (condición genética que desarrolló al igual que hermano) había pasado buena parte de sus pocos años de vida viendo a grandes del género como Muddy Waters y B.B. King además de hacerse de una impresionante colección de discos

Dos potencias: Johnny y Jimi

A fines de 1968 y luego de editar su primer disco y varios singles (que se relanzarían hasta el cansancio durante toda su carrera)  llegaría su gran momento, cuando como invitado en una zapada junto a Mike Bloomfield y Al Kooper en el legendario  Fillmore East de Nueva York, los ejecutivos de Columbia Records lo vieron tocar y le ofrecieron el adelanto más grande de la historia del rock hasta ese momento: 600.000 dolares

A pesar de ese auspicioso precedente y de un exitoso segundo disco (autotitulado), Winter nunca pudo desarrollar un proyecto viable comercialmente a pesar de lanzar gemas como Second Winter o Johnny Winter And (junto al guitarrista Rick Derringer)  lo que, sumado a su adicción a la heroína (que le dejaría secuelas hasta el fin de sus días) lo llevaría lentamente a alejarse del candelero, perdido entre discos intrascendentes y colaboraciones poco reconocidas debido a un manejo poco eficaz. 
Incluso, junto a su hermano Edgar demandaron sin éxito a la empresa DC en 1996 por los derechos de dos personajes albinos de la serie Jonah Hex llamados The Autumm Brothers

Junto a su hermano Edgar

A fines de los 70s le llegaría el reconocimiento, pero como productor, al ganar tres Grammys por su trabajo junto a Muddy Waters, a quien ayudó a relanzar exitosamente su carrera. 
De todos modos, intentando curar su adicción y luchando contra la edición no autorizada de viejos discos, el talento de Winter fue apareciendo en cuentagotas en ediciones de pequeñas discográficas y en giras que por su frágil salud y su necesidad permanente de metadona para contraponer su adicción a la heroina (situación que lo llevó cancelar su show en Argentina en 2004, visita que se esperaba finalmente para octubre) no lograban extenderse demasiado

Su deceso en una habitación de hotel en Zurich, Suiza, el pasado 16 de julio, tan solo cuatro días después de su ultimo show, transcurrió en el marco de una gira adelanto de lo que será el primero de varios discos póstumos: Step Back, programado para septiembre, que contará con la participación de invitados como Eric Clapton, Joe Perry, Brian Setzer y Joe Bonnamassa.

En sus últimos años

De apariencia frágil y con unos tatuajes que remarcaban aún más su albinismo, Winter falleció como tantos otros sin lograr el reconocimiento de la intelligentzia del rock, pero dejando un legado notable que se refleja en artistas como Warren Haynes, clásicos como Stevie Ray Vaughan o en cada uno de los que, al rasgar la guitarra entonan un viejo blues

Discografía recomendada:

Johnny Winter(1969) 

Second Winter(1969) 

Johnny Winter And (1970)

Together: Edgar Winter and Johnny Winter Live (1976)

Nothin' But the Blues (1977)

LOU REED 1942 – 2013

Fue una vida perfecta Lou, gracias por pasarla con nosotros

Solo un día perfecto

Me hiciste olvidar de mi mismo

Pensé que era otro, alguien bueno

Mezclar la letra de amor más pura con la melodía más triste, sacar un disco doble de puro feedback de guitarra (y que se venda), llegar a los 70 años recitando historias macabras con el grupo más importante de heavy metal como banda de apoyo... todo eso y mucho más solo podía salir de la cabeza de alguien como Lou Reed, cuya noticia de su muerte (como con todos los grandes) nos hizo recordarlo con una sonrisa luego de cada play

Nacido como Lewis Allan Reed en Brooklyn el 2 de marzo de 1942, gracias a su afición a la radio pudo descubrir su pasión por el rock and roll y el rhythm and blues, lo que lo llevó a comenzar a tocar la guitarra buscando imitar a sus ídolos

Su primera grabación fue en su adolescencia como parte del grupo de doo woop The Jades. Por esa época también comenzarían sus problemas con sus padres, que intentaban “curarlo” de su bisexualidad a través de electroshocks, que solo lograrían profundizar su carácter tosco y endurecer su mirada

Su pasión por la literatura y el periodismo lo llevó a anotarse en la Universidad de Syracuse y comenzar a componer sus primeras canciones intentando escapar a una vida demasiado chata para su talento

En 1964, trabajando como compositor a sueldo de la discográfica Pinwick comienza, junto con su amigo galés John Cale, a darle forma a The Primitives, banda con la cual lanzaron el tema The Ostrich, una osada composición de Reed con aportes de viola de Cale. Rápidamente sumaron al proyecto al guitarrista Sterling Morrison y al percusionista Angus MacLise, y luego de pasar por varios nombres decidieron finalmente bautizarse como The Velvet Underground en honor a una publicación marginal dedicada al sexo, lo cual conceptualmente venía como anillo al dedo para las historias sobre sadomasoquismo, dealers y prostitutas que Reed tenía en su cabeza. Con el ingreso de Maureen “Moe” Tucker logran llamar la atención del artista plástico Andy Warhol, quien les comenzó a manejar la carrera.

La influencia de Warhol en el circuito los hizo conseguir un contrato discográfico para la grabación de su álbum debut The Velvet Underground and Nico que vio la luz en marzo de 1967, y de inmediato provocó cierta controversia en el acotado mundo musical del ambiente artístico neoyorquino. Por un lado presentaba melodías de alta sensibilidad como Sunday morning o Femme fatale, mientras que por otro mostraba un costado experimental con densos feedbacks de viola eléctrica de Cale y el particular estilo percusivo de Tucker en temas como European son

Reed seguiría al frente de Velvet Underground hasta 1970, cuando comenzó su carrera solista (paralelamente trabajando como cadete en  el estudio contable de su padre) lanzando al poco tiempo su autotitulado debut, el cual incluía algunas reversiones de su ex banda y posteriormente Transformer, el primer gran clásico de su discografía, el cual combinaba las oscuras historias de marginales con melodías imbatibles como Perfect day y Satellite of love, con  influencias de la música del cabaret y su amado doo woop en temas como Walk on the Wild side.

Posteriores trabajos como Berlin (1973) y Sally can´t dance (1974) lo consolidaron como músico de culto y un importante referente en el desarrollo de estilos como el glam y el pub rock, antecedentes directos de la explosión punk de 1977

 La rebeldía siempre estuvo ligada a su ambición artística. Un claro ejemplo fue su disco Metal machine music de 1975, compuesto exclusivamente por efectos de feedback de guitarras en diferentes velocidades. La idea, (que fue una excusa para librarse de su contrato discográfico), terminó inspirando a una generación de artistas ligados al surgimiento del noise y el shoegazing

Mientras sus colegas generacionales Iggy Pop y David Bowie disfrutaban de un saludable regreso a la fama durante los 80s, Reed siguió sacando discos geniales como The Blue Mask (1982) o New York (1989), además de  concentrarse en colaboraciones como (Music From) The Elder de Kiss o Songs for Drella junto a su ex compañero John Cale para homenajear a Warhol

Los noventas fueron más generosos con su ego: su álbum Magic and loss (1992) volvió a ubicarlo en la escena, y varios grupos de rock alternativo comenzaron a homenajear tanto su carrera solista como su pasado con Velvet Underground, quienes fueron inducidos al Rock and Roll Hall of Fame en 1996, año en que visitaría la Argentina por primera vez (luego le seguiría una segunda visita como solista en 200 para una última acompañando a su esposa Laurie Anderson en 2008)

En sus últimos años su innovador nunca se detuvo y en esta ultima década llevó a cabo dos de sus proyectos más ambiciosos: The Raven, un álbum conceptual de 2003 dedicado a la obra de Edgar Allan Poe con colaboradores como David Bowie o el actor Willem Dafoe y Lulu un controvertido proyecto junto a Metallica lanzado en 2011

Las noticias sobre su delicado estado de salud comenzaron a circular a mediados de mayo de éste año, cuando se conoció que se sometió a un transplante de hígado en Cleveland, del cual sus posteriores consecuencias lo llevarían a la muerte el 27 de octubre.

Dijo su medico que Lou estuvo haciendo sus ejercicios de Tai Chi hasta una hora antes de su final, quizás luchando para que la muerte lo lleve para ese lado salvaje que tanto transitó en vida. Esperemos que así haya sido

Ray Manzarek 1939- 2013

El fuego se apagó

El legendario tecladista de The Doors, Ray Manzarek, falleció el lunes pasado a los 73 años víctima de un cáncer de las vías biliares.
De ascendencia polaca, Raymond Daniel Manczarek, Jr tal su nombre completo, nació y se crió en Chicago, la cuna del blues, sonido que desde pequeño despertó su interés.

Seguramente otra hubiese sido su historia si en su adolescencia su entrenador de básquet no lo hubiese obligado a jugar de base, decisión que lo hizo abandonar definitivamente el deporte para concentrarse en sus otras dos pasiones: el cine y el piano

A pesar de haberse graduado en Economía a los 23 años, decidió estudiar cine en la Universidad de California en Los Angeles, donde conoció a dos personas que cambiarían su vida: su futura esposa Dorothy Fujikawa y su compañero músico Jim Morrison, con quien se decide a formar una banda de blues en 1965 luego de un encuentro en la playa

Hasta ese entonces Manczarek despuntaba el vicio tocando en fiestas estudiantiles junto a sus hermanos Pat y Jim en el grupo Rick and The Ravens, lo que le había otorgado cierta experiencia. Con el ingreso de Morrison a la banda surgió la posibilidad de grabar un demo, cuyo resultado no dejó satisfechos a los miembros, lo que derivó en la metamorfosis hacia un nuevo proyecto bautizado (gracias al libro The Doors of Perception de Aldous Huxley basado en la famosa frase de William Blake: "Si se abrieran las puertas de la percepción todas las cosas se mostrarían tal como son...infinitas") como The Doors; que consistía de Morrison en voz y letras, Manzarek (ya sin la c en su apellido) en órgano , el ultimo baterista de The Ravens John Densmore y el guitarrista Robby Krieger, ambos conocidos por el tecladista en un retiro espiritual de meditación budista

Al poco tiempo la banda comenzó a hacerse un nombre en la escena de pubs californianos, oficiando como house band, primero del London Fog y luego del célebre Whisky a Go Go, hasta que finalmente lograron un contrato de grabación con Elektra Records para grabar su álbum debut en 1966.

Su primer disco, autotitulado, salió a la venta al año siguiente y rápidamente se convirtió en un suceso de ventas, llegando al puesto número dos de Billboard gracias a la mordaz interpretación de Morrison, la influencia de ritmos latinos en la ejecución percusiva de Densmore, el arranque blusero de Krieger y sobre todo el particular sonido psicodélico de órgano Vox Continental de Manzarek que llevaron a temas como The end y especialmente Light my fire a convertirse en clásicos inoxidables de la historia del rock. Al no contar con bajista en estudio, Manzarek además se hacía cargo de los bajos en su piano Rhodes

El éxito no se repetiría en su siguiente lanzamiento: Strange days (consistente en parte en descartes del primer disco), lanzado el mismo año, en donde Manzarek experimentaría con el uso de sintetizadores; pero si en su tercer opus: Waiting for the sun de 1968, que alcanzaría el anhelado puesto número uno en el chart norteamericano de la mano del hit Hello, I Love You

Su cuarto trabajo The soft parade (1969) despertaría polémica entre sus fanáticos al incluir delicados arreglos de cuerdas y vientos, lo que llevaría al grupo a endurecer su sonido en los siguientes dos lanzamientos: Morrison Hotel (1970) y L.A Woman (1971)

Para esa época The Doors se habían convertido en un icono del movimiento flower power, combinando tanto los ideales del hipismo como el oscurantismo beatnik, enarbolando a Morrison como símbolo del líder rebelde rockero marcado por los excesos, que finalmente lo llevarían a la muerte el 3 de julio de 1971 en Paris

A pesar de la desaparición de Morrison, el trío decidió seguir adelante con Manzarek en la primera voz lanzando dos álbumes más: Other voices y Full circle. Pero la magia se había ido y al poco tiempo decidieron disolverse

Los proyectos post Doors de Manzarek (tres discos como solista y dos junto al grupo Nite city junto a Nigel Harrison de Blondie) no volvieron ni por asomo a gozar de la popularidad de su antigua banda, a la cual terminaría volviendo de alguna que otra forma, además de ejercer el rol de productor para bandas como los punks de X

Sus últimos años lo encontraron colaborando junto a Krieger en The Doors of the 21st Century, proyecto con el cual visitó la Argentina por primera vez en 2004 en un recordado show en el Estadio de Vélez Sarsfield con Ian Astbury de The Cult en la piel del Rey Lagarto.

El proyecto (por problemas legales con el baterista John Densmore), ya sin Astbury, mutó en Riders of the storm y finalmente en Manzarek/Krieger, girando por el mundo y reflotando la magia de aquellos dorados 60s, que con la muerte de Manzarek pierden a uno de sus instrumentistas más destacados

Alvin Lee 1944 - 2013

El blues está de luto

Por lo general en el arte, el talento no necesariamente va a la par del reconocimiento. Y muchas veces el no estar en el lugar indicado y en el momento preciso puede ser fundamental a la hora de lograr la popularidad deseada.

Sin dudas este fue el caso de Alvin Lee, el legendario líder de Ten Years After que murió el miércoles 6 de marzo producto de una complicación de su estado tras una cirugía de rutina.

Nacido el 19 de diciembre de 1944 en la ciudad inglesa de Nottingham, Graham Alvin Barnes (tal su verdadero nombre) descubrió la guitarra eléctrica a los 13 años influenciado por la colección de discos de blues y  jazz que atesoraba su padre.

Luego de algún tiempo de vagar sin demasiado éxito por el circuito de pubs ingleses, decidió probar suerte como tantos otros colegas en Hamburgo, Alemania. 
A su regreso formó junto al bajista Leo Lyons una banda llamada The Jaybirds que posteriormente cambiaría su nombre a Ten Years After, lanzando su autotitulado debut en 1967: una fenomenal mezcla de rock y hard blues, sostenido por los punzantes solos de Lee.

En 1968 Ten Years After saca su segundo trabajo Undead (grabado en vivo), su álbum más contundente que incluía el célebre I´m going home, (un must listen para cualquier guitarrista de pura cepa blusera que se precie de tal), tema que además quedaría plasmado en el recuerdo de toda una generación a través de su interpretación en el Festival de Woodstock

Luego de diez discos de mediano éxito con Ten Years After, Lee decidió comenzar una irregular carrera como solista tomando al blues como protagonista, además de reunirse esporádicamente con su viejo socio Lyons en su clásica banda. 

En 2012 editó el que sería su último trabajo Still On The Road To Freedom, una vuelta a sus raíces que,a pesar de las buenas críticas no logró destacarse más allá de su circulo acérrimo de fanáticos incondicionales

Nunca del todo reconocido por la prensa especializada, Alvin Lee no gozó de la popularidad de estrellas  contemporáneas como Jimmy Page, Jeff Beck o Eric Clapton pero fue igual de influyente y será extrañado por los amantes de las guitarras estridentes y los solos virtuosos

@aledocarmo